A partire dagli anni Duemila hai pubblicato una serie di album dal vivo come "Blue Rain - Live", "The Cologne Concert" in trio con tua moglie Inge e Michele Gazich al violino, ma anche il magnifico triplo album "Woodstock Under the Stars" in cui hai raccolto brani dal 1991 al 2011. Come si è evoluto il suo approccio ai concerti nel corso degli anni?
Quando si tratta di fare un concerto, non ci sono piani. Forse una scaletta. Non ci sono programmi, mosse, 
strategie o schemi pre-performance alla Taylor Swift. Né i miei show sono tracciati con un piano preciso, come un concerto di Leonard Cohen. Non lavoriamo mai per ottenere un effetto sul pubblico. La musica stessa, canzone per canzone, ognuna per conto suo, deve guadagnarsi e meritare il rispetto per ottenere ogni volta una reazione positiva da parte del pubblico, canzone per canzone. Le canzoni sono da sole! Per essere più precisi, quando lavoro con i musicisti sul palco o in studio di registrazione non parliamo mai della musica, come per esempio: dare ai musicisti indicazioni per suonare questo o fare quello, neanche su dove entrano gli assolo. Il motivo per cui questi musicisti sono lì, innanzitutto, non è per parlare o discutere di effetti. È perché sanno cosa stanno facendo. E le sorprese musicali che portano in una performance dal vivo o in una registrazione in studio sono i doni e le ricchezze che fanno sì che ne sia valsa la pena. Questo è il modo migliore e più autentico in cui una canzone può essere interpretata. Lasciate gli arrangiamenti alle orchestre da ballo. Tutto dipende dal feeling del momento. Se è un chitarrista, ad esempio, la musica parlerà alle sue dita e le sue dita ascolteranno e poi si muoveranno aggiungendo il dono speciale di cui la canzone ha bisogno. Questo è più simile a un approccio da ensemble jazz che a una band rock o a una performance di musica classica. La spontaneità è la chiave e l'ingrediente più importante. L'elemento sorpresa deve essere sempre presente. E il musicista deve sentirsi libero. E sapere di avere fiducia. È una cosa non detta. Anche se la musica è costruita intorno alle mie canzoni, nulla viene suonato esattamente allo stesso modo due volte in una data serata o performance. In questo modo si libera tutto. Ma tutto inizia con un ritmo. Gli ingredienti musicali cambieranno a seconda dell'umore, dell’ora, del tempo atmosferico... Una volta Miles Davis rifletteva che la musica spaziale potrebbe essere eccezionale. Ma lo spazio non ha gravità. Ci vuole la gravità per dare un ritmo.
Quanto è importante per te il contatto con il pubblico ai concerti?
Beh, naturalmente ti rende sempre felice sentire che il pubblico "capisce" (i testi e la musica) e segue e intraprende il viaggio musicale della serata "con te" durante l'esibizione. E quando reagisce positivamente,
In "Woodstock Under the Stars" ci sono anche alcuni brani della fortunata esperienza in trio con Rick Danko e Jonas Fjeld. Cosa ricorda di quel tour?
Questo trio era speciale a tutti i livelli. Era più di un semplice gruppo di armonia. Al mondo ce ne sono molti. Ma era un gruppo che raccontava storie, le cui canzoni raccontavano storie. In qualche modo, è stata la più degna e felice delle coincidenze, e in altri modi era destino e doveva essere così. Abbiamo avuto alcune potenti e incredibili esperienze armoniche nel nostro trio con Rick Danko e Jonas Fjeld. Con i nostri talenti separati, ognuno di noi ha portato qualcosa sul tavolo. L'accordo tacito era: grandi canzoni, armonie e musica vera. Il trio era sottile, dinamico, ma potente come qualsiasi gruppo rock che calcava un palco. Era anche molto democratico nel condividere le parti vocali. Rick Danko ci ha insegnato questo potere e questo dono grazie alla sua esperienza con The Band. Condividere le parti vocali portava le canzoni da qualche parte. Da Rick ho imparato molto su come suonare in un gruppo. Abbiamo suonato 
davanti a un pubblico entusiasta in Europa, Stati Uniti, Canada e Giappone. Avrei voluto che andasse avanti più a lungo. Ma abbiamo realizzato due album in studio e Bob Dylan ha dichiarato che il nostro primo album del DFA Trio è stato il suo preferito per anni. Abbiamo vinto uno Spellemanns Pris o un Grammy norvegese.
"Foolish like the Flowers" documenta la splendida tournée che hai tenuto in Italia nel 2019 con un'eccellente band che comprendeva Scarlet Rivera al violino e tua moglie Inge. Che ricordi ed emozioni hai di quei giorni sui palchi italiani?
