I comunicati stampa di presentazione dei nuovi videoclip selezionati da Blogfoolk
L'ANTIDOTE
“NA NA NA”
DISPONIBILE DA OGGI 11 APRILE IL TERZO SINGOLO ESTRATTO DAL DISCO D’ESORDIO SELF-TITLED “L’ANTIDOTE” FUORI IL 19 SETTEMBRE PER PONDEROSA MUSIC RECORDS
Esce venerdì 11 aprile – su tutte le piattaforme digitali – Na Na Na (Ponderosa Music Records), terzo singolo che fa da apripista all’uscita del disco d’esordio S/T de L’Antidote. Un nuovo progetto dal sapore mediorientale che vede Redi Hasa al violoncello, Bijan Chemirani alle percussioni e Rami Khalifé al pianoforte. L’album sarà disponibile in fisico e in digitale dal 19 settembre e in pre-order dall’11 aprile. L’Antidote è stato anticipato da Pomegranate (28 febbraio), brano che ha permesso al trio di porre le fondamenta per un messaggio di armonia e unione tra culture diverse, e da The Orchard e Rosée che hanno portato avanti l’intento di familiarizzare il proprio pubblico alle tematiche che chiave del disco, ponendosi come un viaggio nel suo ricco panorama musicale. Minimalista e uptempo, Na Na Na è un brao sorprendente che fonde energia e raffinatezza. Un tema orientale avvolgente si intreccia con tessiture strumentali sofisticate, creando un equilibrio perfetto tra tensione e dinamismo. Gli accenti ritmici e le sfumature sonore dissolvono l’urgenza sottesa, trasformando il pezzo in un viaggio sonoro imprevedibile e coinvolgente. L’Antidote è un incontro tra sonorità, mondi e culture geograficamente distanti tra loro si traduce in una sinergia musicalmente inedita. Un viaggio sensoriale che assapora il fascino impervio di città e paesaggi remoti, restituendo immagini, sapori e colori differenti nell’immaginario dell’ascoltatore. Nove tracce collegate da un fil rouge emozionale che sfocia in un’analisi meditativa che rispecchia l’animo di ognuno dei musicisti. Un conglomerato di sonorità ricercate, a tratti estatiche, per certi versi ipnotiche e leggermente cupe vengono esplorate sapientemente attraverso gli strumenti del trio.
Percussionista di origine iraniana, Bijan Chemirani ha imparato a suonare lo zarb con il padre Djamchid Chemirani e il fratello Keyvan. La sua carriera inizia molto presto, tra concerti e diverse registrazioni con musicisti del calibro di Ross Daly, Dariush Talai, Ballaké Sissoko, Jean Guihen Queyras, Sylvain Luc, Sting, Socrates Sinopoulos, Serge Teyssot Gai, Renaud Garcia Fons e motli altri. All'età di ventidue anni incide il suo primo album, “Gulistan, jardin des roses”, ad Atene e Marsiglia, con Ross Daly.
Libanese di origine, Rami Khalifé nasce tra i tumulti della guerra civile a Beirut. Sebbene sia noto soprattutto per la sua rivisitazione dei classici, è stato solista al fianco di alcune delle orchestre più prestigiose del mondo, tra cui la Globalis Orchestra, la Qatar Philharmonic Orchestra e la Liverpool Philharmonic Orchestra. Attraverso una musica tanto eclettica quanto audace, Rami si è affermato come uno dei giovani compositori più influenti del XXI secolo. La sua carriera lo ha visto anche produrre colonne sonore per film e documentari. Il Daily Star lo ha definito come “un musicista di estremo calibro e di pura espressione... una gradita deviazione sperimentale dalla norma odierna e nel mondo relativamente conformista della composizione classica”.
Nato in una famiglia di artisti, il violoncellista e compositore albanese Redi Hasa ha iniziato a studiare il violoncello all'età di sette anni. Il suo primo album solista, The Stolen Cello, lo ha visto confrontarsi faccia a faccia con questo strumento, instaurando con esso un rapporto molto profondo che emerge in ogni traccia del disco. Il suo secondo lavoro in studio, My Nirvana, è un album che analizza un percorso di scoperta e analisi verso il “cuore grunge” del suo modo di fare musica, rendendo omaggio a una band al quale è motlo legato. Nella sua carriera ha collaborato con Kocani Orkestar, Boban Markovic, Bobby McFerrin, Paolo Fresu e dal 2012 è membro della band di Ludovico Einaudi.
_____________________________________________________________________________________
La raffinata cantautrice
PATRIZIA CIRULLI
DA OGGI ONLINE IL VIDEOCLIP DI
“NELLE PALUDI DI VENEZIA FRANCESCO SI FERMÒ A PREGARE E TUTTO TACQUE”
Da oggi, lunedì 7 aprile, è online il videoclip di “NELLE PALUDI DI VENEZIA FRANCESCO SI FERMÒ A PREGARE E TUTTO TACQUE” (https://www.youtube.com/watch?v=ED5McGf2YJg), il nuovo singolo della raffinata cantautrice PATRIZIA CIRULLI che offre una reinterpretazione in acustico e al femminile dell’omonimo brano di Angelo Branduardi. L’arrangiamento del brano, che si ispira al contenuto di “Legenda Maior”, la biografia di Francesco D’Assisi ad opera di San Bonaventura da Bagnoregio, è essenziale e minimale, in perfetta sintonia con il messaggio francescano. La voce di Patrizia, confortante e consolatoria, amplifica l’impatto emotivo del racconto. Il videoclip è stato girato tra Basiglio, il Parco delle Cave di Milano e il chiostro della Basilica di San Lanfranco a Pavia, luoghi che richiamano le Paludi di Venezia, dove, secondo la narrazione, Francesco si ritrovò a pregare, con gli uccelli che tacquero di fronte alla sua richiesta di silenzio. L’ambientazione e la composizione musicale, raffinata e intensa, contribuiscono a creare un’atmosfera sospesa, che avvolge l’ascoltatore, trasportandolo nel racconto. «Questa canzone di grande bellezza mi ha sempre coinvolta profondamente – racconta Patrizia Cirulli – Interpretare questo testo è stata una grande emozione, un’esperienza mistica che mi ha permesso di sentirmi parte di un istante fuori dal tempo: lo stormo di uccelli, il loro gracchiare e poi, d’improvviso, San Francesco che parla, chiede loro gentilmente di interrompere il loro canto e tutto tace». Il brano di Patrizia Cirulli è contenuto nell’album “IL VISIONARIO (FRANCESCO D’ASSISI)”, reinterpretazione di “L’infinitamente piccolo”, album di Angelo Branduardi, nel quale il cantautore musicò le Fonti Francescane, raccolta di testi di Francesco e Chiara d’Assisi e si presenta come un omaggio intimo ed elegante al compositore e alla poetica del santo umbro.
Patrizia Cirulli è una cantautrice, compositrice, autrice di Milano, dalla voce "insolita e straordinaria"- come l'ha definita Lucio Dalla. Per quattro volte finalista al Premio Tenco e per tre volte vincitrice del Premio Lunezia, ha collaborato con vari artisti, fra cui Sergio Cammariere, Mario Venuti, Fausto Mesolella, Sergio Muniz, Vince Tempera, Pacifico. Nel 2012 pubblica il disco “Qualcosa che vale”, finalista al Premio Tenco 2013 e rilettura in chiave acustica dell'album “E già” di Lucio Battisti, in cui suonano 14 fra i migliori chitarristi italiani come Fausto Mesolella, Luigi Schiavone, Paolo Bonfanti, Massimo Germini, Carlo Marrale. Nel 2016 pubblica “Mille baci” (Egea Music) album finalista al Premio Tenco 2016, vincitore del Premio Stilnovo nell'ambito del Premio Lunezia 2016 e vincitore del Premio La musica della poesia nell'ambito del Premio Bianca D'Aponte 2016. In questo album Patrizia ha musicato e interpretato in forma canzone poesie di grandi autori (Quasimodo, Merini, d'Annunzio, Pessoa, Catullo, Garcia Lorca, De Filippo, Kahlo e altri). Due anni dopo pubblica "Sanremo d'Autore" (Egea Music), album finalista al Premio Tenco, in cui Patrizia ha reinterpretato alcuni brani che hanno partecipato al Festival di Sanremo. Nel 2020 ha pubblicato una sua personale versione acustica del brano di Achille Lauro “C'est la vie” e nel dicembre 2021 Patrizia ha scritto il suo primo libro di poesie dal titolo “Sola di fronte al mare” edito da Pluriversum Edizioni con prefazione di Alessandro Quasimodo. Nel 2022 ha pubblicato l’album “Fantasia. Le Poesie Di Eduardo In Musica” (Squilibri editore), finalista al Premio Tenco 2023. Da questo disco, in cui Patrizia ha musicato le poesie di Eduardo De Filippo, è nato un fortunato tour per tutt’Italia.
_____________________________________________________________________________________
ONLINE IL VIDEO
MASCARIMIRÌ - BELLA SEI
“Beddha, beddha, bella sei Te manciu l’occhi toi, cu l’occhi mei”
Il brano è disponibile su Bandcamp
”Bella Sei” - il nuovo singolo dei Mascarimirì, scritto rigorosamente in dialetto salentino – il tratto distintivo di creazioni di Claudio “Cavallo” Giagnotti. Il brano Vi trasporterà in un turbine di emozioni travolgenti raccontando un sentimento ardente, un incontro di sguardi e desiderio che scotta come il fuoco. Le parole in dialetto salentino rendono il tutto ancora più autentico e coinvolgente, facendo vibrare l’anima di chi ascolta. Un mix perfetto di sensualità e passione che, con il suo ritmo incalzante, è pensato per farvi ballare e sentirvi vivi durante le calde serate estive. Con “Bella Sei” vi faremo dondolare come soli i Mascarimirì sanno fare!
_____________________________________________________________________________________
International Folk Supergroup “Artists for Action” Re-releases “Which Side Are You On?”
Bruce Cockburn, Ani DiFranco, Oysterband and Guy Davis Among Participating Artists
In September of 2022 an international folk supergroup consisting of 16 artists from six countries on four continents released “Which Side Are You On? Originally penned as a union song by Florence Reece in 1931, Artists for Action’s version took aim at the rise of far-right politics and the resurgence of fascism around the globe, the most glaring example of which was Russia’s brutal war against Ukraine. With recent world events, including the implosion of American democracy and the resurgence of fascist groups such as Germany’s AfD, the message behind the song seems more important, more urgent, than ever, so Artists for Action is re-releasing the single, which aims to foster discussion, and asks people to choose which side they are on. When the single was first released it enjoyed airplay all over the world, although there were some stations that refused to play it, stating that it was too controversial. Well, it may be more controversial now than ever. Canada, Greenland, Denmark, Panama and Gaza are all being threatened with hostile takeovers from the most powerful nation in the world, so each of us has to grapple not only with which side we are on, but what we are going to do about it. Will we boycott? Will we participate actively in politics? Will we vote, demonstrate, protest? Music has at times been a powerful catalyst for change, and the voices of musicians are needed now more than ever.
Who is Artists for Action?
Artists for Action is a folk supergroup consisting of 16 artists from around the world who have come together to raise their voices against the rise of the far right. The artists, in alphabetical order, are Black Umfolosi (Zimbabwe), Ray Bonneville (Canada), Bruce Cockburn (Canada), Guy Davis (USA), Ani DiFranco (USA), Maria Dunn (Canada), Bob Jensen (Canada), James Keelaghan (Canada), Lucy MacNeil (Canada), Tony McManus (Scotland), Moulettes (England), Oysterband (England), Richard Perso (Australia), Heather Rankin (Canada), Martin Simpson (England) and Jon Weaver (Canada). (The artists are not being paid for this work, and in fact, have covered their own recording costs. Additional hard costs have been covered by anonymous donors.) The video for this song was produced on a budget of $0.00.
Proceeds to Assist Ukraine
The primary goal of this project is the message, as opposed to it being a fundraiser. However, the song will generate revenue, all of which will be donated to a registered charity in aid of Ukraine.
Where the Song is Going and Media Opportunities
Which Side Are You On? is being re-released to radio in 33 countries. Where the goal of the song is to stimulate discussion on its topic, some of the artists may be available for print and/or radio interviews. If you would like to interview one of the artists from this project please advise us and we will do everything we can to accommodate you. We cannot guarantee you an interview with any specific artist, but we will at least pass your requests along. Project producer Bob Jensen is available. The Canadian publicist for this release is Toronto’s Eric Alper at eric@thatericalper.com .
Musicians in Alphabetical Order
Black Umfolosi - Vocals, Zimbabwe, (Eng. Octopus & his assistant Dumisani Moyo)
Ray Bonneville - Harmonica, Canada (Justin Douglas, King Electric Recording Studio)
Bruce Cockburn - Vocals, Canada (Eng. Mark Yarhiro)
Chris Corrigan - Acoustic guitar, Canada (Eng. Self, Chris Corrigan Studio)
Guy Davis - Vocals, America (Eng. Self, home studio)
Ani DiFranco - Vocals, America (Mark Napolitano, Ani DiFranco home studio)
Maria Dunn - Vocals, Canada (Eng. Terry Tran)
Adam Hill - Upright bass, Canada (Eng. Chris Corrigan, Chris Corrigan Studio)
Bob Jensen - Vocals, Canada (Eng. Colin Buchanan, The Pink Palace)
James Keelaghan - Vocals, Canada (Eng. Self, James Keelaghan home studio)
Richard Knox - Drums, Canada (Eng. Chris Corrigan, Chris Corrigan Studio)
Lucy MacNeil - Vocals, Canada (Eng. Jamie Foulds, Sound Park)
Tony McManus - Guitar, Scotland/Canada (Tom Althouse, Silk Purse Recording)
Moulettes - Vocals, England (Eng. Hannah Miller/Raevennan Husbandes)
Oysterband - Vocals, England (Eng. Alan Prosser & Al Scott)
Richard Perso - Didgeridoo, Australia, (Secret Cupboard Studio, Yackandandah, AUS)
Heather Rankin - Vocals, Canada, (JRPR Productions, Dartmouth, NS)
Martin Simpson - Vocals, banjo, electric guitar, England (Eng. Self, home studio)
Jon Weaver - Vocals, Canada, (Eng. Self, Salty Towers, St. Andrews, NB)
Produced and mixed by Chris Corrigan and Colin Buchanan at Chris Corrigan Studio, Charlottetown, PEI, Canada, and The Pink Palace, also in Charlottetown.
Mastered by Alex McCollough, True East Mastering, Nashville, TN
Video produced by Bob Jensen, Edited by Isaac Williams, Charlottetown, PEI
_____________________________________________________________________________________
DARIO SANSONE
‘LA NOSTRA CANZONE’
SULLE PIATTAFORME DIGITALI DA OGGI, IL NUOVO SINGOLO TRATTO DA ‘SANTO SUD’, IL DISCO SOLISTA IN ARRIVO L’11 APRILE, IL CAPITOLO MUSICALE DEL PROGETTO ‘SANTO SUD’
Dopo la prima anticipazione con ‘SOLE’ - un’accorata richiesta di pace, una preghiera laica contro la guerra carica di suoni mediterranei - Dario Sansone presenta un nuovo brano tratto da ‘Santo Sud’, il disco in arrivo l’11 aprile. Sulle piattaforme digitali da venerdì 7 marzo, ‘La Nostra Canzone’ è una ballad intima, profonda ed essenziale. Una instant song sincera, nata di getto, senza filtri, per raccontare un’emozione che va oltre il linguaggio comune, per ricordare come con una canzone possa esprimere ciò che solo le parole, a volte, non riescono a comunicare. La traccia parla di legami e della consapevolezza che un amore vissuto intensamente lascia un segno indelebile nel tempo.
____________________________________________________________________________________
SANDRO JOYEUX
ONLINE IL NUOVO VIDEOCLIP DELL’ARTISTA FRANCO ITALIANO
“DROIT DANS LE MUR”
In collaborazione con Legambiente
Un futuro che sembra lontano, ma che è già realtà. Droit dans le mur, il nuovo videoclip di Sandro Joyeux, diretto da Francesco Tortorella utilizza l’intelligenza artificiale per raccontare un mondo contaminato, dove la plastica è diventata parte integrante della nostra esistenza. Secondo i dati forniti da Legambiente, nel 2023 sono state prodotte 413,8 milioni di tonnellate di plastica e negli oceani se ne sono accumulate oltre 150 milioni tonnellate; la plastica costituisce inoltre tra l’80 e il 90% dei rifiuti marini e costieri, e rappresenta una minaccia globale per gli oceani e il pianeta tutto. Il videoclip sostiene l’attività di Legambiente in difesa del mare. “La canzone nasce da una melodia scovata con l'ukulele mentre ero in viaggio – racconta Sandro Joyeux. I temi principali sono d'ispirazione mandinga, il modo lidio usato delle scale della kora e dai griot durante le loro declamazioni. Poi la frase "droit dans le mur" che mi girava in testa: è stato inevitabile raccontare della catastrofe ecologica in cui versa il nostro pianeta, e di cui la plastica è uno dei principali responsabili. L’incontro con Francesco Tortorella, e la sua idea di realizzare il videoclip con l’intelligenza artificiale ci è sembrato il giusto paradosso per raccontare il nostro andare “dritti contro il muro”. Il videoclip di Droit dans le mur non usa solo l'IA come strumento, ma la trasforma in metafora: un mondo costruito artificialmente per raccontarne un altro, altrettanto artificiale, quello in cui viviamo. Persone immerse in scenari familiari, sorrisi, gesti quotidiani. Ma qualcosa stona. Sullo sfondo, la plastica è ovunque, silenziosa e inarrestabile, trasforma l’ambiente e i corpi stessi in elementi di un ecosistema tossico. Non è più fantascienza, la plastica è nell'acqua, nel cibo, nei vestiti, nel nostro sangue. Girato in luoghi immaginari che evocano angoli reali del pianeta, Droit dans le mur mostra un futuro prossimo che è già il nostro presente e sottolinea un legame globale fatto di consumo sfrenato e indifferenza. Un viaggio disturbante, che non lascia scampo: se continuiamo su questa strada, andremo a sbattere dritti contro un muro che noi stessi abbiamo costruito.
____________________________________________________________________________________
BRUCE SUDANO
“HOW’D YOU GET HERE”
A un anno dall’uscita dell’album “Talkin' Ugly Truth, Tellin' Pretty Lies”
A un anno dall’uscita dell’album “Talkin' Ugly Truth, Tellin' Pretty Lies”, Bruce Sudano lancia il singolo “How’d You Get Here”. Questo disco - scritto e concepito interamente in Italia, a Milano, ad eccezione di un solo pezzo - rappresentava un tentativo di contrastare il futuro lottando con il passato, ma continuando comunque a vivere nella dimensione presente. “How’d You Get There” è ben rappresentativo di questo spirito. Il brano parla infatti della vulnerabilità della vita e delle sfide che tutti noi affrontiamo avendo a che fare con le inevitabili realtà della quotidianità. «Sono figlio della generazione boomer» spiega Sudano - «Qualcuno che è diventato maggiorenne negli anni ’60 e ’70, sperimentando la rivoluzione della libertà e la rinascita delle possibilità illimitate. Ora, dopo tutti questi anni, sto affrontando la meraviglia del tempo che è passato, i cambiamenti sperimentanti lungo il percorso, cercando nel frattempo di capire come continuare a sognare partendo da qui, verso il futuro. La verità è che abbiamo un’intera generazione di baby boomer che hanno rivoluzionato la cultura giovanile entrando in un “posto in cui non sono mai stati prima”, e io sono solo uno dei tanti». Il singolo è accompagnato da un video molto diretto, con l’intento infatti di parlare direttamente allo spettatore. «Volevo che fosse un po’ spoglio per abbinare l’intensità del messaggio alla tonalità della musica. Ho scelto l'immediatezza del bianco e nero ispirandomi alle performance televisive di Battisti in RAI nei primi anni '70. Infine, il regista ucraino Timur Deina ha fatto un lavoro eccezionale, non solo creando ma anche migliorando la profondità della mia visione» racconta il cantautore. Bruce Sudano inizia a suonare all'età di 13 anni nella sua prima band per poi continuare a formarne di nuove: dai The Silent Souls, ai Doctors We’re Not, passando per The Fifth Prophecy e gli Alive N Kickin e poi i Brooklyn Dreams con i loro numerosi successi in classifica. Oltre che come performer, la carriera di Sudano si sviluppa in scala internazionale come autore, scrivendo hit per artisti quali Donna Summer, Dolly Parton, Reba McEntire, e Michael & Jermaine Jackson.
_____________________________________________________________________________________
BABA SISSOKO
È USCITO ‘EBI’, IL NUOVO VIDEO DALL’ARTISTA MALIANO GIRATO A NAPOLI
Baba Sissoko è molto attivo in questi mesi, con il nuovo video ‘Ebi’, visibile su tutte le principali piattaforme digitali, la preparazione di un lungo tour di concerti e il nuovo sito internet con tutte le informazioni. Esce oggi 14 Febbraio, su tutte le principali piattaforme digitali, il nuovo video di Baba Sissoko, dal titolo ‘EBI’, nella tradizione di quella musica che lo stesso Baba chiama Amadram ma che tutti noi conosciamo come Blues. Nella stessa giornata verrà messo online anche il nuovo sito internet di Baba Sissoko dove sarà possibile trovare tutte le notizie riguardanti la sua lunga e brillante carriera artistica, le date dei suoi concerti e i principali contatti. Una musica che nasce dall’anima di ognuno di noi e ci prende per mano per accompagnarci in un viaggio attraverso i sentimenti ed i pensieri più profondi.
‘EBI’ – come il precedente “Bibisa”, che con le oltre le 20.000 visualizzazioni ci conferma la grande attenzione verso l’artista Baba Sissoko – sono presenti nell’album “Live In Basel”- registrato tutto in presa diretta al Floss Festival e sul mercato da Novembre 2024, e sono stati interamente girati lungo le belle e caratteristiche strade del centro storico di Napoli e all’Auditorium Novecento, sempre della città partenopea, grazie al supporto di Fabrizio Piccolo e Paolo De Rosa, nello scorso mese di Novembre. Nel video, prodotto da Gianni Di Carlo della South Side Music, possiamo vedere all’opera Baba Sissoko che oltre ad essere la voce principale suona alcuni degli strumenti tipici della tradizione del Mali, come Ngoni e Tama, magistralmente supportato dalla sezione ritmica composta da Philippe “Deguess” Lago (batteria e cori), Ady Thioune (Djembe, Percussioni e cori), Tobia Ciaglia (basso e cori), a cui si aggiungono la chitarra di Angelo Napoli, il clarinetto e le tastiere di Alessandro De Marino e Domenico Canale con violino, armonica e cori.
Baba Sissoko e i Mediterranean Blues. Questo è il nome della band di Baba Sissoko ed anche il progetto musicale che evoca il nostro mare meraviglioso, dove la natura regna sovrana e che rappresenta per Baba e i suoi musicisti soprattutto un messaggio di pace e solidarietà. È una chiara indicazione della voce potente e aspra di Baba Sissoko, del ritmo in levare come pure nelle note afroamericane (ri)partite dalla Giamaica, che si mescolano in un micidiale assist di armoniche a bocca che versa generose spezie blues su tutto l'incantevole flusso musicale, perché nulla come la musica può aiutarci a portare nel mondo messaggi di armonia. Il 2024 si è caratterizzato per una programmazione live particolarmente intensa, con concerti all’Im Floss a Basilea Svizzera, all’Herzberg World Festival di Fulda Germania, al WinterFuse di Anversa Belgio, e al Villa Session Blues Festival in Portogallo, passando per il Lugano Blues to Bop in Svizzera, il Jerry Ricks Festival in Croazia, e ancora il Kaunas Blues in Lithuania, il Santa Maria delle Isole Azzorre ed i Festival Italiani Quarrata World Festival in Toscana, Eco Jazz Fest in Calabria e Dromos in Sardegna - per citarne alcuni - Baba Sissoko & Mediterranean Blues hanno attratto e conquistato il pubblico in un’atmosfera di grande entusiasmo e coinvolgimento, e come confermano loro stessi, sono solo all’inizio di un lungo viaggio che continuerà con grande intensità per tutto il 2025!
Baba Sissoko proviene da un'illustre dinastia di musicisti griot del Mali. È un virtuoso del Tama (tamburi parlanti), del Ngoni (liuto a 4 corde), del Balafon (una specie di marimba) e del Kalebas (percussioni). Mantiene viva la tradizione musicale maliana, ma ama anche suonare con musicisti di generi diversi come Habib Koité, Sting, Santana, Youssou N'Dour, Jovanotti, Salif Keita e Aka Moon. Con gli uomini di Mediterranean Blues si tuffa nell'emozionante mondo dell'afrobeat, del funk e della psichedelia.
_____________________________________________________________________________________
SIMONA MOLINARI
FOUR ON SIX
PISK
BELIEVER
Una singolare versione in chiave elettrojazz del brano degli IMAGINE DRAGONS
dal 17 gennaio in streaming e nei digital store
È ONLINE IL VIDEOCLIP
Simona Molinari è una delle artiste più stimate del panorama musicale italiano. Cantautrice pop-jazz di grande eleganza, è riuscita a distinguersi per la sua cifra stilistica unica. Negli ultimi mesi ha iniziato a collaborare con alcuni produttori e colleghi che stima, più in linea con la sua nuova visione della musica e che oggi le appartiene di più. Si inserisce in quest’ottica Believer, una rivisitazione di Simona Molinari con Four On Six e la produzione di Pisk del celebre brano degli Imagine Dragons. Pubblicato da Freshly Squeezed Music (etichetta inglese leader nel mondo elettrojazz) sarà disponibile dal 17 gennaio in streaming e nei principali digital store. Dalla collaborazione con Pisk, dj/producer italiano con svariate produzioni di successo in ambito elettrojazz e i Four on Six (band di stampo manouche con cui Simona ha registrato diverse rivisitazioni di brani a cui è particolarmente legata), è nata questa singolare versione di Believer che sorprenderà il pubblico. Del brano è stato anche realizzato un videoclip, curato da Marcello Perego di Milkit Film per la regia di Riccardo Camin, online da oggi. Nel video si evince come la musica riesca ad unire linguaggi molto diversi anche quando sembrano distanti: la vocalità passa dal registro jazzato a quello rappato, e a quello melodico e drammatico; gli strumenti acustici si fondono con la musica elettronica; il mondo retró si inserisce nel mondo urban. Il tutto mettendo in scena le luci e le ombre degli uomini in continua lotta tra i propri opposti. “Qualche anno fa, per la precisione in pandemia, conobbi i Four on Six online e ci divertimmo a creare e suonare a distanza adattamenti e cover” racconta Simona Molinari “Quando ho chiesto a Fausto (il leader della band) di provare a registrare una versione manouche di Believer, credo abbia provato un brivido lungo la schiena, ma non si è tirato indietro, tornando da me con una versione stupenda, il cui video ebbe diversi milioni di visualizzazioni. Successivamente quel brano è stato notato da Pisk e dall’etichetta FreshlySqueezed. È nata così l’idea di creare un mix del brano in versione electro. Il risultato è un connubio perfetto e tutte queste figure messe insieme dimostrano come possano convivere generi, stili e vedute diverse” prosegue Simona “Il suono che cerchi lo trovi facendo esperimenti e collaborazioni. Ma quando un esperimento riesce particolarmente bene e sei soddisfatto, perché lasciare che resti solo un esperimento?”
_____________________________________________________________________________________
Michele Fortis & Marco Grompi
SETTEMBRE (Winterflowers Version ft. AL Fortis + Volwo)
(Tube Jam Records – distr. Believe Digital)
Digital single & videoclip release: venerdì 10 gennaio 2025
Michele Fortis e Marco Grompi sono lieti di annunciare la pubblicazione in digitale del nuovissimo singolo Settembre (Winterflowers Version feat. AL Fortis + Volwo), rilettura del celebre brano di Alberto Fortis (originariamente incluso nel suo terzo album La Grande Grotta del 1981) oggi re-immaginato e reinterpretato a tre voci con la partecipazione dell’autore, anche in veste di musicista, co-produttore, sceneggiatore e regista del videoclip realizzato in Toscana con l’aiuto regia e la post-produzione di Franco Cristaldi. L’idea di immaginare una nuova interpretazione del brano si è sviluppata da una prima demo realizzata con il produttore e chitarrista Pasquale De Fina (Volwo) durante la lavorazione del primo album di Marco e Michele, Winterflowers (pubblicato lo scorso novembre da Tube Jam Records - https://bfan.link/winterflowers). Interamente registrato, arrangiato, prodotto e missato a Milano nel settembre 2024 da Michele Fortis (voce, chitarra acustica), Marco Grompi (voce, programmazioni ritmiche), Alberto Fortis (voce, mellotron, percussioni, cori) e Pasquale De Fina (chitarre, banjo, tastiere, programmazioni ritmiche), il brano vede anche la partecipazione del bassista Fulvio Monieri. Il mastering è stato curato da Paolo Iafelice presso Adesiva Discografica. I due cantautori e chitarristi bergamaschi sono tornati a fare musica insieme solo recentemente, a oltre 30 anni di distanza dai loro ultimi concerti in duo. L’album Winterflowers, composto da dieci brani originali (cantati in inglese), è stato accolto come un mix unico di folk rock acustico e storie di vita, un ritrovarsi in un viaggio musicale che celebra il passato e il presente attraverso “canzoni e sonorità fuori dal tempo”. Marco e Michele sono attualmente al lavoro con Pasquale De Fina su nuovi brani originali (in italiano) che saranno pubblicati nel corso del 2025. A breve saranno comunicate le date dei prossimi appuntamenti live con la Winterflowers Band. Alberto Fortis annuncerà a breve la pubblicazione di un nuovissimo album di canzoni inedite, previsto per la prossima la primavera.
_____________________________________________________________________________________
VINICIO CAPOSSELA
nel giorno del suo compleanno online il video di
SCIUSTEN FESTE N.1965
Prosegue il Tour "Conciati Per le Feste"
Online dalla mezzanotte di oggi sabato 14 dicembre il video di SCIUSTEN FESTE N. 1965, la canzone che dà il titolo all’ultimo album di Vinicio Capossela. Un regalo per il suo pubblico e per se stesso, che esce infatti nel giorno del compleanno dell’artista. Diretto da Stefano P. Testa, già autore del clip del primo singolo estratto dall’album Voodoo Mambo, il video unisce immagini di archivio della Cineteca di Hannover che documentano la Schützenfest cittadina del 1964, altre provenienti dall’Archivio Cinescatti di Lab 80 film - Archivio regionale del film amatoriale e di famiglia della Lombardia, fino ad arrivare ad alcune immagini della data bolognese del 15 novembre 2024 del tour in corso Conciati per le feste.“Ognuno ha il suo Natale, anche senza essere il bambin Gesù. - commenta Capossela - oggi è il mio e in dono ho avuto questo bellissimo filmino da quel gran formichiere della memoria visiva che è il regista Stefano P. Testa. Nella clip c'è l'abbraccio e quello stupore innocente dell'essere sparati nel cielo come in un fuoco d'artificio.La ruota della vita è un po' come i mulini di Don Chisciotte, le cui braccia ti possono lanciare sulle stelle o nel pantano, o in entrambi i posti.È per celebrare la vita che facciamo questi concerti, queste Sciustenfeste inventate ogni sera. Grazia a tutte e tutti. Buon Dicembre”. Vinicio Capossela sta presentando l’album SCIUSTEN FESTE N.1965 dal vivo in Italia e in Europa in un tour dal titolo Conciati per le feste. Dopo il tutto esaurito di ieri sera venerdì 13 dicembre, Capossela sarà in concerto a Milano ancora per tre giorni - sabato 14, domenica 15, entrambi sold out, e lunedì 16 dicembre - allo Chapiteau delle Meraviglie al Carroponte a Sesto San Giovanni. Il tour prosegue poi mercoledì 18 dicembre all’Atlantico a Roma, giovedì 19 dicembre al Teatro Verdi a Salerno, sabato 21 dicembre al Teatro Concordia a Venaria Reale (TO), domenica 22 dicembre al Teatro PalaUnical a Mantova. Mercoledì 25 e giovedì 26 dicembre sarà la volta del tradizionale concerto natalizio al Fuori Orario a Taneto di Gattatico (RE). Infine sabato 28 dicembre a La City a Perugia, domenica 29 dicembre a Giulianova (Te) in Piazza Buozzi e martedì 31 dicembre al Capodanno di Rimini in Piazza Malatesta. Dopo il successo dei concerti a Bruxelles, Londra, Barcellona, Madrid, Berlino, Parigi, Karlsruhe, il tour internazionale si chiude in Svizzera con due date: domenica 9 febbraio allo Studio Foce a Lugano e martedì 11 febbraio al Kaufleuten Zürich di Zurigo.
_____________________________________________________________________________________
Piers Faccini e Ballaké Sissoko
presentano
"Borne on the wind"
estratto dal loro primo album in duo in uscita a febbraio 2025 per Nø Førmat!
"Borne on the wind" è il primo singolo estratto dal nuovo album in duo del cantautore folk anglo-italiano Piers Faccini e del maestro di kora maliano Ballaké Sissoko, Our Calling. "Borne on the wind" è ispirata a uno degli uccelli più musicali, l'usignolo. La storia della migrazione di questo straordinario uccello, che sverna in Africa occidentale prima di raggiungere l'Europa in primavera, è diventata una metafora del dialogo musicale innovativo e senza confini che Faccini e Sissoko hanno voluto creare con le loro nuove canzoni. Il duo fa da ponte tra i continenti proprio come l'usignolo fa al volgere delle nuove stagioni. Mentre la kora volteggia e danza sulle linee di chitarra, il dialogo interamente acustico dei due amici mette in luce il nucleo musicale profondamente maliano, infuso, senza soluzione di continuità, con il fascino del cantautorato folk britannico. Immaginate la neve che cade nel Sahara o un albero di baobab nelle brughiere inglesi battute dal vento e avrete l'essenza della prima canzone di Sissoko e Faccini, Borne on the wind. Due decenni dopo la loro prima collaborazione, il cantautore folk anglo-italiano Piers Faccini e il virtuoso maliano della kora Ballaké Sissoko tornano con un album ipnotico: Our Calling. In uscita il 14 febbraio 2025, questo affascinante dialogo tra un virtuoso strumentista all'apice delle sue capacità e un ispirato cantautore, riesce a creare nuove forme di canzone con una leggerezza di tocco che getta un ponte tra i continenti e la tradizione. I semi di Our Calling sono stati piantati quando Sissoko e Faccini si sono incrociati per la prima volta alla Label Bleu nei primi anni 2000. La loro amicizia è cresciuta mentre si inoltravano in percorsi inesplorati, collegando le tradizioni Mandé e la folk song. Sissoko è stato ospite del secondo album solista di Faccini, Tearing Sky, nel 2005. Nel 2020, il loro dialogo ha trovato nuova ispirazione sotto l'egida dell'etichetta Nø Førmat!, quando Sissoko ha invitato Faccini a cantare "Kadidja" in lingua Bambara nel suo acclamato album Djourou, e successivamente in The Fire Inside. Attraverso dieci brani di squisita fattura, Our Calling è un canto di lode sonora e narrativa della migrazione in tutte le sue forme: semi portato dal vento; usignoli in viaggio tra l'Africa occidentale e l'Europa al volgere delle nuove stagioni; dall'uomo, attraverso i secoli, lungo le rotte commerciali, condividendo pratiche musicali e ritmi. Il dialogo interamente acustico di Our Calling è stato registrato dal vivo a Parigi nel corso di cinque giorni da Frédéric Soulard, riunendo un meraviglioso cast di musicisti, tra cui l'amico comune del duo, il violoncellista Vincent Segal, e i collaboratori di lunga data Badjé Tounkara al ngoni e Malik Ziad al guembri. L'originalità dell'album è dovuta al suo nucleo profondamente maliano e infuso senza soluzione di continuità dall'essenza cantautorale folk; i due elementi si fondono senza che uno metta mai in ombra l'altro. “Ninna Ninna”, una canzone tradizionale del sud Italia, fa riecheggiare le radici di Faccini e mostra la capacità del duo di fondere le proprie tradizioni musicali. Questa è l'unica canzone dell'album non in inglese e l'unica non scritta da loro.
_____________________________________________________________________________________
CORDE OBLIQUE
online il singolo / video 'John Ruskin'
'John Ruskin' è il nuovo brano dei napoletani Corde Oblique, terzo estratto da 'Cries and Whispers', il nuovo album della band in uscita il 14 febbraio 2025. Ispirato allo storico dell'arte inglese e mentore dei Preraffaelliti John Ruskin, il brano presenta contaminazioni dal metal al post-rock.
Il progetto artistico diretto da Riccardo Prencipe nasce a Napoli nel 2005. Diplomatosi in chitarra classica presso il Conservatorio di Napoli San Pietro a Majella, a partire dal 2005 Riccardo Prencipe ha pubblicato otto album come Corde Oblique, distribuiti in Europa e nel mondo da case discografiche in diversi paesi (Russia, Cina, Germania, Francia e Portogallo). I brani originali proposti dall’ensemble parlano della storia dell’arte italiana e di un Sud “selvatico e talentuoso”. Negli anni molti sono stati i/le cantanti che hanno partecipato come ospiti negli album dei Corde Oblique, tra cui: Duncan Patterson (Anathema), Denitza Seraphim (Irfan), Peppe Frana (Micrologus), Donatello Pisanello (Officina Zoé), Simone Salvatori (Spiritual Front), Miro Sassolini (Diaframma), Andrea Chimenti, Maddalena Crippa, Floriana Cangiano (Flo), Sergio Panarella e Luigi Rubino (Ashram), Alessandra Santovito (Hexperos), Spyros Giasafakis (Daemonia Nymphe), Corrado Videtta (Argine), Walter Maioli e Luce Maioli (Synaulia), Charles Ferris (Sineterra), Michele Maione, Carmine Ioanna, Quartetto Savinio. La band svolge dal 2000 un’intensa attività live in Italia, Cina (“La prima band italiana del circuito underground ad effettuare una tournée così lunga in un paese che sempre più si apre al mondo occidentale” - Il Corriere del Mezzogiorno), Francia, Olanda e Germania.
_____________________________________________________________________________________
EUGENIO BENNATO
ESCE IL 22 NOVEMBRE “MONGIANA” IL NUOVO SINGOLO E VIDEO
(Sponda Sud, distr. Imusician)
“Mongiana” è il nuovo singolo e video di Eugenio Bennato in uscita venerdì 22 novembre, secondo estratto dal nuovo disco di inediti che sarà pubblicato il prossimo 10 gennaio 2025.
Il brano racconta la storia delle Reali Ferriere di Mongiana, una delle fabbriche siderurgiche più importanti del XIX secolo, la cui chiusura con l’Unità d’Italia segnò un colpo durissimo per la Calabria. Un evento che portò una "dissociazione" tra la storia e la memoria collettiva: il nome di Mongiana venne stato cancellato dai libri, dai racconti e dalla coscienza comune, come se quella pagina fosse stata volontariamente rimossa. Eugenio Bennato dà voce a questa dimenticanza, cercando di riaccendere un ricordo soffocato e sfidando il silenzio che ha avvolto la vicenda: invita a riflettere su "che fine ha fatto il nome di Mongiana", tentando di recuperare una memoria storica negata e utilizzando il ritmo e le tradizioni della musica popolare calabrese come strumenti di riscatto e di consapevolezza anche grazie alla collaborazione nel brano dell’Orchestra Sinfonica Brutia del Conservatorio di Cosenza.
Dichiara Eugenio Bennato: “Fra le tante storie che il mio sud mi ha raccontato, quella di Mongiana è forse la più clamorosa, perché va a ribaltare un'immagine consolidata da decenni e da secoli, l'immagine di una Calabria arroccata nelle sue antiche tradizioni e incapace da sempre di interpretare e affrontare la modernità. Eppure, le splendide case operaie costruite a metà Ottocento sono lì e ci rimandano alla presenza di 2800 operai e tecnici che curavano la produzione siderurgica della più grande fabbrica dell'Italia preunitaria, sfornando l'acciaio utilizzato per il ponte sul Garigliano e per le rotaie della ferrovia che da Napoli saliva a Bologna. Con l'Unità quella fabbrica fu dismessa e gli altoforni furono trasportati a Terni e a Lumezzane. A parte la dissennata dismissione, mi ha scosso la totale rimozione del nome Mongiana da tutti i libri di storia, da tutti i pensieri, da tutti i ricordi. Al punto che oggi quel racconto appare come un sogno lontanissimo dalla realtà. E allora mi viene incontro la realtà della musica popolare calabrese, per provare a infrangere con il suo ritmo quel tabù impenetrabile, quella storia incredibile.”
Grande Maestro della musica popolare italiana, Eugenio Bennato ha dato nuova linfa alle grandi tradizioni musicali del Sud Italia con il movimento Taranta Power, portandole nei mercati internazionali. Giunto a quasi cinquant’anni di carriera, continua ad essere un punto di riferimento per la modernità dei suoni e l’attualità dei testi, che affrontano temi cruciali della contemporaneità come le migrazioni, il rispetto delle diversità, la solidarietà, i pericoli della globalizzazione e del capitalismo estremo. Dalle sponde meridionali del Mediterraneo, dal pensiero meridiano, dall’incontro con storie e culture diverse, Eugenio Bennato ha tracciato e traccia la sua personale storia di ritmi e parole, fedele a sé stesso e alle sue idee, in un viaggio musicale che non conosce fine. A sette anni dall’ultimo disco solista, “Da che Sud è Sud” e a quattro da “Qualcuno sulla terra” con Le Voci del Sud, pubblica il 5 luglio 2024 il singolo e video "Musica del mondo", arricchito dalla collaborazione con il Yar Mohammad Group, originario del Rajasthan e conosciuto nel 2023 durante i concerti realizzati in India per la Festa della Repubblica su invito dell’ambasciata italiana di New Delhi e del consolato generale di Bengaluru, seguito il 22 novembre da “Mongiana”, primi due estratti dall’album “Musica del mondo”, in uscita il 10 gennaio 2025.
____________________________________________________________________________________
Nathalia Sales
“L’ultima innocenza”
Un quartetto di firme autorevoli contrassegna l'uscita su tutte le piattaforme, il 19 novembre, di un potente inedito interpretato dalla brasiliana Nathalia Sales per l'etichetta discografica. Incipit Records: "L’ultima innocenza". Il testo, una struggente poesia scritta espressamente per la cantante, è di Pino Pavone, storico coautore e amico fraterno del leggendario Piero Ciampi. La musica è sgorgata d'impeto a tempo di suadente tango dalla vena di Marco Ongaro, talentuoso cantautore caro ai cultori della canzone d'autore fin da quando vinse nel 1987 la Targa Tenco per il migliore album d'esordio. La produzione artistica e l'arrangiamento sono del pluripremiato compositore e pianista Remo Anzovino, che ha ideato e realizzato una brillante veste elettro-pop del brano. La produzione esecutiva è di Enrico de Angelis, noto operatore e divulgatore culturale in campo musicale, già direttore artistico del Club Tenco di Sanremo, al quale si deve l'invenzione giornalistica nel 1969 proprio dell'espressione “canzone d'autore”. La canzone è il fulminante flash su una scena di ballo e sul triangolo dei suoi protagonisti: una fascinosa donna legata sentimentalmente e artisticamente a un maturo uomo con cui condivide il gusto creativo per la canzone, e che in lei vive appunto la sua "ultima innocenza"; e sullo sfondo un terzo uomo con cui l'illusione di un'avventura si dissolve infine nell'indiSerenza. La pubblicazione del brano in digitale è accompagnata contestualmente dall’uscita su YouTube del relativo videoclip, realizzato dal filmaker Nicola Tenchella. Nathalia Sales, nativa di Rio de Janeiro ma maturata artisticamente in Italia, è una cantante che, nonostante la giovane età, può vantare al suo attivo una cospicua attività costituita da centinaia di concerti, nonché da una prima uscita discografica nel 2021, seguita nel 2022 da un album dedicato tutto a Luigi Tenco e nel 2024 da uno interamente di bossa nova. Si muove nel vasto ambito della musica brasiliana, a partire dalla grande tradizione del samba, sia in portoghese che in traduzione, ma è anche attenta conoscitrice e interprete della miglior canzone d’autore italiana. Nathalia Sales eseguirà per la prima volta dal vivo “L’ultima innocenza”, con l’arrangiamento originale di Remo Anzovino, in occasione del prestigioso Premio Ciampi a Livorno, sul palco del Teatro Goldoni, la sera del 21 novembre, facendola seguire dall’interpretazione di un classico di Piero Ciampi, “L’amore è tutto qui”, in eccezionale duetto con il coautore, l’87enne Pino Pavone, lo stesso che firma il testo de “L’ultima innocenza”.
_____________________________________________________________________________________
DARIO SANSONE
‘I’m Walking’ feat. Nachelo
online il video del singolo pubblicato il 14 novembre
Musicista, regista, disegnatore e direttore artistico, frontman della band Foja, il poliedrico artista intraprende il percorso solista, dal titolo ‘santo sud’, anticipato dal singolo ‘I’m walking’, nella doppia versione con il feat. del rapper nachelo. tratto dalla colonna sonora di ‘Criature’, il film nei cinema dal 5 dicembre di cui dario sansone ha curato l’intera colonna sonora.
Tratto dalla colonna sonora interamente realizzata da Dario Sansone per ‘Criature’, il film di Cécile Allegra nelle sale cinematografiche dal 5 dicembre, ‘I’m Walking’ è una ballad intima e tormentata, legata a doppio filo al protagonista del film, Mimmo, un educatore della periferia napoletana con l’ambizione di strappare i ragazzini dall’ombra della malavita. Nella versione dei titoli di coda, il brano indossa un vestito diverso, con sonorità in bilico tra urban e trip-hop, arricchito dalla collaborazione del rapper Nachelo, penna sincera e contemporanea della periferia di Napoli e vero esempio del ruolo salvifico dell’arte.
Dario Sansone: “Quando mi è stato proposto di collaborare con il rapper Nachelo ad una versione alternativa di “I’m Walking”, non sapevo cosa ne sarebbe venuto fuori, non ci conoscevamo. Questo esperimento ha abbattuto le distanze apparenti di genere e generazione, scoprendoci più simili di quel che credevamo. Il pezzo è un omaggio all'anima tormentata di Mimmo, il protagonista del film ed il videoclip, realizzato da Studiomaker per la regia di Luigi Rotondo, ai suoi luoghi. La canzone è una dedica a tutte quelle anime che, pure nel bel mezzo di una tempesta, riescono a tenere salda la rotta e ostinatamente continuano sulla propria strada, inseguendo le proprie visioni. La copertina è venuta fuori dai pennelli da sola, era già tutto lì”.
Frontman della band napoletana Foja dal 2006, cantautore e disegnatore, Dario Sansone si dedica dal 2023 al primo progetto solista, Santo Sud, che darà alla luce un album e un tour di concerti in arrivo nel nuovo anno, oltre ad un evento teatrale (che ha debuttato al Teatro Trianon Viviani di Napoli a marzo) ed un libro edito da Comicon Edizioni dal titolo ‘Santo Sud – A Poetry Sketchbook’. Santo Sud è il racconto di un uomo e per l’amore per la sua città. Città che è Sud, porta per l’inferno ma anche paradiso e testimonianza dell’esistenza di Dio attraverso le sue bellezza, tra il desiderio di rimanere e quello di andare, un continuo ritorno al punto di partenza, a quando ci si innamora per la prima volta, sempre in cerca del proprio Santo Sud. L’album, in arrivo nei primi mesi del 2025, è caratterizzato dalla fusione di diverse sonorità, partendo dalla canzone d’autore, ed è composto da 10 tracce registrate tra Parigi e Napoli, con la produzione artistica di Seb Martel, artista francese che ha accompagnato, in studio e sul palco, numerosi artisti tra cui Femi Kuti, Tony Allen, -M-, Camille, Christine Salem, Manu Dibango, Bumcello, Blackalicious, General Elektriks, Chocolate Genius. Ad anticipare il nuovo album, il primo singolo, ‘I’m Walking’, su tutte le piattaforme digitali da giovedì 14 novembre. Il brano, accompagnato dal video, è tratto dalla colonna sonora interamente realizzata da Dario Sansone per ‘Criature’, il lungometraggio della regista Cécile Allegra, con Marco D’Amore, nelle sale cinematografiche dal 5 dicembre.