Abbiamo fatto un sacco di grandi spettacoli italiani in quel tour 2019 pre-pandemia. L'esibizione a Pavia per noi è stata solo un altro grande spettacolo. Niente di speciale, a parte l'accensione dei microfoni per la registrazione di quello che sarebbe diventato un album dal vivo. Scarlet, Cheryl e Inge hanno dato alle canzoni e alla musica ritmi sonori bellissimi, groove e beat costanti, armonie e luce sonora. Il suonatore di dobro, Paolo Ercoli, ha iniziato come autista del nostro tour e ha finito per "sedersi" sul palco ogni sera con la band. Prima del nostro primo concerto l'ho sentito suonare tre note in albergo e l'ho assunto subito per partecipare. Ha guidato il furgone e ha imparato le canzoni a memoria, senza fare prove. Per noi è stato incredibile ed emozionante sentire l'intero spettacolo crescere. Alla fine del tour, si scoprì che Paolo Ercoli era la nuova "arma segreta" della nostra band. Ha completato e arrotondato il "suono" della band. Le sue improvvisazioni si possono ascoltare in questa registrazione live di "Foolish Like the Flowers". Dimostra la teoria che la libertà con poche parole può creare grande musica se lasciata libera di fiorire. Va detto che il suo modo di
Di solito ti esibisci in duo con tua moglie Inge o in formazioni più piccole. Com'è stato lavorare con questo eccellente gruppo transnazionale?
Un bravo musicista è un bravo musicista. Le loro orecchie non hanno o non conoscono confini. La risposta semplice è che non è tanto importante da dove vieni, ma dove stai portando la musica.
Come avete lavorato agli arrangiamenti delle nuove canzoni? Quali nuove sfumature sono emerse?
Come ho già detto, nel mio mondo musicale le canzoni nascono per arrangiarsi da sole. Le mie canzoni trovano la loro strada verso la luce musicale come gli orfani trovano la loro strada verso una nuova casa. Il mio mantra e motto musicale rimangono: meno chiacchiere e più musica. Nel caso di questo nuovo album di inediti, il mio approccio è stato quello di registrare le nuove canzoni in stile folk - solo io, la canzone e la chitarra - in modo grezzo e diretto, lo stesso approccio che ho usato quando ho realizzato i miei primi due album. Il romanticismo e l'amore sono rientrati nell’immagine. Ma senza fronzoli. I dettagli e gli extra musicali sarebbero arrivati in seguito, sotto forma di gustose sovraincisioni di chitarre e violini. Chi scriveva queste nuove canzoni aveva più vent'anni che ottanta.
L'album copre la quasi totalità della sua carriera artistica. Da "Today is the Highway" proviene "Dusty Box Car Wall" del 1965. Come scegliete le canzoni da eseguire sul palco?
Ci sono alcune canzoni che il pubblico vuole e si aspetta di sentire. Brani come "Thirsty Boots", "Violets of Dawn" e "Blue River". Cerchiamo di essere consapevoli e di inserirle negli spettacoli. Ma altri fattori 
che consideriamo sono ritmi e groove. Ciò che impedisce al pubblico di addormentarsi. Inoltre, canzoni con stati d'animo e atmosfere che creano effetti ipnotici. Il mio mondo si basa fondamentalmente su storie raccontate in modo chiaramente poetico. Cerco anche di inserire canzoni fresche e nuove e altre che hanno bisogno di essere rispolverate per tornare alla luce, come "Going Gone" e "Hills of Tuscany". Ma ce ne sono così tante. Come si fa a scegliere quando non si possono inserirle tutte? Perciò cerchiamo di trovare un equilibrio quando scriviamo una scaletta. Ma facciamo in modo che il set sia dinamico, consentendo comunque alla musica di respirare.
Quali sono i ricordi di quei giorni favolosi nel Village?
Le strade del Village negli anni Sessanta sono state la mia formazione universitaria. Come il mondo del blues di Muddy Water nel South Side di Chicago. O il Grand Ol' Opry di Hank Williams a Nashville. Tutto il mondo veniva da noi in MacDougal Street. In quale altro luogo si potevano trovare musicisti del calibro di questi nel giro di tre mesi? Sto parlando di John Lee Hooker, Ramblin' Jack Elliott, Charlie Mingus, Lightnin' Hopkins, Reverendo Gary Davis, Jr., Mississippi John Hurt, Dave Van Ronk, Phil Ochs, Muddy Waters, Miles Davis, John Coltrane, Bob Dylan, Skip James, Doc Watson, Son House, Jimi Hendrix, Fred Neil, Tim Harden, l'universo musicale! Li ho visti tutti e più volte.