Video credits:
Produzione esecutiva: Picomedia
Realizzato da: Studiomaker
Produttrice: Laura Ricci
Regia e montaggio: Luigi Rotondo
Dir. Fotografia: Giampaolo Demma
Assistente Operatore Luca Oliviero
Assistente alla regia: Leonardo Rotondo
_____________________________________________________________________________________
CLARISSA E’ IL NUOVO SINGOLO (E VIDEO) DI GABRIELLA LUCIA GRASSO
Denuncia, attraverso il dolore di una bambina e della sua bambola di pezza, la violenza sulle spose bambine
E' uscito il nuovo singolo della cantautrice siciliana, anticipando il suo album "Sognatrici" in uscita il prossimo 22 novembre 2024
Oggi, Gabriella Lucia Grasso lancia il suo nuovo singolo, "Clarissa", un grido contro la violenza sulle spose bambine, anticipando l'uscita dell'atteso album "Sognatrici" (Musica Lavica Records), in distribuzione dal 22 novembre. "Clarissa" racconta la storia di una sposa bambina, costretta a un matrimonio combinato con un uomo molto più grande di lei, ‘n’omu vecchiu ca varva e lu cappeddu”. Un tema doloroso e attuale, che trova eco nella recente proposta di legge in Iraq che abbasserebbe l'età del consenso sessuale da 18 a 9 anni. “Lasciatele giocare, le bambine! - scrive Gabriella Lucia Grasso in una delle accorate note dedicate ai brani dell’album - Non mandatele incontro a una vita sciagurata in mano a uomini senza scrupoli e senza morale, che comprano piccole inermi creature e ne fanno schiave prive di speranza. Impediamo che questo scempio continui a compiersi, ascoltate questo grido di dolore, e facciamo qualcosa affinché cessi”. Il brano è accompagnato da un video intenso e suggestivo, secondo capitolo di una trilogia che ha preso il via ad aprile con l’uscita "A storia di Rosa", un tributo a Rosa Balistreri. Ambientato in uno scenografico palcoscenico d'epoca, il video di "Clarissa" è un viaggio visivo nel cuore di un dramma intimo e silenzioso. Il bianco e nero dominano l'inquadratura, mentre il rosso, dosato in piccoli dettagli, si fa portatore di una tragicità sommessa, evocando un dolore sotteso che lo spettatore può solo intuire, senza però che il dramma emerga apertamente. La bambola di pezza, compagna di gioco della piccola protagonista, diventa il simbolo di una sofferenza troppo grande da sopportare. "Sognatrici" è un album che celebra la forza e la resilienza delle donne, raccontando storie di vita vissuta attraverso la lingua siciliana. Una raccolta di storie di donne che, cambiando coraggiosamente il proprio destino, hanno cambiato anche la storia di tutte le donne. Un progetto patrocinato da Amnesty International Italia nato dall’omonimo docu-show ideato e portato in scena insieme a Valeria Benatti scrittrice, giornalista e conduttrice radiofonica. Con "Clarissa", Gabriella Lucia Grasso ci invita a riflettere su un tema scottante e a unirci alla lotta contro ogni forma di violenza sulle donne e sui bambini.
____________________________________________________________________________________
SU YOUTUBE IL VIDEOCLIP DI "SWEET RELEASE", SINGOLO CHE ANTICIPA L’ATTESA USCITA DELL’OMONIMO SECONDO ALBUM DI JUSTIN ADAMS & MAURO DURANTE.
DOPO IL PLURIPREMIATO STILL MOVING (2021) E TRE ANNI DI TOURNÉE IN TUTTO IL MONDO, VENERDÌ 18 OTTOBRE USCIRÀ INFATTI IL SECONDO CAPITOLO DI UN VIAGGIO MUSICALE CHE HA TRASFORMATO L’INCONTRO TRA QUESTE DUE GRANDI PERSONALITÀ IN UNA NUOVA FUSIONE, DAL SOUND UNICO E SENZA PRECEDENTI.
Dopo il pluripremiato e acclamato dalla critica “Still Moving” (2021) e tre anni di tournée in tutto il mondo, torna il sound unico e senza precedenti di Justin Adams & Mauro Durante. Girato dal regista Gabriele Surdo, da venerdì 20 settembre su YouTube è disponibile il videoclip di "Sweet Release", primo singolo che anticipa l’attesa uscita del nuovo album del duo. Prodotto come il precedente da Ponderosa Music Records, venerdì 18 ottobre arriverà infatti il secondo capitolo di un viaggio musicale che ha trasformato l’incontro tra queste due grandi personalità in una nuova e inedita fusione. La title track che apre "Sweet Release" è un accorato manifesto della poetica del progetto ed è caratterizzata dal tocco inconfondibile alla chitarra di Adams e dalla magistrale tecnica sul tamburo a cornice di Durante. Grazie a un livello di interazione quasi telepatico, i due musicisti hanno registrato l'album in presa diretta, permettendosi magici momenti di pura improvvisazione. Con una tavolozza che spazia dalla Taranta al rockabilly, dall'estasi Sufi al minimalismo, il percussionista, violinista e cantante del Canzoniere Grecanico Salentino e il chitarrista, produttore, compositore britannico, collaboratore storico di Robert Plant, esplorano temi di guarigione e catarsi musicale. Ospiti del cd sono la cantante marocchina Yousra Mansour dei Bab L'Bluz, la pugliese Alessia Tondo, voce e compagna d’avventura di Durante nel Canzoniere Grecanico Salentino, e Felice Rosser, leggenda underground dello storico club newyorchese CBGB. Ai nove brani originali si aggiunge “Qui non vorrei morire”: originariamente musicata e registrata da Daniele Durante, è una poesia del grande poeta salentino Vittorio Bodini. Il brano è un omaggio di Mauro al compianto padre, una delle luci più luminose nella storia del revival della musica popolare pugliese. La pubblicazione del disco verrà celebrata da un nuovo tour che dal 22 ottobre porterà il duo in Gran Bretagna, Norvegia, Finlandia e Italia anche grazie alla Programmazione Puglia Sounds Tour Export Italia 2024 (Operazione finanziata a valere su fondo speciale cultura e patrimonio culturale L.R. 40/2016, Art. 15 Comma 3). Justin Adams è un chitarrista|produttore il cui suono distintivo porta il segno della sua vita itinerante: l'infanzia in Medio Oriente gli ha acceso una passione costante per i suoni del mondo islamico, mentre gli anni dell'adolescenza nel Regno Unito hanno instillato una devozione per l'energia grezza del punk e le sonorità trance del dub. Negli ultimi anni ha prodotto acclamati album come quelli della cantante di fado portoghese Lina e della cantante franco-algerina Souad Massi, mentre le sue passate collaborazioni, come il fortunato e pluriennale sodalizio con la leggenda dei Led Zeppelin Robert Plant, Tinariwen, Rachid Taha, Sinead O'Connor e il musicista dell'Africa occidentale Juldeh Camara, si sono distinte per l’intensità emotiva e un approccio “senza confini”. Violinista, percussionista e compositore, Mauro Durante è erede visionario della tradizione musicale salentina. Dirige il Canzoniere Grecanico Salentino (fondato nel 1975 dalla sua famiglia) acclamato e pluripremiato a livello internazionale, suonando in tutti i principali festival di world music. Durante è considerato una figura chiave nell’aver “reinventato” la pizzica per i giorni nostri, e nell’aver reso la "Taranta" la forma di world music italiana più rilevante nel panorama mondiale. Mauro Durante ha girato il mondo per molti anni con Ludovico Einaudi e ha collaborato con Piers Faccini, Ibrahim Maalouf, Ballake Sissoko, Jovanotti, Stewart Copeland, Sam Lee, Enzo Avitabile, Nickodemus, Red Baraat, abbinando un tocco contemporaneo al suo amore profondo per la tradizione.
_____________________________________________________________________________________
FIORENZA CALOGERO
Il Video "Avvertimento" online da venerdì 11 ottobre
Testo e Musica di Raffaele Viviani
Direzione Musicale, Arrangiamenti e Rielaborazioni di Marcello Vitale.
In uscita venerdì 11 ottobre ore 12 il terzo video/ racconto di Vico Viviani ,l'ultimo album di Fiorenza Calogero. "Avvertimento" con la partecipazione di Elena Ledda, voce tra le più importanti della scena tradizionale sarda e mediterranea. Ambientato nella città di Castellammare di Stabia tra il porto e la frazione della Madonna della Libera, in una zona chiamata Camarelle, sul monte San Cataldo, "Avvertimento" è un brano che si rivolge ai giovani e li mette in guardia dalle dure realtà della vita. La canzone, eseguita in lingua napoletana, trasmette un avvertimento disincantato e crudo, tipico dello stile di Viviani, che denuncia le ingiustizie e le difficoltà della vita, soprattutto per chi appartiene alle classi più povere. Attraverso il testo, Viviani esprime il suo sguardo pessimista ma realistico, avvisando che la vita non è fatta di sogni e illusioni, ma di sacrifici e privazioni. Il ritmo e la melodia accentuano questo senso di amarezza, rendendo il messaggio ancora più incisivo. Il brano si colloca in una tradizione di musica popolare napoletana, dove il canto diventa un mezzo per raccontare la vita del popolo, con le sue difficoltà ei suoi sogni infranti. Nonostante la durezza delle parole, "Avvertimento" è anche un invito alla resistenza e alla consapevolezza, in linea con la poetica di Viviani, che cerca sempre di dare voce a chi è più vulnerabile nella società.
Vico Viviani/il disco (Etichetta MigrazioniSonore/ Distribuzione SoundFly, 2024). Vico Viviani l'ultimo album ideato, prodotto e interpretato da Fiorenza Calogero con la direzione musicale del Maestro Marcello Vitale, virtuoso e ricercatore della chitarra battente, e' la dichiarazione amorevole e orgogliosa di un'appartenenza, é la riscoperta incinta di un'identità . Fiorenza Calogero è nata nella zona di Castellammare di Stabia, intorno alla piazzetta detta Caporivo, in dialetto 'a Caperrina. I suoi bisnonni possedevano lì dei locali che affittavano alle compagnie in tournée, come la Cafiero-Fumo e ai De Filippo. E da quella piazzetta parte una strada che un tempo si chiamava II Traversa Marchese De Turris, oggi nota come via Viviani, perché vi nacque, appunto, Don Raffaele. Sono gli echi di quella strada che s'avvertono oggi nel canto di Fiorenza. Per affermare con forza la statura di Viviani, proiettandola ben oltre i confini napoletani, ha chiamato intorno a sé altri artisti del calibro di Mbarka Ben Taleb, Rosàlia De Souza, Elena Ledda, Maria Mazzotta e Jaques Morelenbaum. Enrico Fiore (Corriere del Mezzogiorno/ Controscena)
_____________________________________________________________________________________
SETAK
in radio e online il videoclip di
FIGLI DELLA STORIA
feat. Simone Cristicchi
Il 17 ottobre sul Palco del Teatro Ariston riceverà la Targa Tenco 2024 per il Miglior Album in dialetto
In attesa di ricevere la Targa Tenco 2024 per il Miglior Album in dialetto, Setak pubblica oggi il singolo Figli della storia con la partecipazione di Simone Cristicchi. Il brano, ultimo estratto da “Assamanù”, è in rotazione radiofonica e online ed è accompagnato da un videoclip disponibile su Youtube. Un'immersione emotiva nelle profondità della propria storia personale, tracciata dalle corde di una chitarra che abbraccia i suoni globali e proietta le radici verso il futuro, dall’Abruzzo all’infinito. Uscito il 7 maggio ed anticipato dal singolo Curre Curre (guarda il videoclip realizzato in collaborazione con Medici senza frontiere: https://bit.ly/3U3mYYg), "Assamanù" è il culmine di una trilogia musicale iniziata con l’acclamato disco di debutto di Setak, nome d’arte di Nicola Pomponi, "Blusanza" nel 2019 e proseguito con "Alestalè" nel 2021. Un’opera che suggella un percorso interiore che vede ciascun album raccontare le tre fasi più importanti della vita del cantautore: infanzia ("Blusanza"), adolescenza ("Alestalè") e infine, oggi, la maturità. “Ho immaginato di parlare con una persona anziana fianco a fianco, di farmi raccontare la storia, i ricordi, il passato – racconta Setak. Questa persona rappresenta per me la storia e io le prometto che non la dimenticherò mai. L’importanza della storia e della memoria che spesso, oltre a dimenticare, non consideriamo e che sono la base su cui costruire il futuro. La sensibilità di Simone Cristicchi ha aggiunto ulteriore emotività al pezzo”. Il videoclip di “Figli della storia”, girato in bianco e nero per la regia di Giuseppe La Rosa, evoca un viaggio intimo e riflessivo nel passato mettendolo in relazione con il nostro presente e il nostro futuro. Le immagini alternano riprese di foto d’epoca e contemporanee, quasi come fossero finestre su ricordi lontani. Setak ascolta storie di una vita trascorsa, di un tempo che non deve essere dimenticato. Ogni fotogramma sembra scandire il passare delle generazioni, rappresentando l’importanza della memoria, che deve essere tramandata e preservata per costruire il futuro. Il contributo di Simone Cristicchi amplifica l’emotività del racconto, dando alla canzone una profondità toccante e riflessiva. Le immagini di volti segnati dal tempo, luoghi e momenti sospesi, invitano lo spettatore a riflettere sul valore delle radici e sulla responsabilità di custodirle per il futuro.
_____________________________________________________________________________________
MOONDOG’s Elf Dance by the VOODOO DRUMMER duo!
It’s been 25 years without Moondog, so we chose our new single to be his “Elf Dance” in memory of the great composer! “Elf Dance” is a lovely waltz by the great Moondog (Louis Thomas Hardin). The duo divide this beautiful melody between Balafon and Cello, as the drums keep the 3 / 4 rhythm. They experiment with an improvisation from the cello and then the drums instead of playing the bridge. Moondog, also known as the "Viking of Sixth Avenue", was a true original, whose compositions and drum pieces in odd times have been a major influence for the duo.
CHRISTOS KOUTSOGIANNIS for more than 30 years has appeared at festivals, theaters and venues in 24 countries so far, such as Rouge Cabaret Festival (Paris),Villa Celimontana Jazz Fest (Rome), Odeon of Herodes Atticus (Athens), SecretGarden Fest (U.K.) and Doha Jazz Festival (Qatar) - his own highlights, though, are gigs in New Orleans and jamming at a funeral in Benin, West Africa! He had performed with the British trio The Tiger Lillies, New Orleans singer Meschiya Lake, Chicago Bluesman Michael Dotson, Sages Comme Des Sauvages (FR/BE), Jolly Jumper & Big Moe(NO), Stimmgewalt Choir (DE), Greek singer-songwriter Dionysis Savvopoulos and many others. He has also recorded with the great American saxophonist Alex Foster (Miles Davis, Charles Mingus), the Balafon master Mamadou Diabate (BurkinaFaso), Blaine L. Reininger from Tuxedomoon (U.S.), Marc Collin co-founder of Nouvelle Vague (FR) & Xavi Turull from Ojos de Brujo (SP). His composition based on a quote by Charles Bukowski has been recorded with American Blues legend Louisiana Red. His adaptation of Aristophanes play “The Frogs” premiered in the National Opera of Greece. "plays with a musical ear that combines the gawky gait of Joey Baron with the eccentric voicings of Bill Bruford. Not a bad combination at all!" DRUM! Magazine U.S.
STAVROS PARGINOS is a composer, cellist and music teacher. He had performed with major orchestras and significant artists like Alkisti Protopsalti, Lavrentis Maxairitsas and Filipos Pliatsikas all over Greece and also regularly abroad (U.S.A., Canada, Holland, Belgium, Luxemburg, Germany, China, Lebanon and Algeria). “Stavros Parginos brings an additional dimension to the music with his cello. His exceptional skill on the instrument allows him to explore a wide range of sounds, from the most subtle and melodic to the most intense and percussive.” Elizabeth Del Nero - Rádio Tucana BRAZIL
The Afro-Dionysian VOODOO DRUMMER Duo: Stavros Parginos: Cello; Christos Koutsogiannis: Drums & Balafon
_____________________________________________________________________________________
Ligonziana in salsa balkan
Il duetto di Giacomo Tantillo con Roy Paci in un video fra i ruderi del Faro di Capo Zafferano di Santa Flavia e sul bellissimo Lungomare di Aspra a Bagheria in salsa balkan
Nelle tappe del racconto di Bandistikamente (distrib. IRD), l’omaggio di Giacomo Tantillo ai mille colori della tradizione bandistica, esce un nuovo videoclip: Ligonziana. Una marcia, introdotta da un iconico dialogo fra basso e batteria, che questa volta ha i ritmi del reggae ed è arricchita da evocazioni Balkan e per la quale Tantillo ha avuto tre partner: Roy Paci agli arrangiamenti e come tromba solista, la regia e il montaggio di Valentina Suriano e la danza del ventre di Farida. Fra i suggestivi ruderi del Faro di Capo Zafferano di Santa Flavia e sul bellissimo Lungomare di Aspra a Bagheria, Tantillo dipinge così di colori e ridisegna i ritmi della tradizionale Ligonziana di Nino Ippolito, maestro ispiratore di tante pagine di questo suo omaggio al grande repertorio per banda. Ad arricchire riprese e montaggio le immagini dal drone a cura di Massimiliano Vicari. Le riprese sono di Suriano Fotografia. È proprio nei colori balcanici che trova posto il timbro vibrante di un Sitar, suggestivo nella sua risonanza elettronica: a lui è affidato un particolarissimo lavoro sul colore ben integrato e fondamentale nell’introduzione del tema principale, che nel suo prosieguo si modula verso una terza minore. “L’idea di coinvolgere una ballerina di Danza del Ventre - precisa Tantillo - mi piace molto perchè dà ancor di più movimento al ritmo Balkan attraverso il ballo e la libertà di espressione artistica.” In questa atmosfera si svolge il momento culmine del brano: il duetto fra le trombe dello stesso Tantillo e di Roy Paci, in uno continuo scambio vivace e ricco delle personalità di ciascuno e nel fluire fitto del loro inseguirsi musicale. Bandistikamente è il un lavoro frutto di anni di ricerche che vede il supporto alla produzione musicale e agli arrangiamenti di Roy Paci, presente ovviamente anche con la sua tromba in duetto con Tantillo. Al fianco di Tantillo la sua band, The Zisas: Michele Mazzola sax baritono, Salvatore Sciarratta trombone, Pietro Sardo euphonium, Fabio Giachino piano e tastiere, Riccardo Vinci basso elettrico e Cristin Martina batteria. Con la partecipazione straordinaria di Antonio Putzu a duduk e low whistle (track 5), dell’Ensemble Trombe Conservatorio A. Toscanini (track 1) e di Giuseppe Viscuso voce folkloristica (track 7).
_____________________________________________________________________________________
Riva Starr pubblica il nuovo singolo "Vicino o' mare”
un viaggio emozionante attraverso l'amore bagnato dal mare. Nasce il “neapolitan-touch”
Riva Starr, DJ e produttore internazionale, ha deciso di esplorare nuovamente le sue radici musicali con il progetto “Glitch On Naples” anticipandolo con un primo singolo pubblicato dalla Snatch! Records e co-prodotto artisticamente dai talentuosi producer D-Ross, Startuffo e Torok (già al fianco di Tropico, Marracash, Fabri Fibra, Luchè, Clementino, Franco Ricciardi…). Il risultato di questa collaborazione creativa è il coinvolgente singolo "Vicino o' mare” dal "tocco napoletano”. L'incontro tra Riva Starr e i tre produttori ha creato un'atmosfera di grande creatività nello studio di registrazione. Durante la prima sessione sono stati scritti i primi brani che comporranno l’album in uscita a fine 2024 che sarà pubblicato e distribuito worldwide. "Vicino o' mare” ha un’incedere "neapolitan-touch" e unisce sonorità pop, disco ed elettroniche, con testi cantati in lingua, oramai sempre più globale e apprezzata all’estero, così Riva Starr ha pensato bene di trascrivere, nel visual video, foneticamente il testo in modo da permettere a chiunque di cantarlo. Con "Vicino o' mare" Riva Starr celebra la musica napoletana che ha deciso di esplorare e valorizzare nuovamente attraverso le sue sonorità con interpretazione moderna ed innovativa. Il singolo è disponibile su tutte le piattaforme di streaming musicale e segna l'inizio del progetto “Glitch On Naples" che prevede ulteriori sorprese e collaborazioni con talentuosi artisti napoletani con la voglia di riscoprire, e reinterpretare, attraverso il linguaggio musicale contemporaneo; le radici napoletane di Riva Starr. L'idea di base è quella di unire il sound distintivo del suo progetto internazionale con le influenze e le sonorità della città di Napoli, creando un ponte sonoro tra la tradizione e modernità. "Glitch On Naples - spiega Riva Starr - riprende il discorso che ho iniziato alla fine degli anni ’90 quando combinavo beat, dialetti e lingua napoletana. Negli anni ho collaborato a progetti internazionali con artisti come Vinicio Capossela, Carmen Consoli, Caparezza e Sud Sound System. Grazie al lavoro egregio di altri musicisti napoletani che hanno sdoganato la nostra lingua all'estero, ho avvertito che i tempi erano maturi per riprendere quel percorso. Questo progetto nasce a Londra e mira a essere una produzione di respiro internazionale." Stefano Miele, meglio conosciuto come Riva Starr, è una figura importante nella scena musicale internazionale. Oltre ad essere un talentuoso DJ e produttore, è anche la mente creativa di Snatch! Records e Brock Wild. Con sede nell'East London, Riva Starr è noto per la sua capacità di superare i confini dei generi musicali e sorprendere il pubblico. Ha collaborato, e collabora, con artisti del calibro di Fat Boy Slim (con il successo globale con "Eat Sleep Rave Repeat”), Groove Armada, Armand Van Helden, Green Velvet, Calvin Harris, Diplo, CamelPhat, Ursula Rucker, Mark Broom (nel ruolo di Star B), Robert Owens e Tiger Stripes. I suoi remix per Carl Cox, Claptone, Flight Facilities e Bob Sinclar hanno ulteriormente consolidato la sua reputazione. La sua incessante creatività ha portato alla pubblicazione del suo quarto album con l’etichetta Truesoul di Adam Beyer, che ha superato la "Top Ten Release" in dieci generi diversi su Beatport e ha ricevuto il supporto di numerosi attori chiave del settore; e ha pubblicato brani con le migliori etichette underground come Dirtybird, Hot Creations, Truesoul, Crosstown Rebels e Moon Harbour. Il suo "The Loft EP" su etichetta Cajual ha dominato le classifiche Beatport e Traxsource per mesi e ha ricevuto un supporto continuo senza precedenti su BBC Radio 1 per nove settimane. In italia sotto pseudonimo di Miele ha collaborato con Caparezza, Sud Sound System, Vinicio Capossela e Carmen Consoli sempre tenendo fissa la barra di navigazione della contaminazione, un crossover continuo di stili e generi musicali della tradizione popolare mista all’elettronica.
_____________________________________________________________________________________
EUGENIO BENNATO
IN USCITA OGGI “MUSICA DEL MONDO”
IL NUOVO SINGOLO E VIDEO
(Sponda Sud, distr. Imusician)
Esce oggi, venerdì 5 luglio, “Musica del mondo”, il nuovo singolo e video di Eugenio Bennato, title track e primo estratto del nuovo album che uscirà il prossimo autunno. Grande Maestro della musica popolare italiana, Eugenio Bennato ha dato nuova linfa alle grandi tradizioni musicali del Sud Italia con il movimento Taranta Power, portandole nei mercati internazionali. Giunto a quasi cinquant’anni di carriera, continua ad essere un punto di riferimento per la modernità dei suoni e l’attualità dei testi, che affrontano temi cruciali della contemporaneità come le migrazioni, il rispetto delle diversità, la solidarietà, i pericoli della globalizzazione e del capitalismo estremo. Dalle sponde meridionali del Mediterraneo, dal pensiero meridiano, dall’incontro con storie e culture diverse, Eugenio Bennato ha tracciato e traccia la sua personale storia di ritmi e parole, fedele a sé stesso e alle sue idee, in un viaggio musicale che non conosce fine. A sette anni dall’ultimo disco solista, “Da che Sud è Sud”, e a quattro da “Qualcuno sulla terra” con Le Voci del Sud, pubblica "Musica del mondo", un brano che celebra l’umanità e la sua splendida diversità, mescolando elementi di musica popolare, folk ed etnica, arricchito dalla collaborazione con il Yar Mohammad Group, band proveniente dal Rajasthan, conosciuta nel 2023 durante i concerti realizzati in India per la Festa della Repubblica su invito dell’ambasciata italiana di New Delhi e del consolato generale di Bengaluru. Con "Musica del mondo", Eugenio Bennato parla del potere della musica come strumento per promuovere un cambiamento globale, capace di contrastare la violenza, l'ingiustizia, l’avidità e la monetizzazione: sottolinea quanto la voce e il sorriso delle minoranze che lottano per la propria terra e per i propri valori siano più potenti delle idee e dell’arroganza di chi perpetua conflitti. Quella dell'umanità e del pianeta sono melodie inestinguibili, la libertà un diritto inalienabile, inviolabile e universale. “Negli Anni Settanta, da ragazzo, mi inventai la Nuova Compagnia di Canto Popolare” racconta Eugenio Bennato” “una band musicale che partiva dai modelli degli sconosciuti cantori del sud e cominciò a girare per il mondo. Poi vennero i briganti della storia meridionale, poi vennero i migranti del Mediterraneo, poi venne Taranta Power, che segnò l’ingresso della musica etnica italiana nella World Music. Da sempre una musica delle minoranze, una musica che conta poco nel business della civiltà globale. “Musica del mondo” è tutto questo. Sono pensieri, idee, ideali, trasformati in parole e musiche senza confini. Ci ritrovo il mio punto di partenza e il mio approdo, la convinzione di allora che la musica possa contribuire a contrapporre alla logica del profitto la logica della bellezza e del contatto umano.”
____________________________________________________________________________________
FERRO LIQUIDO
è il nuovo singolo di
CLAUDIO CLEMENTI
in uscita oggi 12 luglio 2024 solo in digitale sulle principali piattaforme online per Saint Louis Music Production
Online il videoclip realizzato in collaborazione con RUFA-Rome University of Fine Arts
Ferro Liquido è il titolo del nuovo singolo del cantautore romano Claudio Clementi. Il brano si ispira alle emozioni che si vivono alla fine di una relazione sentimentale e di un rapporto personale in generale. Fotografa quel momento subito dopo una rottura, quando si prende coscienza che una parte del proprio vissuto non esisterà più e che è destinato alla fine. Uno stato d’animo descritto con un testo rabbioso, per certi versi, con cui si esprime l’intenzione di tracciare una linea netta e invalicabile verso un passato da lasciarsi alle spalle; ma anche da cui ripartire, cambiando sé stessi, mutando ‘forma’ come il materiale del titolo, per ritrovarsi trasformati. “Rispetto ai miei brani precedenti, Ferro Liquido ha avuto una lavorazione più lunga e a tratti più complessa. Volevamo cambiare un po' la direzione e il mood e creare un qualcosa che suonasse diversamente”, racconta Cementi. “Siamo partiti da un loop di synth e drum machine e soprattutto dalla melodia del chorus, che ci ha convinti immediatamente. Era un qualcosa di cupo ma che allo stesso tempo apriva benissimo e dava ‘aria’ a tutto il resto del pezzo, creando un contrasto perfetto. Da lì poi c’è stata la volontà di mantenere comunque delle parti reali come la batteria e le chitarre. In questo modo abbiamo avuto lo stesso un suono molto crudo e acido, che però formava quell’effetto largo e ambient che ci piaceva molto e che volevamo raggiungere”, prosegue Clementi.
Con il videoclip di Ferro Liquido prosegue la collaborazione tra gli studenti del corso di Cinematography 2 di RUFA - Roma University Fine Arts e quelli dei corsi Jazz e Pop del Saint Louis College of Music, due eccellenze della formazione professionale avanzata nei rispettivi campi. Gli Istituti stanno dando l’opportunità ai propri allievi di lavorare a stretto contatto per fare esperienze sul campo nella realizzazione di videoclip musicali coinvolgenti e innovativi. Al progetto prendono parte studenti sia internazionali, che italiani, apportando così una grande varietà di prospettive culturali, che hanno arricchito ulteriormente l'aspetto collaborativo dell’iniziativa. “La possibilità di poter collaborare con i ragazzi di RUFA è stata da subito stimolante. Già dal primo incontro con tutta la troupe e in particolare con il regista Leonardo Cappellani abbiamo capito di avere in mente idee molto simili e che insieme avrebbero potuto funzionare benissimo’, spiega Clementi. “Quando poi insieme abbiamo riascoltato il brano pezzo per pezzo e iniziato a scrivere il primo script del video, ci siamo resi conto che sarebbe venuto fuori un videoclip molto sperimentale, ma che avrebbe reso perfettamente quella che era l’atmosfera del brano sia musicalmente che per quel che riguardava il testo. Osservare una propria idea prendere una forma anche visiva è un qualcosa in più, che ti fa rendere conto anche della bellezza della condivisione e dell’immedesimazione degli altri in ciò che scrivi e racconti”, conclude Clementi.
L’esordio di Claudio Clementi è del 2020 e si intitola ‘Apnea’, primo singolo a suo nome dopo la militanza e la gavetta in vari gruppi pop/rock della provincia romana. Sempre da indipendente, tra il 2021 e il 2022, pubblica altri due singoli: ‘Supernova’ e ‘Sopravvivere’. L’impronta indie/rock arricchisce il sound di Clementi che abbraccia synth e chitarre elettriche. Ad aprile 2023, sotto l’egida del Saint Louis College of Music di Roma, pubblica il singolo ‘Equilibristi’ a cui fa seguito pochi mesi dopo ‘Destinazione’, con cui inizia a collaborare con Niglio e Balestrieri, che ritroviamo anche nel singolo ‘Non è oggi’ del 2024.
_____________________________________________________________________________________
E' uscito “ARBORE FEMINA”, il singolo (e video) di ILENIA ROMANO IN LINGUA LOGUDORESE
Anticipa l’omonimo album di esordio in distribuzione dal 20 settembre
Prodotto da Christian Marras, sarà presentato in anteprima live il 5 luglio a Santa Margherita Ligure nell’ambito del Premio Bindi
E' uscito il singolo (accompagnato dal videoclip) “ARBORE FEMINA”, il brano etno-pop in chiave elettro-acustica di Ilenia Romano, cantante sarda che esordisce come cantautrice dopo anni di studio e ricerca. Composto e cantato in lingua logudorese, variante settentrionale del sardo propria del paese di origine per linea materna, Ittiri, nella regione storica del Coros nel Logudoro, il brano anticipa l’omonimo album (Moonlight Records/Ird) in uscita il 20 settembre: undici tracce in cui il mondo acustico e quello elettronico si fondono per abbracciare la tradizione linguistica e trovare soluzioni sonore originali. Il lavoro discografico sarà presentato in anteprima live il 5 luglio a Santa Margherita Ligure nell’ambito del Premio Bindi. L'incontro con Christian Marras determina la realizzazione della produzione artistica, curata in maniera maniacale e fedele all'intuizione iniziale dell'autrice, coinvolgendo musicisti affermati del panorama world italiano ed internazionale: Vincenzo Zitello (archi e arpe), Marco Fadda (batterie e percussioni); lo stesso Marras suona chapman stick, synth e si occupa della programmazione, portando sulla scena musicale contemporanea una formazione originale. I testi sono cantati in sardo, lingua insulare per eccellenza, nella variante Logudorese che si distingue per la sua spiccata fisionomia nell'insieme di varietà presenti nella regione e che si distribuiscono lungo un continuum di parlate comprensibili reciprocamente, ma praticata sempre più in condizione di diglossia, tanto che la sua essenza sembra diventata un ricordo, “la lingua dei nonni”. Di questo vuole raccontare Arbore Femina, e lo fa a partire dall’idioma utilizzato, che le è stato tramandato per via materna, e da un simbolo universale e molto forte come l’albero, da sempre centrale nelle storie dell'umanità che raccontano l'origine della vita.
Il brano ARBORE FEMINA, di cui Ilenia Romano è autrice di musica e testo, è un racconto introspettivo che, attraverso parole dense di pensiero, vuole condividere la necessità di trovare dentro sé stessi l'amore incondizionato. Attraverso la metafora dell'albero quale asse cosmico, conduce ad un grembo perduto che collega la dimensione sotterranea delle radici, quella terrena del tronco e quella celeste che protende verso il cielo. Con “Arbore Femina” l'autrice attribuisce a questo simbolo la condizione archetipica della maternità, dunque dell'Amore, e coglie la sua verticalità per innalzarsi verso ciò che è Bellezza della vita: tutte le cose che ci elevano come esseri umani e ci restituiscono meraviglia universale senza riserve, e, tra le più importanti, vi è certamente l'Arte. “Comprendere la propria identità e la propria integrità è l'obiettivo di un viaggio evolutivo, e come tale richiede tempo. Soltanto attraverso la lingua che ho appreso dalla mia nonna materna– spiega l'autrice – è stato possibile dare a questi concetti la possibilità di essere espressi materialmente nella maniera più autentica in assoluto.”
IL VIDEO
Protagonista della clip, un video racconto che porta sulla scena del making of di una creazione artistica, Ilenia Romano canta e conduce all'interno di una stanza, archivio e laboratorio di pensieri, rivelando quelli più intensi, e tramite un trascendente cordone ombelicale richiama il perduto grembo originario, per poi rendersi conto che esso è sempre dentro di noi poiché siamo custodi delle storie e dei legami che ci trattengono verso le nostre radici ma anche verso l'alto, per darci possibilità di espansione così come fa un albero con tutte le sue parti. L'albero, simbolo di creazione per eccellenza, acquisisce la condizione archetipica della maternità, dunque dell'Amore, e viene rappresentato sullo sfondo della parete, mentre lentamente si percepisce quale sia la tecnica creativa utilizzata: svelando i particolari e i personaggi dietro le quinte, ovvero coloro che prendono parte alla realizzazione dell'opera, rilancia verso un set sul set. L'opera prende vita da sé stessa e al tempo stesso da ciò che l'ha generata: è il nuovo che subentra al passato, è il miracolo della GENERAZIONE, creazione e discendenza sono due concetti che si sovrappongono e si uniscono.
____________________________________________________________________________________
Gli Occasionals cantano il naufragio della Nuova Iside
Il 12 maggio 2020 i pescatori Matteo, Vito e Giuseppe Lo Iacono hanno tragicamente perso la vita al largo di Capo San Vito a causa dell'affondamento del peschereccio "Nuova Iside”. The Occasionals, band folk-rock toscana, vincitrice nel 2020 del Sanremo Rock Festival, da sempre sensibile ai temi sociali, ha dedicato una canzone alla tragica vicenda, di cui si è parlato solo dopo un servizio de Le Iene, una "storia che ancora fa male e non deve essere dimenticata”. La canzone, che si intitola Nuova Iside, sarà disponibile sulle piattaforme di streaming dal 27 giugno 2024. È un racconto in dialetto siciliano dell’amore per il proprio lavoro dei pescatori "iu lu vogghiu vinniri alla genti mi parra u cori che casci chini rintra a’ putìa; chista pupidda fa la me sorti quannu mi runa lu pisci” (Voglio portare il pesce alla gente, il cuore mi dice che oggi riempirò le casse di pesce, questa mia barca fa la mia fortuna quando mi dà il pesce) e dei tragici attimi del naufragio "nun viru chiù lu chiaru i luna ma sentu u friddu sulla peddi; lu patri miu ca ietta vuci, lu me cucinu nun lu senti; nun viru chiù lu chiaru i luna ma li me sonna c’avia ‘n menti; ca vanu affunnu ansiemi a mia, li portu appressu a li currienti” (Non vedo più il chiaro di luna, ma sento il freddo sulla pelle. Mio padre urla, ma mio cugino non lo sente. Non vedo più il chiaro di luna, solo i sogni che avevo, che affondano insieme a me. Li porto con me, con le correnti). L’uscita del singolo precede quella del concept album, intitolato Amori e altri Naufragi, interamente dedicato al mare.
Sabato 29 giugno la band presenterà la canzone in un concerto-evento nella piazza centrale di Terrasini (Pa), luogo di nascita dei pescatori tragicamente scomparsi. Inizio alle 21.30 ed ingresso gratuito.
_____________________________________________________________________________________
Esce il nuovo video del gruppo napoletano con Marcello Coleman: un inno contro lo sfruttamento della manodopera dei migranti, scritto e diretto da Luca Delgado con la partecipazione di Gianfranco Gallo. iI brano anticipa l'imminente nuovo album
Pummarola: gli 'o Rom denunciano la piaga del caporalato!
O' ROM FEAT. MARCELLO COLEMAN
Pummarola
Con la partecipazione straordinaria di Gianfranco Gallo, scritto e diretto da Luca Delgado, Pummarola - il nuovo video degli 'o Rom feat. Marcello Coleman, che vede anche con la presenza dei musicisti del gruppo - è un inno contro lo sfruttamento della manodopera dei migranti e il caporalato. Il video infatti si svolge in un ristorante dal menù sofisticato, dove il cameriere (Gianfranco Gallo) e il personale di cucina (gli 'O Rom e Coleman) sono costretti a un super lavoro per accontentare un cliente che rimanda indietro tutti i piatti. Fino all'ultima portata, una zuppa di pomodoro, che riporta il cliente alla dura realtà: egli non è seduto a tavola ma sul ciglio di un marciapiede e aspetta il furgone che lo porterà nei campi di pomodori per affrontare un'altra giornata di lavoro. Dichiara Luca Delgado: "Sappiamo tutto delle condizioni dei braccianti agricoli africani che lavorano in Italia. Sappiamo tutto eppure non facciamo niente. Nella classifica benaltrista del "ci sono cose più importanti", releghiamo la questione all'ultimissimo posto, fingendo che ci stiamo occupando prima degli italiani nel frattempo. Sappiamo che le paghe sono di 3 Euro per 3 quintali di pomodori. Che esiste un caporalato che definisce le stesse gerarchie di 500 anni fa. Che i braccianti viaggiano su furgoni dove non faremmo viaggiare nemmeno gli animali. Che i corpi schiattati a colpi di fatica sotto il sole cocente dell'estate non li piange nessuno. I pomodori che arrivano sulle nostre tavole arrivano grazie al lavoro dei nuovi schiavi, da 50 anni. Lo sappiamo eppure non facciamo niente. Se avessimo mostrato queste cose nel videoclip, probabilmente non avremmo intercettato gli occhi di nessuno, distratti e anestetizzati al dolore come siamo oggi. Il sorriso accompagna riflessioni più profonde. In questo senso, anche per ritmo e melodia, Pummarola degli 'o Rom è una vera e propria worksong come lo fu Pick a bale of Cotton cantata dagli antichi schiavi del sud degli Stati Uniti che lavoravano nelle piantagioni di cotone". Pummarola anticipa l'imminente nuovo album di Carmine D'Aniello e Carmine Guarracino, ai quali si è unito il polistrumentista Domenico Augusto, che insieme a loro ha prodotto, arrangiato e scritto tutti i brani del prossimo disco, il terzo, a cinque anni di distanza da Napulitan Gipsy Power.
_____________________________________________________________________________________
CRIMI & MARIA MAZZOTTA
Esce oggi il nuovo singolo per 42 Records
CAMMARA SIGRETA
Cammara Sigreta è il nuovo singolo dei Crimi insieme a Maria Mazzotta in uscita oggi martedì 11 giugno per 42 Records in Italia e Airfono nel resto del mondo. Una canzone ipnotica, che arriva inaspettata e potente come il vento algerino, in cui il timbro febbrile del frontman Julien Lesuisse si mescola a quello magico di Mazzotta, una delle personalità musicali più emblematiche della Puglia e di tutto il Sud Italia. Due voci intriganti e perfettamente intrecciate che cantano in una lingua inedita, vicinissima al dialetto siciliano ma in cui riecheggiano anche arabo e italiano, e che si muovono attraverso una commistione sonora unica e allucinogena. Cammara Sigreta canta del popolo della notte, di desideri, di fantasie e di sogni, ma soprattutto ci riporta di nuovo tra la Sicilia e il Maghreb, in quei luoghi arcani e onirici, al tempo stesso reali e immaginari, già esplorati dai Crimi nel precedente album Scuru Cauru e ancor prima nel debutto Luci e Guai.
I Crimi nascono nel 2018 dall'idea di Julien Lesuisse, cantante e sassofonista francese con origini algerine e siciliane, già con i Mazalda e con i new wavers del raï algerino Cheb Lakhdar e Sofiane Saidi. I Crimi non sono una band "normale": fondono funk, groove e psichedelia con dei testi scritti e cantati in una lingua nuova, che incrocia italiano, siciliano e arabo. Dopo l’esordio folgorante del 2021 con “Luci e Guai”, i Crimi hanno pubblicato due anni dopo “Scuru Cauru” (per 42 Records in Italia e Airfono nel resto del mondo), autentiche lettere d’amore alla cultura mediterranea e alle sue mille storie diverse. Nel 2024 esce un nuovo brano, "Cammara Sigreta", insieme alla cantante pugliese Maria Mazzotta.
_____________________________________________________________________________________
E-WIRED EMPATHY
IL COLLETTIVO MUSICALE INTERNAZIONALE GUIDATO DA
GIOVANNI AMIGHETTI, LUCA NOBIS & ROBERTO GUALDI
DA OGGI ONLINE IL VIDEOCLIP DELL’ESECUZIONE LIVE DEL BRANO
“DROGATTI-FIMMENE FIMMENE” LA VERSIONE INEDITA DEL BRANO “DROGATTI”
CONTENUTO NELL’EP “E-WIRED EMPATHY FEAT. GASANDJI”
Da oggi, venerdì 31 maggio, è online il videoclip dell’esecuzione live del brano “DROGATTI-FIMMENE FIMMENE” del collettivo musicale internazionale “E-WIRED EMPATHY” guidato dal produttore e compositore Giovanni Amighetti, dal direttore didattico del CPM Music Institute di Milano Luca Nobis e dal batterista Roberto Gualdi. Il videoclip, per la regia di Luca Fabbri, vede l’esecuzione live del brano “DROGATTI- FIMMENE FIMMENE” nel corso dello spettacolo “Viaggio nella musica popolare” del compositore e musicista di liscio Moreno “Il Biondo” Conficconi al Teatro Bibiena di Sant’Agata Bolognese (Bologna), con la partecipazione esclusiva della cantante Stefania Marciano, importante ospite della Notte della Taranta. Il brano eseguito è una versione inedita di “DROGATTI”, brano contenuto nell’EP “E-WIRED EMPATHY FEAT. GASANDJI”. Il testo del brano si discosta dalla versione originale, proponendo le parole del brano di tradizione popolare salentina di denuncia della difficile condizione di vita e di lavoro delle Tabacchine del Salento, vittime di violenza e sfruttamento, dal titolo "Fimmene Fimmene". Ne risulta un sound contaminato, tipico del progetto sperimentale degli E-Wired Empathy, che unisce all’autentica sonorità “world” del collettivo, l’universo sonoro della tradizione popolare salentina da cui proviene Stefania Marciano. Per l’occasione, gli E-Wired Empathy si sono esibiti in formazione estesa, grazie alla presenza di Moreno “Il Biondo” Conficconi e del bassista del gruppo ska punk Après La Classe Valerio Combass Bruno. Il collettivo E-Wired Empathy nasce nel 2021 come progetto di sperimentazione musicale sfociato nell’ album dall’omonimo pubblicato il 26 maggio 2023 che ha visto protagonisti Giovanni Amighetti e Luca Nobis insieme al cantante, chitarrista, suonatore di kora e compositore del Burkina Faso Gabin Dabire. Inoltre, hanno partecipato ai brani del progetto discografico il bassista Valerio “Combass” Bruno e il sassofonista della Davide Matthews Band Jeff Coffin. Il 12 aprile pubblicano l’EP “E-WIRED EMPATHY FEAT. GASANDJI” con la partecipazione esclusiva della cantante Gasandji che, da sempre, unisce jazz, folk e musica etnica in uno stile inconfondibile. L’album è arricchito dalle collaborazioni con musicisti provenienti da generi differenti: il compositore e musicista di liscio Moreno “Il Biondo” Conficconi, il bassista del gruppo ska punk Après La Classe Valerio Combass Bruno e il polistrumentista del gruppo Canzoniere Grecanico Salentino Giulio Bianco.
_____________________________________________________________________________________
Un'arpa tra le antenne del Monte Giogo e una chiamata spirituale dallo spazio: è "The Callling", il nuovo singolo di Arthuan Rebis, uscito il 6 giugno 2024 e accompagnato da “Shades of Yggdrasill”.
“The Calling”, scritto da Alessandro Cucurnia, in arte Arthuan Rebis, vede la partecipazione del percussionista Timer Shine e dell’artista lituano Mr Jumbo.
La “Chiamata degli Dèi” è un invito a forgiare la mente compassionevole, e questi dèi sono soprattutto le potenzialità della mente dell’illuminazione, presenti in ogni essere, e rappresentate nel videoclip da uno Stupa buddhista in miniatura, che appare nella ex base Nato sulle alture del Monte Giogo in Lunigiana. In questo luogo, durante la Guerra Fredda, sono stati trasmessi i primi segnali di internet. Internet, che oggi diamo per scontato, nei secoli passati sarebbe stato inteso come “magia”, ma più di milleduecento anni fa in Tibet già si nascondevano i testi sacri non solo nei luoghi impervi, ma anche nei campi immateriali dell’etere/mente, sapendo che in futuro sarebbero stati riscoperti dai Terton, coloro karmicamente destinati. Adesso le antenne del Monte Giogo, creativamente bonificate, hanno inviato e ricevuto simbolicamente messaggi di contemplazione della natura ultima della mente, della “Mahamudra”, così detta dai tibetani; mente che spoglia da ogni barriera, manifesta spontaneamente solo qualità positive. Il video, dai tratti lievemente “lynchiani”, è stato realizzato dalla videomaker Maddalena Andreoli, ed è nato da un’idea di Timer Shine (Nicola Caleo) e di Arthuan, i quali hanno anche prodotto il brano assieme all’artista lituano Mr Jumbo. La musica comprende un cantato in inglese, avvolto da pads, percussioni elettroniche e metalliche, tamburi sciamanici, tablas, arpa celtica e nyckelharpa. Il sound unisce quindi stili arcaici e futuristici, una nuova wave, celtica e spirituale, che nel finale omaggia ritmicamente e armonicamente persino il Bowie di “Little Wonder”.“Shades of Yggdrasill” è invece un brano più morbido e celtico, prosecuzione dei sentieri tracciati dall’arpista e cantante Alan Stivell. Nel mese di maggio 2024 è uscito un altro singolo di Arthuan Rebis ft. Timer Shine: “Ethereon”: una canzone epica dai tratti nordici, con tecniche canore gutturali simili a quelle della Mongolia, che anticipa la continuazione del romanzo fantasy e musicale di Arthuan “Helughèa – Il Racconto di una Stella Foglia”, pubblicato da Eterea Edizioni nel 2023. Nei prossimi mesi, Arthuan e Timer Shine saranno in tour per l’Italia e l’Europa, sia con la formazione Arthuan Rebis Duo che con il gruppo neomedieval pagan folk In Vino Veritas. Le date sono disponibili nel sito dell’artista: www.arthuanrebis.com
_____________________________________________________________________________________
Mammasantissima: Il lato oscuro di un sorprendente Sud
Un nuovo videoclip musicale di Giuliano Gabriele
Esce su Youtube un nuovo videoclip per regalare immagini alla musica di BASTA! l’ultimo album di Giuliano Gabriele: dopo Basta!, Reveillez-Vous (Svegliatevi) e Muoviti è la volta di Mammasantissima realizzato, come i tre precedenti, dal filmmaker francese Jules Lahana con la supervisione del produttore Martin Meissonnier. Gli stereotipi oscuri del linguaggio mafioso esorcizzati da una tarantella che ad ogni passo di danza esplicita dolore e consapevolezza. In perfetta continuità con lo stile ed il concept grafico dell'intero album, torna la figura specchiata: lo schermo diviso in due con l'immagine ripetuta a specchio. In questo caso però l'amalgama tra grafica e contenuti è ancora più stringente: il brano, infatti, dipinge il bipolarismo dell'essere umano che si lascia sedurre dalla danza dei percorsi all'apparenza semplici. La Maschera chiamata anch'essa "Mammasantissima" come il brano, rappresenta una sorta di diavolo con la lingua ricoperta di pietre preziose, a simboleggiare la tentazione dei "soldi facili", e le antenne sulla fronte ad indicare l’attitudine a captare ovunque le occasioni del malaffare. Il ritmo della tarantella scandisce musicalmente contenuti e testo che nel video vengono sottolineati dai passi di danza affidati ad un eccellente danzatore della tradizione Eduardo Vessella che interpreta le movenze tipiche della tarantella calabrese. Non a caso la Calabria è stata scelta come martire principale, tristemente famosa per essere una delle regioni più povere della ricca Europa, perché presa in ostaggio e denutrita dalla malavita. La Calabria è ovviamente il pretesto per parlare ancora una volta del lato oscura di tutto il nostro meridione: corruzione endemica, omertà, rassegnazione, normalizzazione, banalizzazione sono solo alcuni dei punti chiave di questo complesso problema, parlarne è faticoso, ma necessario, visto che si tratta di una delle poche vie d’uscita che le nuove generazioni hanno per far si che la rabbia e la vergogna spingano tutti a curare questo meridione dalle proprie profonde, dolorose ed antiche piaghe. Ricordiamo che al fianco di Giuliano Gabriele, voce e organetto, in questo album troviamo: Lucia Cremonesi viola e lira calabrese, Eduardo Vessella tamburi a cornice, Gianfranco De Lisi basso, Riccardo Bianchi batteria, Carmine Scialla bouzouki e chitarra battente, Giovanni Aquino chitarra elettrica e synth, Gianmarco Gabriele programmazioni. E Martin Meissonnier programmazioni.
_____________________________________________________________________________________
SANDRO JOYEUX
JUMUA
Jumua è il singolo che anticipa il nuovo EP di Sandro Joyeux in uscita nei prossimi mesi per l’etichetta Musicastrada Records e distribuito dai francesi Absilone. Quattro brani inediti su cui l’artista francese si è avvalso della collaborazione di Adriano Viterbini e Fabio Rondanini per la produzione artistica.
Il risultato è un nuovo sound molto accattivante capace di fondere suoni distorti ed elettronici con le radici folk della musica di Sandro in pieno stile World Beat.
_____________________________________________________________________________________
FEDERICA OTTOMBRINO
Esce il 15 maggio Piramidi, nuovo singolo della cantautrice napoletana
Il 15 maggio esce Piramidi, il nuovo singolo della cantautrice napoletana Federica Ottombrino, del duo Fede 'n' Marlen. Il brano da questa data è in rotazione radiofonica e disponibile su tutte le piattaforme digitali, in distribuzione con Audioglobe. Lo stesso giorno uscirà anche il video. Un assaggio dell’album Canzoni dal baule, che uscirà con l’etichetta fiorentina La Chute Dischi, a settembre e i cui brani sono legati ai protagonisti del romanzo di Federica Il Baule, in uscita in libreria il 15 maggio per Rossini Editore. “Piramidi” riguarda Bianca, la protagonista del romanzo, ed è una canzone scritta come sull’uscio della porta della vita. Tutti noi sperimentiamo nella vita quel momento in cui una metamorfosi si impone, e non la si può arrestare: alle spalle le macerie, visibili con estrema chiarezza e davanti la voglia di lanciarsi per uscire da quella “stanza” ormai distrutta. Questo primo passo può essere fatto partendo da un’unica cosa: il battito del proprio cuore, l’unica possibilità a cui aggrapparsi. Nella canzone vengono elencate le esigenze di questo momento, quella di poter ascoltare sé stessa senza il “rumore” degli altri, di potersi esprimere liberamente anche nel proprio disordine, di essere amata senza vincoli. E vengono elencati i fallimenti, tra cui aver impedito ad una vita di nascere. Il brano non si risolve, non ha una soluzione, perché a volte dichiarare il problema porta dentro il seme della trasformazione. Nel video Federica avvolta in un nastro rappresenta un baco da seta. La sensazione che sente ed esprime è quella di essere imprigionata, senza aria, senza possibilità di vedere. Pian piano da sola (perché solo da soli si può fare veramente) inizia a sciogliersi, a trasformarsi. Da baco diventa falena che danza, che riprende contatto con la vita. Ma a volte la luce, la libertà non dura che un attimo… e il filo si riavvolge e si torna baco.
Federica Ottombrino, 1987, è una cantautrice e musicista napoletana. Laureata con 110 e lode alla magistrale di “Relazioni Internazionali / Sviluppo e Cooperazione Internazionale” presso L’Orientale di Napoli. Impegnata nel duo Fede 'n' Marlen, che fonda, insieme a Marilena Vitale, dalla fine del 2014. Nel progetto oltre allo scrivere testi e musiche, canta e suona fisarmonica e chitarra. Il duo partenopeo pubblica il primo ep "Stalattiti", prodotto da Casa Lavica, che arriva alla terza ristampa. Nel 2017 esce l'album "Mandorle" prodotto da Europhone Records. Si esibiranno in oltre 500 live in tutta Italia e condivideranno il palco con artisti tra i quali Nada, Levante, Cristina Donà e Craig David. Nel 2017 sono protagoniste della giornata di apertura del Festival di Sanremo sul palco di "Casa Sanremo" dove si esibiscono, aprendo lo showcase serale di Paola Turci. Parallelamente iniziano, insieme all’attrice Claudia Balsamo, una tournée teatrale campana con lo spettacolo "Frida", tratto dal romanzo di Pino Cacucci. A ottobre dello stesso anno vincono il Premio della Critica, intitolato a Fausto Mesolella, al Premio Bianca D'Aponte, con il suo brano “Le cose restano lì”. Sono ospiti del Barone Rosso, trasmissione di Red Ronnie e invitate da lui più volte ad esibirsi nello storico Roxy Bar. Nel 2019 pubblicano il loro ultimo Album "Terra di Madonne" prodotto da AreaLive e FullHeads. Lo portano in tour in band in luoghi importanti tra cui il Palazzo Reale di Napoli e Piazza del Plebiscito, all'interno della rassegna curata da Lello Arena "Restate a Napoli". Come solista debutta con spettacolo "La Cattedrale dell'acqua", da lei concepito, all'interno della storica cisterna romana Piscina Mirabilis di Bacoli, con dieci repliche tutte sold-out. Da luglio 2022 è impegnata con l’attrice Rosalba di Girolamo nello spettacolo "Errori", con testi di Cortázar e Márquez, suonando fisarmonica, chitarra e cantando. “Ciò in cui credo” - dichiara - “è che l’unico mezzo che abbiamo per conoscere veramente il mondo sia il sentimento. L’emozione, non passando per una comprensione razionale delle cose, ci fa percepire la realtà per ciò che è. La musica è il mezzo attraverso cui questa trasmissione diventa massima.”
____________________________________________________________________________________
Esce il videoclip di Se Tu Lo Vuoi, tratto dall’ultima fatica discografica di Gerardo Tango.
Il nuovo singolo intitolato “Se tu lo vuoi” è accompagnato dal videoclip ufficiale é l’ultimo singolo estratto dalla fatica discografica di Gerardo Tango pubblicato lo scorso anno. “Tempio Instabile” una raccolta di canzoni cantautorali di alta cifra stilistica ha ricevuto tanti consensi di pubblico e critica attestando la grande stima verso uno dei più importanti cantautori pugliesi contemporanei. Il videoclip nato da un'idea di Nadia Gelsomina rappresenta stilisticamente la caratura poetica del testo scritto da Tango.
Il videoclip raccontato da Nadia Gelsomina
Il videoclip è un viaggio nelle emozioni che parte da un profondo ascolto. Le parole della canzone mi hanno avvolta, esplodendo in una sinfonia di colori e dando vita a immagini vivide. Il ritmo è diventato il battito del mio cuore e ha guidato e districato i miei grovigli. Non è solo l'ispirazione ad avermi guidata, ma anche una meticolosa selezione. Tra le mille immagini nate dalla musica, ho scelto quelle che meglio rappresentavano la mia visione- Ogni illustrazione è un tassello di un mosaico emotivo, un passo in un viaggio di scoperta. Prima di immergermi nel processo creativo, sono stata assalita da dubbi e paure. L'agitazione è diventata il sintomo di un'esplosione imminente, un'esplosione di idee che scalpitava per prendere vita. L'Amore, Simbolo di un Viaggio Condiviso. Al centro del video c'è l'amore, rappresentato da un'immagine evocativa: una scimmia e un gatto che si rincorrono. Come in una vecchia televisione, il loro inseguimento infinito simboleggia la natura ciclica dell'amore, fatto di alti e bassi, di momenti di sincronia e di sfasamento. Ma nonostante le difficoltà, l'amore ci spinge a camminare insieme, mano nella mano, verso un futuro incerto ma pieno di promesse. Una rincorsa di colori vibranti, che si sfidano alla luce della luna e del sole. È un invito a lasciarsi andare all'emozione, a vivere l'amore in tutte le sue sfumature, con la consapevolezza che il cammino condiviso è la destinazione stessa.
Uno dei primi appuntamenti in cui sarà possibile ascoltare dal vivo le canzoni di Gerardo Tango sarà alla Festa della Musica di Recanati il 21 Giugno 2024.
Gerardo Tango presenta l'ultimo singolo estratto dal suo ultimo album.
“Se tu lo vuoi” è nata in un periodo bello della mia vita, dedicata ad una donna che ho molto amato.
Scritta prima del Covid, quando si poteva uscire, a piedi e in bici.
E’ una canzone d’amore.
Il testo è pieno di cose da fare, da fare con l’amata.
Ma il ritornello ripete “solo se tu lo vuoi, si farà”.
L’amore è anche assecondare quello che l’amato o l’amata vuole fare.
L’ultima strofa chiude la canzone con una dichiarazione d’amore:
“Non importa dove saremo, con quale clima, o se avremo soldi o no. La strada fatta insieme porta alla Felicità”.
_____________________________________________________________________________________
GIUSEPPE GAZERRO E LA RESISTENZA ACUSTICA
DAL 24 MAGGIO 2024
IN RADIO E SUI DIGITAL STORE
“HOW CAN YOU SEE THE SUN”
IL NUOVO SINGOLO
Da venerdì 24 maggio 2024 sarà disponibile in rotazione radiofonica e su tutte le piattaforme di streaming digitale “How can you see the sun”, il nuovo singolo di Giuseppe Gazerro e la Resistenza Acustica. “How can you see the sun” è un brano che nasce in seguito a una serie di riflessioni fatte dall'autore sulla sua adolescenza e sulla caducità dei ricordi che ad essa si accompagnano. Il pezzo fa parte del repertorio più strettamente cantautorale dell’artista; oltre al testo autobiografico e personale è stato costruito su un riff deciso e incalzante ma senza spigoli, con le caratteristiche melodiche tipiche delle ballate d’autore. L’arrangiamento perfezionato in sede di Studio – specie nell’uso della chitarra solista – ha aggiunto alla generale atmosfera vintage anche un tocco rock che aggiunge una certa compattezza sonora. Spiega l’artista a proposito del brano: “Il brano fa parte di un progetto ampio che avevo denominato 'Biblica' facendo riferimento al mio tentativo di universalizzare i sentimenti guardando verso un possibile assoluto. Questa forma digitale assume i contorni rock della voglia di far uscire i sentimenti che ciascuno di noi ha dentro sotto forma delle esperienze. La realizzazione ha reso in modo ottimale il paradosso delle difficoltà quotidiane viste da un occhio esterno che le percepisce più ironiche che drammatiche, quasi comiche nella loro spesso inutile frenesia.” Il videoclip di “How can you see the sun” è stato girato in un parco urbano nel quale, tra il verde della natura e gli alberi – fanno capolino le case e la sensazione della vita intorno. Nel background si alternano scene di personaggi anonimi che vivono situazioni riferibili alle parole del testo ed a ordinarie memorie di vita vissuta..
_____________________________________________________________________________________
EL BES GALILI
Live 1980
____________________________________________________________________________________
Onde d’urto – Il nuovo brano di Francesco Loccisano
«Le onde d’urto quando arrivano provocano uno scuotimento generale. Irruente come le onde del mare, si addentrano negli interstizi della vita di ognuno, sconvolgendo sentimenti e abitudini calcificati dal tempo. Se ne avvertono da lontano le piccole scosse che le provocano, eppure non paiono annunciate. Con questo brano ho voluto riprodurne le sonorità». Così Francesco Loccisano parla del suo nuovo lavoro, ora disponibile sulle piattaforme musicali e in video sul suo canale Youtube. «Il brano è nato in un momento di forte cambiamento. Una rinnovata energia era dietro l’angolo e oggi questa mia composizione, lasciata da parte per qualche anno, ne diventa simbolo» aggiunge. La chitarra battente di Loccisano dialoga con l’elettronica di Teo De Bonis, musicista e producer lucano, in un innovativo mix di armonie, tra antico e moderno, nel segno della sperimentazione. Il mix è di Marcello De Carolis, mastering di Alessandro Luvarà. Il video, in qualche modo “frenetico” ma energico, riporta una coinvolgente sequenza ritmica di immagini ed è stato prodotto da Aldo Albanese. Loccisano ha rivoluzionato l’impiego della chitarra battente, strumento di antica tradizione, rendendola moderna e attuale, espressione di suoni originali e contemporanei. Grazie al suo lavoro di ricerca tecnica e artistica, la chitarra battente è entrata al Conservatorio P.I. Tchaikovsky di Nocera Terinese (Cz), dove Loccisano è docente del primo corso dedicato a questo strumento in Italia. Suo anche il primo metodo per chitarra battente, edito da fingerpicking.net, di cui è stato pubblicato di recente un nuovo approfondimento con Marcello De Carolis.
«Con Marcello De Carolis e il nostro produttore Giuseppe Marasco di Italysona e Calabriasona, l’anno scorso, siamo stati al WOMEX, uno dei più importanti music expo al mondo, a “La Coruna” in Spagna, e poi al Napoli World e in tanti altri festival, ricevendo sempre una calorosa accoglienza da parte del pubblico. Ci aspettano tappe altrettanto importanti per questo 2024, come Soave Guitar Festival, a Malta, Appennino Festival in Toscana, Dolomiti festival in Trentino» dice ancora Loccisano. E conclude: «“Onde d’urto” è il primo di una serie di brani che compongono l’album omonimo in uscita nei prossimi mesi. Un nuovo progetto musicale in cui credo molto, caratterizzato da una nuova energia artistica di cui il nostro sud detiene il primato. Dedico questa composizione al mio amico fisiatra, il dottore Giuseppe Curinga, che di onde d’urto ovviamente se ne intende!».
_____________________________________________________________________________________
CANIO LOGUERCIO
A n’ammore sperduto
Il nuovo video su YouTube
____________________________________________________________________________________
Classica Orchestra Afrobeat
È online il video ufficiale di “Ka Munu Munu” feat. Rokia Traore
La regina della musica maliana Rokia Traore firma insieme a Marco Zanotti il brano estratto da “Circles”, il quarto album dell’ensemble.
La regina della musica maliana Rokia Traore è una delle più importanti artiste africane contemporanee e firma insieme a Marco Zanotti il brano “Ka munu munu”, il nuovo singolo estratto da “Circles”, il quarto album della Classica Orchestra Afrobeat, ensemble di 14 elementi (ideato e diretto dallo stesso Zanotti) che torna oggi con un lavoro del “post-pandemia” che muove verso il concetto di circolarità, proiettati in un futuro distopico nel quale tuttavia l’essere umano distoglie lo sguardo dalla dimensione materiale e consumistica per volgersi verso l’alto, verso una dimensione più organica e circolare e verso un modello di vita più cooperativo e sostenibile. «Ka munu munu significa “tutto gira” e il testo che Rokia Traore ha scritto recita: “Gira, gira all’infinito / la vita è un cerchio, ciò che finisce è un nuovo inizio / quando il tuo tempo è finito, un nuovo tempo comincia, è il cerchio della vita”». Classica Orchestra Afrobeat. Dopo quelle con Seun Kuti, Sekouba Bambino e Baba Sissoko, arriva dunque questa nuova collaborazione tra l’ensemble emiliano-romagnolo e la cantautrice maliana che con il suo impegno sociale ha marcato gli ultimi due decenni di world-music internazionale. Una collaborazione all’insegna del nuovo concept-album CIRCLES uscito il 13 ottobre 2023 per Brutture Moderne. Il video ufficiale del brano vede la collaborazione con la Mutoids Waste Company, il collettivo nato in Inghilterra negli anni ’80 e residente da molti anni a Santarcangelo di Romagna, in quello spazio comunitario chiamato Mutonia che ha ospitato le riprese per la regia di Francesco Gardini, realizzato attorno ad una scultura gigante chiamata “La macchina del tempo”.
La Classica Orchestra Afrobeat è un ensemble composto da 14 musicisti di estrazione mista classica, barocca e popolare. Diretta da Marco Zanotti, crea nei suoi lavori di composizione o arrangiamento un territorio di confine che mescola le sonorità e le peculiarità espressive degli strumenti della tradizione colta europea come archi, legni e clavicembalo con le percussioni, i canti e le poliritmie africane. Il disco d'esordio Shrine on you, Fela goes classical, risale al 2011, pubblicato dalla neonata etichetta indipendente Brutture Moderne. È un sentito omaggio a Fela Kuti, il più grande genio musicale nonché ribelle politico africano della storia recente (Zanotti nello stesso anno traduce e cura l'edizione italiana della sua biografia, pubblicata da Arcana). L'album e l'idea della Classica Orchestra Afrobeat riscuotono sin da subito critiche entusiastiche, grazie ad una rilettura originale che diventa ponte di dialogo tra culture apparentemente distanti. All'album partecipano Seun Kuti e Oghene Kologbo e numerose sono le rassegne e i teatri che ospitano questo repertorio, scelto nel 2014 come evento di punta del Festival di Radio3 “RadioEuropa” e invitato nel 2013 (prima band italiana di sempre) allo storico Glastonbury Festival in Inghilterra. Regard sur le passe, il secondo album uscito nel 2014, è una suite musicale in tre movimenti dal carattere spiccatamente barocco, che racconta l'epica dell'ultimo imperatore d'Africa, Samori Touré. Ospiti in scena in veste di cantante solista e narratore sono rispettivamente Sekouba Bambino e Baba Sissoko, due griot di fama internazionale, il primo considerato la “voce d'oro” dell'Africa Occidentale, il secondo ambasciatore della musica del Mali in tutto il mondo. Il terzo lavoro risale al 2017 e si intitola Polyphonie: un concept-album di brani originali dedicato e ispirato alla foresta e al canto dei pigmei. Uno spettacolo dalla forte valenza ecologica, concepito e realizzato insieme al cantante camerunense Njamy Sitson. Tra le esibizioni più recenti della band quelle all’Auditorium Parco della Musica di Roma, al Teatro Verdi di Sassari, all’Orto Botanico di Padova, all’Auditorium Manzoni di Bologna, alla Rocca di Fano e un concerto-trekking per Ravenna Festival nel Parco del Casentino. Dopo l’anticipazione a maggio con l’uscita del nuovo singolo L’origine del mondo, l’autunno 2023 si apre con l’uscita del quarto disco di inediti dal titolo Circles per la label Brutture Moderne seguito dalla pubblicazione del secondo singolo estratto dal titolo Ka munu munu con la splendida partecipazione della regina della musica maliana Rokia Traore.
____________________________________________________________________________________
PAOLO SAPORITI
“L’autobomba” il nuovo estratto da “la mia falsa identità”
“L’autobomba” è il quarto estratto di Paolo Saporiti con il feautiring di GnuQuartet, contenuto nell’ultimo album del cantautore milanese ‘La mia falsa identità’ pubblicato dall’etichetta OrangeHomeRecords. “L’autobomba” è una metafora multiforme, testuale e sonora, con gli arpeggi cadenzanti della chitarra e gli archi dello GnuQuartet malinconici ed inquieti a tracciare un cammino di amore e odio, di sacrificio umano, di fatica per compiere un lavoro come quello del cantautore; a spezzare questa tormentata esplosione interiore, l’apertura sognante del bridge che risveglia il suo protagonista dal torpore musicale di oggi, perchè l’arte non muore mai. Il brano, prodotto da Raffaele Abbate e distribuito da Believe Music Italia, è accompagnato da un videoclip realizzato con il montaggio di Daniele Canavese e il foley di Raffaele Abbate, destrutturando i precedenti videoclip del disco, realizzati da Marta Reina, Davide Saporiti, Sans Film (Gabriele Ottino, Paolo Bertino e Sharon Ritossa) e Federico Iris Osmo Tinelli. “L’autobomba parla di amore, di odio, a fronte di tutta la fatica fatta per portare avanti una vita, un amore, un lavoro come il mio. Portare avanti la musica, o un affetto importante oggigiorno, è oltremodo complicato: vincono i soldi e gli interessi, su tutto. L’arte invece nasce dalla solitudine e va condivisa, non nasce dai soldi ma da un bisogno, da un fuoco interiore”, afferma Paolo Saporiti. E’ così che l’autore-protagonista si riduce a dare alle fiamme le sue opere e a pensare di mettere fine a se stesso. Ma è proprio qui che l’artista risorge sempre e più forte di prima, appoggiandosi al passato in una sorta di reversione, guardando ai maestri che hanno lasciato un segno ed indicato la via per rigenerare nuova arte, nuova musica e non mero citazionismo sterile.
_____________________________________________________________________________________
The VOODOO DRUMMER Duo
Weirdofon
Adding this unique “Weirdofon”, an one octave - needs to be tuned! – metal Balafon as the third instrument, the experimental duo has enriched their sound and presents this trailer of their upcoming first album! The video opens with “Bacchae”, a piece written by Christos Koutsogiannis, about the female followers of Dionysus, during his sojourn in Hades, the Underworld! Reminisces of ancient rituals and ceremonies through the ephemeral beauty that emerges from the depths of the unheard! The influence of the spirits and ancestors of ancient Greek Drama can be heard here, too. It is followed by the “Elf Dance,” a lovely waltz by Moondog (Louis Thomas Hardin). "The Viking of Sixth Avenue" was a true original, whose compositions and drum pieces in odd times are a huge influence! The video closes with a bold cover of “Giftopoula sto Hamam” and “Boufetzis,” by Rebetiko legend Giorgos Batis, who formed the first Rebetiko group in 1934 with the great Markos Vamvakaris and recorded only a few of his songs in the 30s! “Greek music is always an inspiration for us”!
The VOODOO DRUMMER Duo:
Christos Koutsogiannis: DRUMS, WEIRDOFON, Claps & Oddities!
Stavros Parginos: CELLO & Claps
Video created by Jean Paul Harter and recorded by Kostas Tsiolis.
_____________________________________________________________________________________
GABRIELLA LUCIA GRASSO
CANTA ‘A STORIA DI ROSA, DEDICATA ALL’IMMENSA ROSA BALISTRERI
Esce oggi ‘A storia di Rosa, il singolo (e il video) che anticipa la pubblicazione dell’album Sognatrici
Esce oggi 3 aprile, per Musica Lavica Records in collaborazione con l’Associazione Culturale CRAM, il singolo ‘A Storia di Rosa di Gabriella Lucia Grasso, che anticipa la pubblicazione dell’album Sognatrici prevista a settembre 2024. ‘A storia di Rosa, dedicata a Rosa Balistreri, è il primo singolo estratto dall’atteso album Sognatrici. Quella di Rosa è una storia di dolori e tormenti e, malgrado la sua vita sia stata piena di amare sfide personali, la cantastorie isolana è riuscita con tenacia e passione a portare la tradizione cantautorale siciliana all’attenzione e alla considerazione di tutta Italia, osannata da intellettuali e artisti come Guttuso, Sciascia, Dario Fo e Giovanna Marini. La forza della voce di Rosa, come canta Gabriella, è “assai miraculosa” e con coraggio ha stregato l’Italia dell’epoca. Il video, che accompagna l’uscita del singolo, è girato citando stilisticamente le pellicole degli inizi del Novecento del film muto, intervallato da cartelli esplicativi, secondo l’uso dell’epoca. L’album è immaginato come un unico racconto diviso in capitoli, di cui il video ‘A storia di Rosa è appunto il “Capitolo 1”. Esso invita alla riflessione, passando da scene in bianco e nero che raccontano il passato ad altre a colori che raccontano il presente; nulla pare cambiato ed è ancora tanta la strada da percorrere in favore dei diritti delle donne. Sognatrici, un progetto interamente patrocinato da Amnesty International Italia, nasce da un docu-show ideato e portato in scena insieme a Valeria Benatti, nota scrittrice e conduttrice radiofonica. È una raccolta di storie di donne valorose e coraggiose che, cambiando il proprio destino, hanno cambiato anche la storia di tante donne. Gabriella Lucia Grasso cantautrice, compositrice e attrice catanese, ha un’anima latina, la cui voce ha un timbro inconfondibile, profondo, dolce e carnale. Si è formata tra il Conservatorio Santa Cecilia di Roma e l’Accademia del Teatro Stabile di Catania e ha studiato canto con Elizabeth Sabine (U.S.A). Il suo percorso artistico è caratterizzato da collaborazioni d’eccezione, come quelle con Bob Mcferrin, Giorgio Albertazzi e Carmen Consoli. Sognatrici sarà il suo sesto album.
_____________________________________________________________________________________
MIRCO MARIANI
È DISPONIBILE IL NUOVO PROGETTO SOLISTA IL PARCHEGGIATORE DI SOMMERGIBILI
Da oggi online il videoclip del singolo
“PERMETTE UN BALLO LENTO”
Da oggi, giovedì 18 aprile, è disponibile il filmino del singolo di Mirco Mariani “PERMETTE UN BALLO LENTO” a cura di Betty Wrong. Siamo a Selvapiana, piccola frazione del comune di Bagno di Romagna, precisamente alla storica discoteca “Poker Club”. Il video in bianco e nero è perfetto per far risaltare i giochi di luce presenti all’interno del locale. A conquistare la scena è però Mirco Mariani, che muovendosi sulle dolci note del singolo mima un intimo ballo in compagnia. L’artista è sia sul palco che in pista da ballo, dove cerca spaesato la sua compagna dietro uno specchio o affianco a un quadro, arrivando addirittura a chiedere a una statua se fosse per caso lei ad avergli rubato eternamente il cuore. «Io amo il Poker Club di Selvapiana e la sua storia. Una discoteca, un dancing e oggi un Night in mezzo alla campagna. Un posto romantico ed estremo. Ho immaginato per una sera di essere il DJ calato in uno spazio senza tempo per un ballo lento controtempo» Spiega Mirco Mariani“Permette un ballo lento”, è una dolce e nostalgica dedica d’amore che dura una vita. L’artista rievoca ricordi ed emozioni passate all’interno di una balera durante un intimo ballo. Mariani descrive ciò che è stato, dalla pista e le sue luci stroboscopiche, alla fredda brezza serale fino all’avvolgente vestito in seta blu della misteriosa donna che definisce “la sua sposa”. Il brano, insieme a “I LOVE VITA”, inaugura il nuovo progetto solista di Mirco Mariani “IL PARCHEGGIATORE DI SOMMERGIBILI”, che prevede la pubblicazione di più brani durante l’anno, sempre a due a due in formato digitale, riproponendo così l'idea dei vecchi singoli in vinile che offrivano un lato A e un lato B in qualche modo indissolubili. È un viaggio verso nuove esplorazioni musicali che segue un’eterna passione che diviene esigenza.
_____________________________________________________________________________________
A SAN FRATELLO LE TROMBE DEI GIUDEI FESTEGGIANO IN ANTICIPO LA RESURREZIONE
Esce il video di “Giurei”, brano di ELEONORA BORDONARO, che racconta
i chiassosi riti pasquali in un borgo tra i Nebrodi e le Eolie
IL BRANO E’ CONTENUTO NELL’ALBUM RODA
Tra fede e leggenda, tra sacro a profano. A San Fratello, piccolo borgo in provincia di Messina tra i Nebrodi e le Eolie, la settimana di passione si trasforma in una grande festa animata dai Giudei: musicisti, figuranti, acrobati, disturbatori dei riti sacri in giubba rossa, un po’ guerrieri, un po’ fauni, un po’ flagellanti, che intonano con le loro trombe melodie militari, ballabili e marce. Un rito pasquale, una rappresentazione di fede, di cui non si conosce bene l’origine. Le leggende sono tante ma è una quella che Eleonora Bordonaro ha scelto di raccontare - attraverso il testo del sanfratellano Antonino Versaci - nel brano “Giurei”, terzo estratto dall’album Roda, che esce accompagnato da un videoclip di Luca Bordonaro che racconta quello che accade a San Fratello nei giorni che precedono la Pasqua.
Gesù fu messo in croce il Venerdì e nessuno al mondo poteva immaginare che il terzo giorno sarebbe resuscitato. Ma, si narra, che qualcuno confidò ai Sanfratellani questa bella notizia due giorni prima, così loro non sapendo contenere la gioia, il Mercoledì riempirono le strade di Giudei che, non avendo avuto la pazienza di aspettare, anticiparono la Pasqua mettendosi a saltellare e strombettare per la felicità della resurrezione del Padreterno. Quindi, le sonate dei Giudei non sono fatte per oltraggiare Morte e Passione ma nel cuore e nella mente dei Sanfratellani sono manifestazioni di giubilo per la Resurrezione.
_____________________________________________________________________________________
EUSEBIO MARTINELLI
L'ABC
Eusebio Martinelli pubblica il suo nuovo singolo intitolato L'abc venerdì 22 marzo 2024, per l'etichetta Maninalto! Records. L'eclettico cantautore e trombettista scrive un brano dedicato alla bicicletta e alle emozioni che ci regala; il titolo è infatti un gioco di parole: leggendolo come scritto ci porta all’idea di sana semplicità, all’abc appunto; togliendo invece l'apostrofo e separando le lettere in due parti uguali, otteniamo proprio la bici. In un'epoca in cui la frenesia della vita quotidiana sembra soffocare la nostra capacità di apprezzare la bellezza del mondo che ci circonda, L’abc ci invita a rallentare il passo e a immergerci nella semplicità e nella gioia che solo una bicicletta può offrire. Il brano cattura l'essenza dell'avventura su due ruote, esplorando temi di libertà, scoperta e connessione con il nostro ambiente.
_____________________________________________________________________________________
LUIGI ESPOSITO
È ONLINE IL VIDEO DI “LINEA 140”
Il nuovo brano del compositore e pianista sarà presentato per la prima volta in concerto giovedì 21 marzo nell'ambito del Maggio della Musica 2024 alla Stazione Zoologica Anton Dhorn del Museo Darwin Dohrn di Napoli. A pochi giorni dall’uscita del singolo “Linea 140”, il nuovo singolo del compositore e pianista Luigi Esposito, è fuori anche il video diretto da Alessandro Freschi. Pubblicato dall’etichetta indipendente Apogeo Records, “Linea 140”, con Luigi Esposito al piano, Emiliano Barrella alla batteria, Umberto Lepore al contrabbasso e la voce di Fabiana Martone, verrà presentato giovedì 21 marzo, alle ore 20.00, nel live del musicista che apre i “Concerti dell’Acquario” per il Maggio della Musica 2024, alla Stazione Zoologica Anton Dhorn del Museo Darwin Dohrn a Napoli. Il brano è un viaggio allegorico sulla linea di autobus destinata a una famosa e panoramica zona di Napoli: Posillipo. «L’intenzione – racconta il regista Alessandro Freschi - è stata quella di ripercorrere l’esperienza del “140” non solo nel tragitto sull’autobus ma anche nel percorso a piedi, nell’attesa e in quello che si vede nel corso dell’attesa. Ci siamo esposti volutamente all’imprevisto in quanto il mood con cui abbiamo deciso di girare il video è molto documentaristico – continua Freschi – e, dunque i frammenti, gli squarci, le soste, gli oggetti sono ciò che abbiamo visto passando e che abbiamo raccolto improvvisando. A questo proposito, una nota curiosa è che sulla strada del ritorno, proprio per prendere il 140 al volo e riprendere la scena contemporaneamente il conducente non ci ha visto e abbiamo perso il pullman.
_____________________________________________________________________________________
CARIBE
Il brano che dà il titolo al nuovo album di
ANA CARLA MAZA
ora online su tutte le piattaforme digitali
Un anticipo di primavera in vista del suo tour italiano 2024
È uscito il video ufficiale di CARIBE, il brano che dà il titolo al nuovo album della violoncellista e cantante cubana Ana Carla Maza. Disponibile nelle principali piattaforme digitali, dopo i precedenti La Flor e Bahia, Caribe rappresenta la terza produzione in studio dell'artista, la prima da solista, che mescola in forma gioiosa suoni, ritmi e melodie attinenti alle sue radici latino-americane. "Per me è stato un grande passo in avanti poter comporre per una band musicale completa e vedere man mano realizzarsi questo sogno in studio - afferma Ana Carla - Mentre componevo questi brani - nella camera di un albergo, su un aereo o in un backstage - avevo in mente l'allegria che volevo sprigionare dal vivo, facendo rivivere la colonna sonora della mia infanzia con le sonorità moderne e un pizzico di innovazione tecnica. Mi auguro che l'espressione di questa positività, che coltiva da sempre la musica che compongo e anche quella a cui mi ispiro - possa essere condivisa con il pubblico italiano durante tutto il tour". Concepito, scritto e registrato ‘on the road’, su un volo per il Messico, sulle sponde del lago Annecy, da un castello in Portogallo - un metodo creativo perfetto e prevedibile che si combina molto bene con l’energia fulminea e l’irrequieta filosofia per la vita e per la musica - Caribe rappresenta un ritorno alle descargas (jam) cubane degli anni Cinquanta con abbondanti e gioiose deviazioni verso le rumbas dei Caraibi, il tango dell’Argentina e flirt con la samba e il jazz bossa nova del Brasile. L'album è una produzione ACM, l'etichetta discografica che la stessa artista ha fondato, a soli 28 anni, diventando anche una giovane imprenditrice musicale: un messaggio di rinnovamento che vuole svecchiare i cliché che vedono il mercato discografico, nei dietro le quinte, ancora prevalentemente in mano agli uomini.
Di formazione classica, Ana Carla Maza compie i primi passi musicali nel distretto ‘rumbero’ e perennemente riecheggiante di Guanabacaoa, all’Avana. L'artista ricorda in modo vivido quando guardava fuori dalla finestra della sala della sua amata nonna e ascoltava e osservava i rituali e la musica cerimoniale afro-cubana (Santería), che si svolgevano nell’edificio di fronte. A cinque anni sua madre (Mirza Sierra, direttrice di un coro di bambini) e suo padre (Carlos Maza, compositore e musicista jazz) la introducono allo studio del pianoforte sotto l’ala di Miriam Valdés, sorella della leggenda vivente Chucho Valdés. Pizzica le prime corde del violoncello all’età di otto anni, quando lo strumento è ancora più grande di lei. A 12 anni la ragazza lascia Cuba per trasferirsi in Spagna con la famiglia e neanche quattro anni dopo, armata di una ferrea determinazione, va a vivere a Parigi, la destinazione musicale dei suoi sogni, dove continua a studiare e sostenere gli esami per poi entrare al Conservatorio di Musica. È in questo periodo - tra studio e prime performance dal vivo - che si definisce il suo percorso creativo: un tragitto in continuo fermento ed evoluzione che l'ha portata, a meno di 30 anni, ad avere un intenso calendario di concerti e una prolifica storia discografica. In tre anni l'artista ha infatti realizzato ben tre album: La Flor (2020), Bahia (2022) e Caribe (2023), che hanno avuto molteplici plausi dal pubblico e dalla critica internazionale. Di lei hanno infatti scritto le riviste più prestigiose definendola come "la cantante-violoncellista diva del momento", "un'artista dal temperamento di fuoco e dagli orizzonti sconfinati", una musicista dal multilinguismo sonoro che riesce a combinare i ritmi latini con gli spiriti raffinati della chanson francese" e che promette grandi cose in avvenire grazie alla sua profonda sensibilità artistica. Ana Carla Maza è rappresentata in Italia da Kino Music Srl
_____________________________________________________________________________________
Muoviti: un invito a muoversi, sempre, ma a farlo con lentezza
L’ultimo videoclip musicale di Giuliano Gabriele
È online Muoviti, il videoclip di una delle tracce di BASTA! l’ultimo album di Giuliano Gabriele, un videoclip che si discosta radicalmente dal concept dei video finora pubblicati: non più protagoniste assolute le maschere, ma la persona stessa di Giuliano nella cui immagine si riflettono i messaggi contenutistici e musicali che il brano vuole trasmettere: un invito a muoversi, a combattere l’immobilismo, ma a farlo con lentezza. Cresce la visibilità di questo album e inizia a formarsi un interessante calendario di iniziative: a cominciare dai live di Parigi del 21 marzo. Top World Music Album sul prestigioso inglese Songlines di marzo/aprile, il parigino Le Monde ha definito questo album “selvaggio” , impressionante nel suo virtuosismo, vissuto anche attraverso un dramma interiore servito di volta in volta con fervore, delicatezza e sobrietà – che non esclude né passione né potere”. Giuliano Gabriele e la sua band sono stati selezionati dall’Atlantic Music Expo di Capo Verde il 3 Aprile prossimo e dal Crossroads Czech Music di Ostrava in Repubblica Ceca del 22 giugno. Oltre ad essere stati inseriti nell’importante Festival di Dranouter in Belgio il 3 agosto prossimo. Il concetto basilare di Muoviti è racchiuso in una frase: "vivere è un istante et c'est fini", da qui l'invito al movimento. Muoviti lentamente, ma senza fermarti mai, per cogliere le dinamiche di un mondo che corre senza fiato. Ascolta il ritmo della terra e muoviti con essa, per non rischiare di diventare solo un piccolo ed insignificante numero, muoviti per guardare il mondo da prospettive differenti. Muoviti lentamente perché è l’unico modo per restare a galla. Questo messaggio è il perno dell'intera struttura, sia concettuale che pratica, del videoclip ideato e realizzato dallo stesso Giuliano Gabriele con il regista e videomaker francese Jules Lahana. Le riprese sono state effettuate al centro di Napoli, una delle città più movimentate d'Italia, non nei suoi luoghi simbolo ma in strade anonime, tra la gente, nei vicoli più sconosciuti, proprio per dare risalto alla frenesia della quotidianità. Il traffico caotico e le persone che camminano a passo frettoloso, quasi esasperato, si contrappongono al movimento leggero, sollecitato dal vento, del bucato steso alle finestre degli antichi palazzi rionali alti quasi a sfiorare il cielo, e soprattutto all'incedere lento, ma pur sempre in movimento, del protagonista del video che si ferma solo per guardare da un'altra prospettiva la frenesia generale che lo circonda. Nel montaggio sono state utilizzate solo alcune delle scene girate, piccoli frame che si ripetono sempre nella stessa consequenzialità, utilizzando la tecnica delle immagini a specchio, che si avvicendano, si incrociano e si susseguono in perfetto sincrono con la musica, quasi a creare un effetto psichedelico di intenso impatto visivo. Una nota anche al videoclip di Reveillez-Vous (Svegliatevi) che vede protagoniste le maschere, tanto amate dalla poetica di Giuliano Gabriele e che denuncia una presa di coscienza tardiva ed incoscientemente ancora non unanime sugli argomenti fondamentali del nostro tempo come l'inquinamento e i conseguenti cambiamenti climatici repentini. Un canto duro per un problema urgente.
Al fianco di Giuliano Gabriele, voce e organetto, in questo album troviamo: Lucia Cremonesi viola e lira calabrese, Eduardo Vessella tamburi a cornice, Gianfranco De Lisi basso, Riccardo Bianchi batteria, Carmine Scialla bouzouki e chitarra battente, Giovanni Aquino chitarra elettrica e synth, Gianmarco Gabriele programmazioni. E Martin Meissonnier programmazioni.
_____________________________________________________________________________________
ANDREA SATTA
Il nuovo video
HOBO SAPIENS
“HOBO SAPIENS" è il nuovo video di ANDREA SATTA, pubblicato il 2 marzo: un brano e un video-clip, diretto da Mohamed Keita e Fabrizio Barraco, dedicati alle persone senza fissa dimora, alle loro difficoltà e alla crudeltà che spesso devono affrontare lungo le strade delle nostre città. Alla regia e alla fotografia, Mohamed Keita: oggi un apprezzato fotografo, il suo percorso è iniziato, ancora minorenne, con un difficile viaggio in solitaria attraverso il Mali, la Libia e Malta. Dopo un periodo come clochard, Mohamed ha trovato l’accoglienza di CivicoZero di Roma, un centro a bassa soglia aperto da Save the Children. Hobo Sapiens è un brano prodotto e scritto da Andrea Satta, per la parte musicale e l’arrangiamento in collaborazione con Giorgio Maria Condemi, registrato e masterizzato al 100celle Studio da Gianni Istroni. “Hobo Sapiens” è il secondo video estratto da “Niente di nuovo tranne te”, l’album d’esordio solista di ANDREA SATTA, il cantante dei Têtes De Bois: dodici tracce profonde e coinvolgenti nelle quali è condensata una lunga vita artistica e professionale, pubblicato il 1° dicembre da Santeria. In alcune di queste l’artista ha coinvolto ospiti importanti come PAOLO BENVEGNÙ, DANIELE SILVESTRI, GIOVANNI TRUPPI. Fra i brani presenti nel disco anche “Coupon”, da cui è stato realizzato un cortometraggio cinematografico con il titolo “Coupon – il film della felicità” per la regia di AGOSTINO FERRENTE e presentato fuori concorso in anteprima al 41mo Torino Film Festival lo scorso 29 novembre. Fra i protagonisti di questo “mini musicarello” semi-muto l’ex segretario del PD PIER LUIGI BERSANI (alla sua prima esperienza cinematografica) accanto a MILENA VUKOTIC, PAOLO LOMBARDI, la poetessa MARIA GRAZIA CALANDRONE. Andrea Satta, oltre ad essere un cantante, scrittore e autore, pratica quotidianamente la professione di pediatra nella periferia romana. Queste esperienze concrete e a volte difficili gli hanno permesso di mantenere un legame stretto con la realtà, che caratterizza sia la sua opera che la sua fantasia. Con i Têtes ha vinto tre Targhe Tenco Interpreti (nel 2002, 2007 e 2015), ha pubblicato nove album in studio e ha tenuto migliaia di performance, dalle esibizioni nei festival di strada fino al palco di Sanremo (nel 2007, insieme all'attore Paolo Rossi). Ha collaborato con nomi prestigiosi come Francesco Di Giacomo, Daniele Silvestri e Joan Baez, e ha realizzato progetti artistici tra i più innovativi e visionari, tra cui il Palco a Pedali. Come autore, ha scritto diversi libri, tra cui "I riciclisti" (Ediciclo, 2009), "Ci sarà una volta" (Infinito, 2011), "Officina Millegiri" (Sinnos, 2016) e "Mamma quante storie!" (Treccani, 2016), quest'ultimo ispirato alla Giornata delle Favole che organizza da anni nel suo ambulatorio. Tra le sue opere anche "Pise e Pata - dialoghi tra bambini sulle cose del mondo" (Rrose Sélavy) e "La fisarmonica verde" (Mondadori Ragazzi). “Niente di nuovo tranne te” è il suo disco d’esordio solista, un lavoro pieno di bellezza e di passione, come tutto quello che ha realizzato nel corso della sua carriera artistica e professionale. Dal disco sono stati estratti il singolo e video di “Bellissima”, pubblicato lo scorso 9 novembre, e il video di “Hobo Sapiens”, del 2 marzo.
____________________________________________________________________________________
TARTAGLIA ANEURO
Esce il nuovo singolo dal titolo Pazzià
S'intitola "Pazzià" il ritorno discografico del gruppo Tartaglia Aneuro. Il singolo, prodotto artisticamente da Lucky Salvadori, chitarrista di Manu Chao; è disponibile da oggi 5 marzo su tutte le piattaforme digitali e anticipa l'album in uscita il 22 marzo per la rinomata label Full Heads records, che vanta nel suo catalogo artisti del calibro di Foja, La Maschera, Tommaso Primo e ‘A67. Il lavoro esce con il sostegno del MiC e di SIAE nell’ambito del programma “Per Chi Crea”. Pazzià feat. Lucky Salvadori anticipa la pubblicazione del terzo album del gruppo folk/crossover/patchanka napoletana e offre al pubblico un assaggio musicale dopo sette anni dall'uscita dell'album "Oltre" (iCompany) e otto da "Per Errore" pubblicato dalla Full Heads Records. Proprio con quest'ultima il gruppo torna nuovamente ad affacciarsi nel panorama musicale dopo l’enorme successo della canzone Le Range Fellon’ (con Daniele Sepe nel progetto Capitan Capitone) che, con oltre due milioni di streaming totali, ha proiettato Tartaglia nel circuito nazionale posizionandolo al primo posto della classifica “Viral 50 Italia” – quella dei brani più condivisi – di Spotify Italia. Tartaglia Aneuro, originari della terra Flegrea, nascono nel 2012 per affermarsi poi rapidamente nella scena musicale napoletana. Il cantante e frontman Andrea Tartaglia riunisce attorno a sé il chitarrista e compositore Paolo Cotrone, il bassista Mattia Cusano, il percussionista Salvio La Rocca e il batterista Federico Palomba, dando vita a una band estremamente eclettica che ha saputo distinguersi nella fervida scena partenopea e ha saputo conquistare il pubblico grazie all'intensa attività live in ambito nazionale e internazionale nonché collaborazioni artistiche e open act di 99 Posse, Manu Chao, Vinicio Capossela, Daniele Silvestri, Le Luci della centrale elettrica, Calcutta, Iosonouncane, Salmo, Clementino...Il genere musicale di riferimento di Tartaglia Aneuro è la world music nella quale mescola stili e generi musicali, linguaggi e tematiche impegnate. Questo melting pot culturale, e artistico rende il gruppo il più aperto e inclusivo dell'intera scena cittadina con testi che spaziano dal napoletano all’italiano. "Pazzià" è stato registrato, insieme all'intero album, presso il Soul Fingers Studio di Vincenzo Rizzo, storico tecnico del suono e produttore che ha collaborato con artisti e gruppi di fama internazionale come Mano Negra, Manu Chao, Massive Attack, Edoardo Bennato, James Senese, Enzo Gragnaniello, Tullio De Piscopo, NCCP, 'E Zezi, Bisca, 99 Posse, Raiz, Teresa De Sio, Eduardo De Crescenzo e Daniele Sepe.
_____________________________________________________________________________________
EGIN
ORA ET LABORA
Il 2024 sarà il 25° anno dell’attività del gruppo Egin, collettivo musicale patchanka torinese. Era il 1999 quando in un fumoso circolo arci della periferia torinese si incrociavano le idee musicali dei componenti originari. Nacque così il tratto distintivo degli Egin; dal valzer al rock, dallo ska al popolare, dal reggae al combat, con un occhio sempre attento alla musica ed alla cultura basca. Come risultato una patchanka riflessiva, poetica e trascinante. La scelta delle liriche è sempre stata fonte di ampio respiro multiculturale: italiano, basco, francese, inglese, spagnolo e piemontese si incontrano e si scontrano, in un gioco in cui suoni e parole portano messaggi sociali ed interculturali. Gli Egin (“fare” in euskara, la lingua di Euskal Herria) hanno sempre creduto che la loro musica possa essere un tramite di comunicazione sincera e non filtrata, scegliendo l’autoproduzione e rimanendo lontani dalle logiche commerciali. Con più di 1000 concerti e palchi all’attivo, condivisi con artisti come Tonino Carotone, Daniele Sepe, Status Quo, Cantovivo, Banda Bassotti, Perturbazione, Meganoidi, Gang, Parto delle Nuvole Pesanti, Statuto, Sud Sound System, Roy Paci, Bisca, Joxe Ripiau e molti altri, gli Egin hanno girovagato in Italia e in Europa con il loro furgone… Belgio, Svizzera, Slovenia, Paesi Baschi, Francia, Ungheria. Gli Egin sono nati sostenendo di suonare e cantare affinché l’ 80% delle risorse mondiali non appartenga solo al 20% della popolazione. Ci vorranno altri 25 anni di attività per raggiungere questo intento? Loro sperano di no! Per i 25 anni di attività, l’anteprima del nuovo brano “Ora et Labora”, una riflessione musicale sul mondo del lavoro e le derive esistenziali che ne derivano, fatte di precariato, insicurezza e morti.
_____________________________________________________________________________________
MASSIMILIANO LAROCCA
il video di “Nessun perduto amore”
Massimiliano Larocca torna oggi con un nuovo singolo e il bellissimo video del brano “Nessun perduto amore” estratto dal nuovo album “DÀIMŌN” appena uscito su SANTERIA RECORDS / LA CHUTE DISCHI distribuzione Audioglobe. Queste le parole di Larocca sul video: “Nessun perduto amore” è certamente uno dei brani più atipici di questo mio nuovo album, un ritmo da samba su un’accordatura aperta alla chitarra acustica, nello stile di Nick Drake o Tim Buckley. Un brano che scherzosamente dal vivo presentiamo come “ballabile filosofico”. Immagini da flusso di coscienza, amori perduti e ritrovati, il linguaggio della natura e dell’inconscio, una malinconia lontana che si affaccia sul mare. La regia del video è stata affidata a Francesco Corsi, regista e documentarista toscano di grande profilo e incorreggibile amante del cinema di Kaurismaki. Continua così Massimiliano Larocca sul video: “Scorrono intanto le prime immagini del video, il nostro occhio ne diventa giudice e complice. L’improbabile orchestrina sul palcoscenico swinga in modo totalmente asincrono, con strumenti e abiti rubati a qualche romanzo noir. Il cantante fiorentino vestito di rosso che scruta in sala con sguardo assente, i due chitarristi zingari, il pianista cieco con la coda di cavallo. Un ballo idiota del cantante, ma l’attenzione si sposta sui pochi spettatori della festa: una coppia lacerata e il misterioso uomo brizzolato che consuma l’ennesima sigaretta della notte. Ritratti, volti scavati, piccole esistenze che osservano il mondo (e gli anziani ballerini) girare attorno a loro. Con un colore, una luce e una fotografia che è il richiamo più evidente alla poetica del regista finlandese. “Nessun perduto amore” diventa per me con queste immagini una cartolina mai spedita, una fotografia vecchia ma ancora cangiante di un mondo sopravvissuto o piuttosto di un mondo sognato, popolato da un’umanità dolente, assente eppur vitalissima. Dàimōn è una collezione di canzoni che racconta – ricollegandosi al mito di Er raccontato da Platone ne “La Repubblica” - la ricerca di un destino individuale e del disegno/immagine che a esso soggiace. Ma è anche il racconto della lotta e del contrasto che può nascere con questo dèmone/angelo, il "compagno segreto" che accompagna il nostro cammino. La produzione artistica e gli arrangiamenti dell’album sono stati curati da Hugo Race, quest’ultimi in collaborazione con Nicola Baronti. Max Larocca racconta in 10 canzoni intime che attingono al dark blues, alla musica da film e alla canzone d'autore un viaggio al termine della "notte dell'anima", per dirla con Giovanni della Croce. Un cammino personale che diventa cammino collettivo.
____________________________________________________________________________________
GORIZIA
Traindeville e Max Manfredi, 2024
Videoclip realizzato da Todomodo
Prodotto da Traindeville e Todomodo
“Le canzoni si nutrono del sangue della Storia. La Storia si nutre del sangue degli uomini. Gli uomini si nutrono del sangue delle canzoni. Questa canzone, si dice che i fanti che erano sorpresi a cantarla durante la prima guerra mondiale venivano passati per le armi. Questa canzone causò una rissa al Festival di Spoleto negli anni sessanta. Questa canzone continua ad essere cantata, a piacere e a piacerci. E continua a dispiacere a qualcuno”, così il cantautore genovese Max Manfredi a proposito di “Gorizia”, celebre canzone della tradizione anarchica e antimilitarista che la band romana Traindeville ha reinterpretato con lui in un intenso videoclip, girato in un bianco e nero spettrale dalle sapienti cineprese del collettivo Todomodo, documentaristi da sempre impegnati nel campo della Memoria. In un momento storico in cui parlare di pace o anche solo di cessate il fuoco sembra un'eresia rispetto alla narrazione dominante, il duo di Ludovica Valori e Paolo Camerini, già in sintonia con Manfredi dopo vari incontri artistici – tra cui quello dell'estate 2023 a Frosolone (Isernia) per l'apprezzata rassegna musicale e culturale Rocciamorgia – ha deciso di cimentarsi con un brano che rimane ancora spiazzante nella sua potenza, nella sua disperazione, nella pretesa utopica di dire no alla violenza e alla guerra, che sia essa per uno straccio di bandiera o per la conquista di un fazzoletto di terra. I musicisti – Ludovica Valori al pianoforte, fisarmonica, voce e trombone, Paolo Camerini al contrabbasso e all'elettronica, assieme a Fabio Gammone alla chitarra – camminano così con Max Manfredi in un Mausoleo dedicato ai caduti della Prima Guerra Mondiale e sulle assi del palco di un piccolo teatro indipendente. Artisti dallo sguardo vero, sempre in viaggio sul sentiero della consapevolezza, ci esortano a credere ancora in un mondo libero dalla violenza e dagli autoritarismi. Scrive “Canzoni contro la guerra”: La versione originale venne raccolta da Cesare Bermani, a Novara, da un testimone che affermò di averla ascoltata dai fanti che conquistarono Gorizia il 10 agosto 1916. “Le strofe di questo canto sono spesso inestricabilmente connesse con quelle di Addio padre e madre addio, che a volte ricorrono del resto già in fogli volanti del tempo della guerra italo-turca. […] Secondo Oreste Ronfani la canzone – che si diceva fosse stata scritta da un sardo – venne cantata clandestinamente, sebbene un ordine del giorno del comando supremo la proibisse pena la fucilazione”. Da C. Bermani, “Guerra guerra ai palazzi e alle chiese”, ed.Odradek, p.311. 1964: scandalo nazionale al "Festival dei due mondi" di Spoleto. Nel 1964 venne presentata al Festival dei Due Mondi di Spoleto dal Nuovo Canzoniere Italiano nello spettacolo "Bella ciao", suscitando l'ira dei benpensanti. Quando Michele L. Straniero e Fausto Amodei iniziarono a cantare "Gorizia" avvennero incidenti in sala; la destra cercò di impedire le rappresentazioni; Straniero, Leydi, Crivelli e Bosio furono denunciati per vilipendio delle forze armate.
_____________________________________________________________________________________
COANDA, arriva il nuovo singolo “IMMAGINARE UN AMORE”
TARANTO come metafora di un amore sofferto e del bisogno di trasformazione per non lasciarsi vincere dal disincanto e dalla rassegnazione
IL BRANO ANTICIPA L’USCITA DEL PRIMO ALBUM “LE VITE ALTROVE”
Esce accompagnato da una graphic novel realizzata dal fumettista Leocifero, scritta e diretta dal giornalista Stefano Maria Bianchi
È una dichiarazione d’amore a Taranto e ai suoi abitanti. È la fine delle illusioni, il conflitto con una terra che tradisce i sogni. Si intitola IMMAGINARE UN AMORE ed è il nuovo brano di COANDA (Marcello Colaninno, chitarra e voce, Toni Dedda, arrangiamenti e tastiere, coi i testi di Cosimo Lamanna) formazione che ha scelto il suo nome rifacendosi ad un noto effetto della fisica, in base al quale i fluidi a contatto con una superficie curva tendono a seguirne il profilo; “così la musica aderisce alla superficie della parola scritta, dando vita a una sintesi originale e interessante”. Il nuovo brano di COANDA prende vita da una poesia di Mara Venuto e annuncia l’uscita del primo album della formazione, LE VITE ALTROVE, che vedrà la luce a metà marzo. IMMAGINARE UN AMORE più che un singolo è un vero e proprio manifesto di intenti del gruppo, che si avvale di numerose collaborazioni per definire, anche in altri ambiti artistici, il proprio universo poetico. Il brano esce, infatti, accompagnato da una graphic novel realizzata dal fumettista Leocifero (che firma anche la copertina), membro del collettivo Tarazine, che negli anni ha utilizzando il medium dell’editoria indipendente per raccogliere il fermento del sottobosco artistico controculturale tarantino, su sceneggiatura del giornalista Stefano Maria Bianchi, due riconoscimenti nell’ambito del Premio Ilaria Alpi (Menzione Speciale nel 2002, Premio per servizi e inchieste no tg nel 2004) e autore, tra le altre cose, del documentario d’inchiesta “Ilva. A denti stretti”.
_____________________________________________________________________________________
È online il video di “Adio Querida” de La Cantiga de la Serena, brano la cui melodia riprende il tema della Traviata di Giuseppe Verdi per un omaggio a Maria Callas
È “Adio querida” il nuovo singolo de La Cantiga de la Serena estratto dall’album La Novia: una struggente romanza la cui melodia riprende il tema della Traviata di Giuseppe Verdi per un omaggio a Maria Callas. Prodotto dall'etichetta discografica Zero Nove Nove e diretto da Giuseppe Rutigliano, il video dell’ensemble formato da Giorgia Santoro, Fabrizio Piepoli e Adolfo La Volpe, è stato girato a Monteruga, villaggio disabitato nel cuore del Salento. "Adio Querida" è il nuovo singolo estratto da “La Novia”, quarto album del trio pugliese La Cantiga de la Serena che dal 2008 si dedica al recupero e alla rielaborazione della musica antica e tradizionale del bacino del Mediterraneo. Dopo “La Serena” (2016), “La Fortuna” (2019) e “La Mar” (2021), il nuovo progetto rappresenta l’ennesimo frutto di questo continuo lavoro di ricerca ed esplorazione portato avanti dal trio per riproporre, in una chiave nuova e personale, un repertorio che promuove il dialogo musicale e culturale tra Occidente e Oriente. La sempre presente tradizione sefardita – espressione della cultura e delle tradizioni degli ebrei spagnoli – dialoga con canti, romanze e tarantelle appartenenti a culture ed epoche differenti, proponendo un equilibrio inedito tra innovazione e tradizione. Le radici pugliesi rappresentano il braccio di un compasso fisso al centro, che consente all’altro di tracciare una circonferenza immaginaria che idealmente racchiude tutto il bacino del Mediterraneo. Con queste premesse, il titolo scelto (La Novia, La Sposa) richiama un’immagine dal forte valore archetipico, in modo speciale nelle culture tradizionali del Mediterraneo, un simbolo dalle molte implicazioni mistiche, esoteriche e filosofiche, ma che al tempo stesso conserva nella modernità il forte impatto evocativo della promessa d’amore. Unire in matrimoni simbolici canti, lingue, storie e tradizioni diverse, dando vita a creature nuove, differenti dalle matrici che le hanno generate, è il fulcro concettuale sul quale si innesta la ricerca musicale dell’ensemble. Negli undici brani – cantati in ladino, arabo, italiano e in vari dialetti del Sud Italia - il trio è affiancato da Nabil Bey Salameh, voce dei Radiodervish, dalle Faraualla, quartetto femminile pugliese che esegue un repertorio di polifonie vocali a cappella, dal trio L’Escargot, dal violinista Francesco D’Orazio e dal percussionista e tamburellista Roberto Chiga. Il cd, come detto, ospita alcuni brani della tradizione sefardita: “A la una yo naci”, che apre il lavoro, “La Novia”, pezzo dall’incedere incalzante e ipnotico che include strofe di un canto salentino, “Arvolicos d'almendra”, composizione dal carattere gioioso nella quale il testo in ladino si sposa perfettamente con quello in griko, antico dialetto di origine greca che ancora si tramanda nella Grecìa Salentina. “La Tarantella”, scritta nel 1693 da Cristofaro Caresana con un testo in italiano, è un chiaro esempio di incontro tra musica scritta e musica tradizionale. Dalla Puglia arrivano la “Tarantella di San Michele” e "Vorrei Volare", un omaggio a Uccio Aloisi, storico cantore della musica popolare salentina. Completano la tracklist “Almaya” e “Ya Mariam el bikr”, due brani provenienti dal repertorio siriano e libanese, “Longa farahfaza” di Riad Al Sunbati, una delle icone della musica egiziana del ventesimo secolo, per concludere con “Si dolce è 'l tormento”, madrigale seicentesco di Claudio Monteverdi. Nelle prossime settimane ripartirà la tournée internazionale dell'ensemble che nei mesi scorsi ha fatto tappa a Izmir e Istanbul in Turchia, Lettonia e Corsica, Evergreen Festival di Torino e Cantieri Teatrali Koreja di Lecce, festival Ad Libitum di Polignano a Mare e Il Cammino Celeste in Salento, e molti altri.
_____________________________________________________________________________________
Il nuovo videoclip di Peppe Voltarelli “Au cinema”
“Au cinema” è il 2° singolo estratto dal disco “La grande corsa verso Lupionópolis” (Visage Music) dell’artista calabrese Peppe Voltarelli che giunge al suo 7° album da solista. Classificatosi 2° al Premio Tenco 2023 come miglior album in dialetto, “Lupionópolis” è stato registrato negli Stati Uniti a New York con una band di incredibili musicisti newyorkesi, prodotto da Simone Giuliani, pianista e arrangiatore italiano basato a Los Angeles già con Bocelli ed Elisa e registrato nel EastSide Sound Studio da Marc Urselli, tre volte Grammy come miglior ingegnere del suono. “Au cinema” è un brano che racconta con poesia e ironia il cinema come bisogno collettivo e spirituale. Da qui l’idea di ricostruire sul set del videoclip una vera e propria scena cinematografica con tante citazioni storiche nei costumi e nelle atmosfere. Nel video musicale, il cantautore, inizialmente spettatore in una vecchia sala cinematografica, sale sul palcoscenico ed entra nella scena con in mano una cinepresa Super 8 per partecipare direttamente al film. Il sogno del cinema torna realtà per la durata del brano che ripete quasi ossessivamente il mantra “e ire mo au cinema” (devo andare adesso al cinema). Il videoclip, diretto da Lele Nucera, realizzato con gli attori e le maestranze della Scuola Cinematografica della Calabria di Siderno e patrocinato dalla Calabria Film Commission, è un ulteriore tassello che unisce gli artisti calabresi nel nome del cinema e dell’arte da vivere, da produrre, da inventare e da esportare.
Il videoclip di “Au cinema” è ora disponibile su YouTube.
_____________________________________________________________________________________
C’MON TIGRE
ESCE OGGI IL NUOVO VIDEOCLIP DEL BRANO
“SENTO UN MORSO DOLCE” FEAT. GIOVANNI TRUPPI
CONTENUTO NELL’ALBUM “HABITAT”
(Etichetta: Intersuoni / Distribuzione digitale: Believe)
Esce oggi martedì 30 gennaio il nuovo videoclip di “Sento un morso dolce” dei C’MON TIGRE, brano impreziosito dalla presenza di Giovanni Truppi e contenuto nell’ultimo album “Habitat”, uscito lo scorso 24 novembre.
Considerati come uno dei progetti più interessanti del panorama alternativo italiano, negli anni i C’mon Tigre hanno saputo ampliare il proprio immaginario anche nell’ambito dell’arte visuale lavorando insieme ad autori e artisti come Paolo Pellegrin, Gianluigi Toccafondo, Harri Peccinotti, Boogie, Jules Guerin, Ericailcane, Maurizio Anzeri, Danijel Žeželj, Marco Molinelli e altri. Con “Sento un morso dolce” la band rinnova la collaborazione con il regista Donato Sansone, già autore del video del brano “Twist into any shape” (vincitore del Best Music Video al LIAF London International Animation Festival 2022), trascinando lo spettatore in un flusso di coscienza dove la ripetizione è l’unica chiave di lettura, un viaggio nell’inconscio guidato solo dall’elettronica rumorosa degli arrangiamenti e dalla voce di Giovanni Truppi.
A proposito del videoclip Donato Sansone dichiara: È stato un lavoro che mi ha divertito molto e che mi ha portato a risentire delle cose che non sentivo da un po’. il pezzo, straordinariamente bello e visivo, mi ha accompagnato durante questo piccolo viaggio immaginifico dove sull'onda dei versi recitati schizzavo e disegnavo molto rapidamente le immagini evocate. È stato un approccio giocoso quello della realizzazione del video, che mi ha fatto ritornare bambino e ha rinnovato in me il gusto della creatività libera. Il video traduce visivamente il panorama musicale complesso e colorato del nuovo album “Habitat”, un pellegrinaggio alla scoperta di un ecosistema in cui tutte le forme di vita animali e vegetali prosperano e convivono: dall’afrobeat di “The Botanist” feat. Seun Kuti, erede di Fela Kuti, alla voce di Xênia França sul brano “Teen Age Kingdom”, passando per una figura di spicco della musica sperimentale internazionale come Arto Lindsay. Apprezzato dalla critica specializzata per la capacità di sfidare l’appartenenza a un genere specifico attraverso un sound sperimentale e dal respiro internazionale, l’album è stato inserito nelle classifiche dei migliori dischi del 2023 dei principali magazine come Rolling Stone, Panorama, Sentireascoltare, Wired, Rockit, GDM, Rock Nation, Le Rane, Exibart, Indie for bunnies e molti altri.
____________________________________________________________________________________
"La Furtuna" è il singolo che anticipa ONDE, il nuovo album di Maria Mazzotta: un messaggio di accoglienza, condivisione e umanità
Si intitola “La Furtuna” il nuovo singolo di Maria Mazzotta disponibile da venerdì 26 gennaio sui digital stores, brano che apre l’album “Onde” e con il quale, in trio con Cristiano Della Monica e Ernesto Nobili, la cantante si dichiara nel sound e nel messaggio. Un arrangiamento intriso di rock psichedelico per un canto della tradizione salentina che in questa esecuzione ricorda l’avanzata dell’onda, che cresce fino a divenire tempesta. Primo estratto dal nuovo album “Onde” in uscita il prossimo 23 febbraio per l’etichetta discografica Zero Nove Nove (distribuzione fisica Self e digitale Believe), Maria Mazzotta per la prima volta nel suo percorso di carriera ventennale sceglie di esprimere la forza vitale e schietta della tradizione contadina attraverso strumenti contemporanei e dal sapore suburbano. Il singolo è completato dalla pubblicazione del videoclip scritto e diretto da Balto e disponibile sul canale Youtube della cantante. Il racconto dell’incontro con “la fortuna”, figura lucente e disperata che in mare aperto piange così forte da far piangere tutti i pesci, versa le sue lacrime per i torti e le ingiustizie subite da chi lo attraversa ed affronta le onde in cerca di fortuna e trova invece la sua tomba. Il mare diventa un cimitero, con barconi che affondano ed altre navi che non posso attraccare nei porti. Ormai abituati e quasi assuefatti da queste macabre notizie di attualità, questo brano grida ad alta voce un messaggio di accoglienza, condivisione e soprattutto umanità. Sentimenti forti e profondi che hanno portato Maria Mazzotta e la Zero Nove Nove a realizzare una collaborazione con Arci Solidarietà Lecce Soc. Coop. per la produzione del merchandising ufficiale della tournée internazionale che partirà l’8 febbraio da Malmö in Svezia per poi proseguire in Danimarca, Germania, Austria, Portogallo e molti altri Paesi europei. La ricerca di fortuna affrontando il mare si traduce in luminarie a forma di barche e onde prodotte dai giovani partecipanti al progetto SAI della sede Arci di Patù. Dal 2020, anno che ha segnato il suo esordio solista con la pubblicazione dell’album “Amoreamaro", non si è mai fermata e ha macinato migliaia di chilometri esibendosi in oltre 200 concerti in più di 25 Paesi tra Europa, America Latina e Asia. Da questo viaggiare deriva la consapevolezza di potersi spingere verso l’espressione vera del proprio vivere la musica popolare, con coraggio e libertà, quelli di una donna che viaggia tra le grandi capitali europee come Parigi e Barcellona fino alle grandi metropoli mondiali come Jakarta e Bogotà portando sempre se stessa sul palco, accompagnata tanto dalle sue fragilità quanto dalla propria forza. “Onde” è un racconto sul continuo mutamento, in cui il mare risuona ovunque, come un dolce movimento che può cullare prima di trasformarsi in onda anomala e distruggere, facendo tabula rasa. Custodisce al proprio interno numerose metafore e molteplici stati d’animo che come le onde marine possono assumere mille forme. Mentre tutta l’acqua si muove cambiando forma e potenza, ogni canto si lascia attraversare dai suoni dentro un mare di frequenze in cui le percussioni di Cristiano della Monica e le chitarre di Ernesto Nobili garantiscono la navigazione al canto di Maria Mazzotta. La voce prende il largo, si lascia scagliare lontano e poi affondare, prima di tornare in superficie e, finalmente, riposare. Per i tre musicisti che, da Lecce e Napoli, hanno da sempre il mare nella mente e negli occhi, questo disco racconta il movimento del mare, dal tormento che comporta navigarlo al sollievo che regala, alla fine, ogni approdo. Le onde elettromagnetiche, che rappresentano l’elettricità del trio, propagano il suono e l’energia emotiva. In fisica l’onda trasmette energia senza spostare materia, immagine che rispecchia quanto accade dal vivo tra Maria e il suo pubblico, quando la sua voce può graffiare la pelle o donare una delicata carezza al cuore. Il nuovo sound, intriso della potenza espressiva della chitarra elettrica di Ernesto Nobili con la sua personale ricerca effettistica, e delle percussioni customizzate di Cristiano Della Monica, contiene e porta con sé le tracce delle metropoli urbane pur conservando le radici profonde e ben salde della tradizione del Sud Italia. La sua interpretazione profonda e penetrante è per lo spettatore un’esperienza rara e preziosa e ha reso Maria Mazzotta una delle voci più intense del panorama della world music europea: “Onde” è uno spettacolo da vivere in pieno lasciandosi accompagnare e guidare da un’interprete unica.
_____________________________________________________________________________________
Online da oggi il video di Ritals di Gianmaria Testa nella rivisitazione per organetto preparato di Alessandro D’Alessandro con Sonia Bergamasco e Neri Marcoré
Una versione “recitata e teatralizzata” della canzone per ricordare a tutti che emigranti siamo stati anche noi
Online, da oggi, il video di Ritals di Gianmaria Testa nella rivisitazione per organetto realizzata da Alessandro D’Alessandro con la partecipazione straordinaria di Sonia Bergamasco e Neri Marcoré.
Una versione “recitata e teatralizzata” che accentua il pathos poetico e malinconico del brano, mentre le ombre disegnate da Silvio Gioia nel video realizzato da Roberto Mazzarelli ne pone in risalto la grande attualità intrecciando viaggi e storie di italiani a analoghe traversie di altri emigranti, allo stesso modo, sia pure in tempi diversi, obbligati a cercare una possibilità di futuro lontani dalla propria terra.
Ritals è un termine dell'argot francese con il quale si indicavano, con una connotazione negativa, gli italiani immigrati in Francia e Belgio a partire dagli Anni Trenta. Gianmaria Testa, originario di Cuneo e quindi molto vicino al confine francese, ha così voluto intitolare una delle sue canzoni più struggenti per ricordare a una nazione attraversata periodicamente da impulsi razzistici e xenofobi quale era stato il destino degli italiani, anche loro un tempo alle prese con “l'odore delle stive/ l'amaro del partire” e “una lingua da disimparare/ e un'altra da imparare in fretta”. La canzone è stata poi ripresa da Alessandro D’Alessandro nel suo disco d’esordio come solista, Canzoni per organetto & elettronica, concepito come una sorta di omaggio alla grande canzone d’autore nazionale e internazionale, con un’accorta selezione di brani che si configurano come autentici tributi ad autori ai quali si è legati da affinità elettive: “un omaggio anche alle canzoni della mia infanzia” ha dichiarato il musicista laziale “a quelle magie impastate di parole e suoni che ascoltavo alla radio e che sognavo per l'appunto di rifare con l'organetto, che già suonavo da piccolo”. Musicista unanimemente apprezzato per quanto riesce ad esprimere con il suo “organetto preparato”, per il suo esordio da solista D’Alessandro ha deciso così di misurarsi, in solo¸ con classici della canzone nazionale e internazionale, volgendo il soffio del suo mantice verso una pluralità di mondi artistici, con esiti di grande fascinazione accentuata dalle voci di altri interpreti come Elio, Sergio Cammariere, David Riondino e Joan Manuel Serrat. Pubblicato nel 2021 da Squilibri, il CD ha avuto grandi riscontri di pubblico e di critica, vincendo il Premio Loano come miglior disco dell’anno e, con il brano d’apertura, arrivando secondo nelle Targhe Tenco come migliore canzone. Il video di Ritals si aggiunge agli altri già pubblicati al fine di evidenziare anche la connotazione multimediale dell'album, pubblicato con i disegni del compianto Sergio Staino. Oltre che con i concerti, il musicista di Coreno Ausonio è ora impegnato in diversi progetti, tra i quali, in solo, Visionaria, tra i rapporti tra cinema, immagini oniriche e musica, presentato in anteprima al Festival Internazionale del Cinema Laceno d’oro, e il suo nuovo progetto discografico in cui proseguirà lo scavo nel corpo della canzone d'autore assieme a un'interprete d’eccezione come Petra Magoni: il disco uscirà in primavera per l'editore Squilibri.
____________________________________________________________________________________
NDOX ELECTRIQUE
Adorcist & Post-Industrial Ritual
Devils, Possession & Transe
Senegal
First video extract from the ritual at Trans-Musicales festival in Rennes (F) last month: Ngor Diouf Ya Demon (Just two minutes for the impatients is here).
The Ndox Electrique (electric water, in wolof) will be back touring the World from May to December 2024.
The NDOX ELECTRIQUE is a possession ritual from the Senegalese n'döep ceremonies. Wild, dark and solar, feminine and powerful, calling the spirits to challenge the modern world with incantations, dances and ancestral percussions, electric guitars and computers. On stage, healing mistresses & musicians make a pact with the demons: it will take much more than good intentions but sweat and enormous volume to achieve emancipation & deliverance. It’s extremely strong, the women dominate and people will only have respite when all their demons will be satisfied. It’s coming from the deep, obscure & primordial Senegal and the album « Tëdd ak Mame Coumba Lamba ak Mame Coumba Mbang » (lying between Mame Coumba Lamba and Mame Coumba Mbang, the female geniuses of a tiny part of a huge continent) by Bongo Joe Records (BJR 089).
____________________________________________________________________________________
Manu Napolitano & Ana Costa
Escono oggi il nuovo video e il singolo Nesse Farol
Chiudi gli occhi e immagina il mare. Il rumore delle onde. Il ricordo di una passione che ancora vibra, e illumina i sensi come il soffio dei forti venti marini, e sul molo, il battito del cuore è all'unisono con la luce intermittente del faro. In bocca, il sapore del miele e nell'aria l’odore salmastro delle onde, ingredienti della passione. Ecco il miracolo di due persone che si amano. Questo è Nesse Farol. Esce oggi Nesse Farol, il nuovo video della compositrice italo venezuelana residente a Bologna Manu Napolitano, con la cantante brasiliana Ana Costa. È fuori su tutte le piattaforme digitali e in rotazione radiofonica anche il singolo. Nesse Farol sarà incluso nel nuovo EP di Manu e dimostra che la musica è un linguaggio universale. La cantante e chitarrista Manu Napolitano colma il divario tra Paesi unendosi al talento della brasiliana Ana Costa nelle nuove uscite musicali, registrate a Rio de Janeiro. Dopo l’uscita del singolo precedente Perdida no Tempo, appare la poetica e coinvolgente Nesse Farol, una canzone sul potere dell’amore e della sua luce. La canzone è stata presentata in anteprima dal vivo durante il recente tour in Italia di Ana Costa, dove ha cantato la canzone accompagnata da Manu Napolitano alla chitarra e alla voce. La collaborazione è nata nella registrazione all’Estúdio Lontra Music, a Rio de Janeiro, con la produzione di Ana. Alla registrazione hanno partecipato nomi di spicco come Maíra Freitas, Marfa Kurakina, Geiza Carvalho e la stessa Manu Napolitano alla chitarra classica. La canzone evidenzia una melodia quasi lirica, con la chitarra che evoca l’oscillazione delle onde di un faro. Alla fine, la canzone si trasforma in una samba travolgente, esprimendo l’esplosione di gioia e felicità. La versione spagnola, Farol, ha commosso le Madres argentine di Plaza de Mayo ed è stata rappresentata in occasione di eventi importanti, come la presentazione del Premio Internazionale per i Diritti Umani nel 2006 in Italia. Queste questioni umanitarie fanno parte della vita e del lavoro di Manu, etnomusicologa ed esperta chitarrista, il cui viaggio musicale l’ha portata a esplorare una varietà di generi e culture in tutto il mondo. Dalle sue esperienze con gli indigeni Shuar dell'Amazzonia alle sue collaborazioni musicali in Europa e Cina, Manu è un’artista la cui passione per la musica trascende i confini e connette persone provenienti da contesti diversi.
____________________________________________________________________________________
RENANERA
PULCINELLA BELLA
le maschere e il carnevale calabrese di Alessandria del Carretto raccontati dai Renanera con Mimmo Epifani
Il nuovo singolo dei Renanera si intitola “Pulcinella bella” ed è un brano che si ispira alla maschera carnevalesca di Alessandria del Carretto, un paesino di 355 abitanti in provincia di Cosenza. È una canzone molto coinvolgente, infatti è una sorta di pizzica upbeat in salsa Renanera, ma la grande sorpresa è l’artista con cui hanno scelto di collaborare Unaderosa e Antonio Deodati. Si tratta del maestro Mimmo Epifani, pugliese di San Vito Dei Normanni, che è considerato dalla critica uno dei migliori musicisti e conoscitori di musica etnica a livello internazionale per le innovazioni tecniche di improvvisazione applicate al suo strumento, il mandolino, oltre che per la tecnica della “mandola del barbiere”. L’incontro tra i Renanera e Mimmo Epifani è avvenuto a settembre 2023, quando hanno condiviso il palco di un concerto esibendosi nei rispettivi spettacoli dal vivo. Si sono piaciuti! “Pulcinella bella” era stata già scritta dai Renanera e il maestro Epifani l’ha apprezzata molto, così ha impreziosito il brano con il suo mandolino e le sue inconfondibili filastrocche mantriche. Completa il progetto un divertente videoclip sul canale ufficiale YouTube dei Renanera con i burattini dei personaggi raccontati nella canzone. Gli stessi sono stati realizzati da Unaderosa: “Pulcinella bella” e i suoi antagonisti (Pulcinella laida, l’Orso della caverna) interagiscono e ballano con Mimmo Epifani e Unaderosa stessa in un ecosostenibile teatrino interamente realizzato con carta riciclata dagli stessi Renanera. Oltre a Mimmo Epifani, Unaderosa e Antonio Deodati (Renanera), hanno partecipato alle registrazioni Alberto Oriolo (violino) e Marilena Gragnaniello (cori). La lunga carriera musicale di Mimmo Epifani comprende collaborazioni con grandi artisti come Roberto de Simone, Massimo Ranieri, Eugenio Bennato, con il quale fonda il movimento Taranta Power e poi Antonio Infantino, Caterina Bueno, Matteo Salvatore, Ambrogino Sparagna, Avion Travel, Peppe Servillo, Pietra Montecorvino, José Barros, Danilo Rea, Rita Marcotulli, Fabrizio Bosso, Roberto Gatto, Furio Di Castri, Xavier Girotto e Fausto Mesolella, con i quali ha curato gli arrangiamenti di alcune sue numerose registrazioni. È stato uno dei protagonisti della Notte della Taranta, ha musicato molti lungometraggi e partecipato a produzioni cinematografiche come attore. I Renanera, nella loro discografia, hanno collaborato con Vittorio De Scalzi (New Trolls), Lino Vairetti (Osanna), Michele Placido, Pietra Montecorvino, Eugenio Bennato, Andrea Satta (Tête de Bois), Ciccio Merolla, Savino Zaba, Antonio Maggio, Marcello Coleman, Pasquale Laino, Alessandro D'Alessandro e tanti altri noti musicisti; tra i riconoscimenti da menzionare, i Renanera hanno vinto la quinta edizione del Premio Musica Contro Le Mafie e il Premio della Critica del Premio Mia Martini per la sezione Etno Song e un riconoscimento di Eccellenze Italiane dell’associazione Ager Mea consegnato alla Camera del Senato. Molte le partecipazioni in trasmissioni e spettacoli su tutti i canali RAI. Le loro musiche sono state inserite in lungometraggi e documentari di produzione italiana ed internazionale. “Pulcinella bella” è su tutte le piattaforme di streaming, su etichetta T.S.A. Total Sounding Area.
_____________________________________________________________________________________
SUONNO D'AJERE
La riproposizione di un brano minore della canzone macchiettistica napoletana
La canzone macchiettistica, corpus fondamentale nella produzione canora partenopea, fa parte del Dna musicale del gruppo.
Il nuovo singolo dei Suonno D’Ajere è disponibile sulle piattaforme digitali in Pre-Save
Il trio presenterà il brano in un release concert il 21 gennaio presso l’Auditorium Novecento di Napoli.
Dopo la pubblicazione del singolo “Fotografia” (guarda il video) e un tour mondiale di oltre 20 tappe i Suonno D’Ajere tornano con il nuovo singolo dal titolo " ‘E ggioche ‘e prestiggio “ disponibile dal 22 gennaio sulle piattaforme digitali. Il brano anticipa il secondo studio album in uscita per Italian World Beat e verrà presentato in anteprima il 21 gennaio presso lo storico Auditorium Novecento di Napoli. Inizio concerto ore 19:00, ingresso al botteghino euro 8. Prevendite qui. .Il secondo album dei Suonno D’ajere, il trio formato da Irene Scarpato (voce), Marcello Smigliante Gentile (mandolino, mandola, mandoloncello, cori) e Gian Marco Libeccio (chitarra classica, chitarra elettrica, chitarra acustica, cori), verra’ pubblicato il 5 aprile in Italia e su tutte le piattaforme digitali, e successivamente in Francia , Germania, Benelux, Regno Unito e Giappone ‘E ggioche ‘e prestiggio è rivisitato dal trio che ha ripreso un brano minore della canzone macchiettistica napoletana scritto nel 1955 dal duo Pisano-Cioffi e interpretato originariamente da Nino Taranto per poi essere ripreso da grandi interpreti del genere come Aldo Tarantino e Vittorio Marsiglia. I tre giovani autori e musicisti hanno un amore smisurato per la forma canzone napoletana classica e da anni compiono un’accurata ricerca di brani degli ultimi tre secoli ripescando dall’immenso repertorio a disposizione le armonie, le melodie il pathos e l’ironia. I Suonno d’Ajere già in passato hanno attinto dall’ampio repertorio napoletano incidendo perle rare della canzone umoristica, come “’A casciaforte” e “’O guappo nnammurato”. Il connubio di autori Pisano - Cioffi è quello più famoso ed importante per questo repertorio : si tratta degli autori delle famosissime “Ciccio formaggio” o “E non sta bene”; I Suonno d’Ajere scelgono di interpretare un brano minore della loro produzione come “‘E ggioche ‘e prestiggio” . L’incisione presa a riferimento è quella di Nino Taranto ed il testo riporta diverse dizioni e storpiature usate dal celebre attore cantante, massimo interprete del repertorio comico canoro partenopeo. L’arrangiamento si arricchisce di elementi rumoristici (putipu’, fischietto, campanellino) volti ad esaltare la comicità del brano. I Suonno d’ Ajere si sono consacrati come i nuovi ambasciatori della canzone naploletana all’estero. Dopo il fortunato tour dell’ estate del 2022 con tappe al Lincoln Center di New York, il SunFest di London (Ontario - Canada) e l’ Eargail Festival di Letterkenny in Irlanda, ricevono ulteriori attestati di stima da parte degli addetti ai lavori dopo l’esibizione al WOMEX di Lisbona (ottobre 2022). Il trio ha proseguito il suo cammino esibendosi in festival quali Bardentreffen (Norimberga), Kulturborse (Friburgo), MUM - Jornadas Internacionales de la Musica de Extremadura - Merida/Spagna). Nel dicembre del 2022 si sono esibiti in occasione di Napoli World, il primo showcase festival italiano interamente dedicato alla world music, e grazie a questa performance hanno suscitato l’interesse degli oltre trenta delegati di festival internazionali: Nell’estate 2023 i Suonno D’ ajere si sono infatti esibiti in Slovenia, Germania (Festival Stimmen aprendo a Vieux Farka Toure), Belgio (Festival Sfinx Mixed), Giordania, Corea del Sud (Seoul Music Week0, Tunisia (Journees Musicales de Carthage), Capo Verde (Atlantic Music Expo), Spagna, Austria (Jazz & the city Festival di Salisburgo), India (Jodhpur Riff Festival – prima volta per degli artisti italiani al celebre festival patrocinato da Sir Mick Jagger) e al prestigioso Mercat de Musica Viva De Vic con un progetto co-prodotto dal centro Fabra i Coats di Barcellona in collaborazione con lo scrittore e cantautore Alessio Arena. Non sono mancate le esibizioni in Italia con appuntamenti presso il Premio Carosone di Napoli, l'Empoli Jazz Festival (aprendo il concerto di Noa), al Marateatro (Maratea) e al Museo Emblema a Terzigno (Na). Nel marzo del 2024 i Suonno D’ Ajere si esibiranno anche al Babel Music XP di Marsiglia, lo showcase festival di world music più importante di tutta la Francia.
____________________________________________________________________________________
L’ignoranza é figa: Il Parto delle Nuvole Pesanti torna all’attacco con un nuovo videoclip
Un viaggio nel fantomatico mondo di Sdràgana. Con la partecipazione della cantante lirica Francesca Rini
Il Parto delle Nuvole Pesanti apre il 2024 con l’uscita del videoclip de L’ignoranza è figa, una delle tracce più provocatorie dal loro album Sottomondi. Con la regia di Francesco Cordio, Il Parto spalanca la porta sul peggiore dei mali di questo mondo, anzi un sottomondo pieno di ignoranza. Albert Camus diceva che il male viene quasi sempre dall'ignoranza. E qui è il paradosso di una cultura ricca di informazioni ma povera di conoscenza. Di chi è la colpa? E’ dei libri o del somarello? Vai a capirlo… Dietro la camera da presa ritroviamo i nostri amici del Parto: Salvatore De Siena, Amerigo Sirianni, Mimmo Crudo, Antonio Rimedio ed Enzo Ziparo. A cui si aggiunge la voce lirica di Francesca Rini e Giulio Accettella alle marionette. E poi ci sono le volontarie e i volontari delle Cucine Popolari e i bambini, sempre cari al Parto: le alunne e gli alunni della terza media dell’Istituto Comprensivo di Bazzano Monteveglio in Valsamoggia (BO). Senza dimenticare il cameo di Roberto Morgantini, il fondatore delle Cucine Popolari di Bologna, e del cantautore Mirco Menna, già in passato collaboratore del Parto. Lo scenario del videoclip è quello del paese immaginario di Sdràgana animato da un popolo - un vero e proprio (sotto)mondo - di marionette, persone e animali: un luogo in cui i libri si buttano ma anche si mangiano, perché la cultura non solo dà i soldi per mangiare ma è essa stessa nutrimento per l’uomo. Gli abitanti di Sdràgana si chiamano sdraganini (marionette) e sdraganelli (persone): una specie di paese dei Balocchi in cui ruoli e identità dei personaggi si confondono e non si sa più se le persone siano marionette o le marionette persone… per non parlare degli animali chiamati FrisFras tra cui naturalmente primeggia l’asinello.Tutti uniti a ballare la tarantella dell’ignoranza come in una sorta di realismo magico in cui i confini tra realtà e fantasia si perdono. A differenza di quanto succedeva in Fahrenheit 451, a Sdràgana non è vietato leggere ma sono gli stessi abitanti che rifiutano i libri: “Butta questi libri e facciamoci un bel vocalizzo che i libri fanno male alla salute”. Gli Sdraganini liberandosi dal peso dei libri sono felici, ballano e festeggiano finalmente convinti di avere capito il mondo. Gli abitanti di Sdràgana sono inebriati dal tintinnìo dei calici della facile conoscenza, alimentata dalle superficiali e a volte ingannevoli informazioni di internet che si manifesta con atteggiamenti da profondi conoscitori di ogni cosa, senza aver letto, approfondito, verificato, capito … Il “coro degli ignoranti”, come un moderno coro di baccanti, accompagnato da un vorticoso e mantrico ritmo di tamburi e grancasse, suoni di fisarmoniche, fiati e versi animali, continua a ripetere “aeiou ciuccio bestia che sei tu” come nelle filastrocche del gioco che si faceva a scuola da bambini quando si voleva prendere in giro il ciucciarello della classe…
Dopo aver vinto i Premi della Critica e Miglior Testo all’Edizione 2023 del Premio Andrea Parodi
Andrea Andrillo già in radio con “Canto per te che vai”
il nuovo singolo inedito tratto dall’album “Bella Cantendi”
già disponibile in digitale e in CD
Già arriva in radio “Canto per te che vai”, il nuovo singolo inedito di Andrea Andrillo tratto dall’album “Bella Cantendi” (Radici Music Records), già disponibile in digitale e CD. Fuori anche il video. “Canto per te che vai” è il canto ostinato di un amore che non intende finire al finire del tempo. Chiude l’album senza chiuderlo, aggirando, anzi, l’ostacolo, il confine che pure ha dovuto accettare: “ecco il limite, la canzone che non puoi cantare...” Ritroveremo l’eco di questo ultimo canto in quella preghiera che nasce nel buio proprio quando tutto sembrava finire. Per accorgersi di questo, basterà far ricominciare il disco, in loop. Perché la morte scompaia, perché “morti non siat”, nella luce delle lanterne, “canto per te, canto per te che vai”. Il brano è contenuto in “Bella Cantendi”, questa la tracklist dell’album: "Sa noti de is Animas" (brano con cui ha vinto il Premio della Critica e il Premio per il miglior testo all’edizione 2023 del Premio Andrea Parodi) "Bella Cantendi", "Parlami d'amore" (presente solo nel formato CD), "My Body is a Cage", "Forse sognare", "Morning", “Tutto tramonta" e "Canto per te che vai". « Il tema trattato nel brano “Canto per te che vai” è molto delicato: trovarsi sul filo di un limite che divide irrimediabilmente due persone che si amano, ma decidere comunque di non arrendersi e di mandare un potente messaggio d’amore al di là di quello stesso limite. Per cercare di rendere questo tema visivamente - racconta il regista del video Federico Branca - abbiamo chiesto alla pittrice e modella Viola Vistosu di aiutarci con il suo talento e le sue indubbie capacità attoriali. L’idea era di evocare ed infine esorcizzare un’assenza dolorosa tramite la pittura, fino a restituire alla luce del quotidiano il ricordo che poco alla volta prende forma sulla tela, alleviato, privo di amarezza. Noi speriamo di esserci riusciti.»
Andrea Andrillo, musicista e cantautore, ritiene che il suo percorso artistico abbia avuto inizio nel Natale del 2015 con un concerto acustico nel Nuraghe Santa Barbara di Villanova Truschedu, in Sardegna. Tuttavia, le radici della sua carriera risalgono a prima del 2015, quando faceva parte del gruppo di poesia "mobile" Matitate, portando poesia e musica in luoghi insoliti. Il suo primo album, "Atlantide prima della pioggia" (2015), è autoprodotto e segna l'inizio di una serie di concerti. La svolta arriva grazie a Gianni Maroccolo, che lo mette in contatto con l'etichetta Radici Music Records con cui pubblica due album, "Uomini, bestie ed eroi" (2018) e "Elusive - A Soundtrack to Mark's Diary" (2019), entrando con quest'ultimo nelle classifiche iTunes dei cantautori in Canada. Oltre alla sua carriera musicale, per il teatro, compone musiche per commedie di successo. Ha anche lavorato con il regista Giovanni Coda per colonne sonore di cortometraggi e lungometraggi, come "Mark's Diary" e "La sposa nel vento" che di recente ha vinto il Premio Best Soundtrack al New York Film Festival 2023. Nel novembre 2020, pubblica il libro-disco "Pròlagus, canzoni per resistere, per non morire", in collaborazione con esperti e studiosi sardi. Nel 2021, l'opera vince il Premio Cervo come uno dei migliori album del 2020. Il suo album "Bella Cantendi", rilasciato il 30 maggio 2023, con il singolo "My Body is a Cage" che vede il featuring di Carmelo Pipitone, contiene anche il brano "Sa noti de is Animas" che gli vale il Premio della Critica e il Premio per il miglior testo all’edizione 2023 del Premio Andrea Parodi.
_____________________________________________________________________________________
Arthuan Rebis, musica da sogno di mezz’inverno
Eterea Edizioni è lieta di presentare il nuovo doppio singolo di Arthuan Rebis
Engalos Yule
In occasione del Solstizio d’inverno 2023, sono in uscita 2 nuovi brani del compositore e polistrumentista Arthuan Rebis, i cui strumenti più rappresentativi sono l’arpa celtica, la nyckelharpa e la gaita. “Engalos” è una canzone che lo stesso Arthuan ha scritto in Sindarin, una delle lingue elfiche create da J.R.R. Tolkien, e chiude idealmente l’anno delle celebrazioni per il 50esimo anniversario della morte dello scrittore inglese. Non è la prima volta che la creatività del musicista incontra quella del professore di Oxford. Nel 2021 aveva musicato e cantato “Elbereth” (album Sacred Woods) una delle più note poesie degli Elfi, un inno alla Regina delle Stelle che compare nella Compagnia degli Anelli. “Engalos”, che signifca “Di nuovo luce”, è un canto meditativo che celebra il lento ritorno della luce proprio nel cuore dell’inverno, quando il solstizio segna il giorno più buio e allo stesso tempo la soglia verso una nuova luminosa stagione. Il Tempo è un tema ricorrente in tutta l’opera di Arthuan Rebis, musicale e narrativa, così come l’Altrove e la capacità di percepirlo. E le sue doti di sensibilità e creatività aprono una porta anche al suo pubblico. “Engalos” era stato eseguito già dal vivo ma questa è la prima registrazione e divulgazione sulle piattaforme musicali.
Arthuan Rebis è stato ospite a Sarzana, Tolkien Studies Day, 2022 e 2023 “Yule” prende il nome proprio dalla festa del solstizio d’inverno presso le popolazioni dell’Europa settentrionale. Il brano inizia con un ritmo incantatorio e un canto quasi ipnotico. Poi la musica continua sprigionando energia, potenza e vigore, sempre attraverso gli strumenti tipici di Arthuan Rebis, compresa la sua voce, ai quali si aggiungono le percussioni di Nicola Caleo. Arthuan Rebis ha posto sempre molta attenzione al passaggio delle stagioni, alla loro celebrazione quindi al loro significato culturale e simbolico, ad esempio nel brano “Samonios” (dall’album “Canti di Helughèa”, 2023) o all’intero album “La Primavera del Piccolo Popolo” (2020).
“Runes in the Snow”
Lo scorso 5 dicembre è uscito “Runes in the Snow”, un canto altamente evocativo, una musica limpida e cristallina che emerge dall’atmosfera ovattata di un bosco innevato, dove i suoni sono essenziali, intagliati nell’aria tersa. Il brano è stato composto da Warg (Edoardo Alessio) e Arthuan Rebis, che lo ha arrangiato e che suona l’arpa celtica, la nyckelharpa e canta.