Beh, come il "processo" di arrangiamento della mia musica, non c'è un "approccio" particolare al songwriting. Non scrivo per ottenere effetti o per cercare di compiacere gli altri. L'obiettivo principale è quello di compiacere la canzone, facendole prendere vita e facendola nascere. A volte mi viene in mente un verso orecchiabile, lo annoto, lo rivedo, mi siedo con la chitarra e osservo i versi che si espandono da quella frase e ne nasce un'intera canzone. Il mio approccio alla scrittura delle canzoni è più simile a quello di una trance o di un abbandono a un'ora magica e misteriosa, in cui si finisce per prendere i dettami di una forza superiore e lasciare che la canzone si scriva da sola. La chiamo l'arte di trasformare l'invisibile in visibile. Qualcosa che un minuto prima non esisteva e un minuto dopo esiste! Una nuova canzone!
Con Lou Reed hai firmato uno dei tuoi brani più belli, "You Can't Relive The Past". Come è nata quella canzone?
Io e Lou Reed eravamo diversi come i Tortiglioni dalle Farfalle. Ho scritto questo testo prima che venisse a trovarmi a casa mia in Norvegia. Avevamo programmato di incontrarci per andare a vedere Bob Dylan al suo festival a Oslo. Gli era piaciuto il testo di "You Can't Relive the Past" (come sospettavo). Tornati a New York abbiamo finito il testo e siamo entrati in studio con le nostre chitarre ma senza musica. Ci siamo seduti, abbiamo strimpellato alcuni accordi rock e ci sono venuti in mente il groove e la musica. Abbiamo acceso i microfoni e l'abbiamo registrata in una sola ripresa.
La bellissima ballata Foolish Like the Flowers ha dato il titolo a questo album dal vivo. Cosa ha ispirato questo brano?
A metà degli anni Sessanta, ascoltavo il canto di Astrid Gilberto e le composizioni di Antonio Carlos Jobin. Come tutti, sono rimasto colpito dalla freschezza contagiosa dei ritmi della samba brasiliana e della 
bosa nova. Mi venne un'idea per una canzone basata su questi tempi e la feci ascoltare a Bruce Langhorne. Venne in studio con i suoi tamburelli e la sua chitarra e la registrammo subito dopo il mio trasferimento a Los Angeles da New York, alla fine degli anni Sessanta. Non era una canzone tipica per me. "Foolish" era un pezzo unico. L'unica canzone ispirata alla Bossa Nova che abbia mai scritto.
Da “Memory of Future”, il tuo lavoro più intenso degli anni '90, hai scelto "Hills Of Tuscany" e "Foghorn". Cosa ha rappresentato per te quel disco?
Queste due canzoni, insieme a "Under the Shadows", sono poco rappresentate nei miei concerti. Sembrano sempre essere affollate nelle scalette da qualcos'altro. Ma sono tre delle mie canzoni più interessanti dal punto di vista musicale e divertenti da cantare. Ho pensato di resuscitarle e di inserirle in questo disco.
Negli ultimi anni hai incrociato le strade della letteratura e della poesia musicando i testi di Albert Camus, Heinrich Böll e Lord Byron...
È vero. Abbiamo eseguito l'album di Camus ad Aix-en Provence con la presenza della figlia Catherine. Poi abbiamo eseguito l'album di Byron nella sua casa natale a Newstead Abbey in Inghilterra. Ora sto lavorando con un chitarrista di flamenco all'ultimo capitolo di questo quartetto di album di scrittori. Questo album si concentrerà sulle opere del grande poeta spagnolo Garcia Lorca. Sto creando canzoni con le poesie di Lorca e le sto trasformando in testi. Ho iniziato a scriverle in Inghilterra lo scorso gennaio.
È stato molto diverso, a dir poco. Soprattutto perché ne arrivano così tante tutte insieme. Penso che gli artisti abbiano davvero messo il loro cuore e la loro anima nel progetto e sono stato molto orgoglioso di questo album. Sono grato a loro.
Per concludere, quali sono i suoi progetti per il futuro?
In arrivo ci sono eventi speciali. A novembre mi esibirò in un concerto-evento alla Carnegie Hall per celebrare il libro "Music + Revolution: Greenwich Village in the Sixties" di Richard Barone.
Il 16 dicembre riceverò il premio di poesia Dubito a Milano, Italia, sotto gli auspici di Marco Fazzini, direttore della cattedra di poesia dell'Università di Venezia. Si tratta di un premio che onora cantautori e poeti attivisti. Nel 2024 uscirà un doppio album di materiale nuovo intitolato “Dance of Love and Death”. Si tratta del primo album di canzoni completamente nuove di Eric Andersen (al di fuori delle registrazioni della serie Camus, Byron e Böll per la Meyer Records) dall'uscita di Beat Avenue nel 2002. Il prossimo 2 luglio 2024 parteciperò alla celebrazione della Lord Byron Society ad Atene per il 200° anniversario della morte di Lord Byron, che morì a Missolungi, in Grecia, nel 1824. L'evento si intitola "Byron: The Pilgrim of Eternity", e io eseguirò il mio album “Mingle with the Universe: The Worlds of Lord Byron”. Byron aveva personalmente organizzato ed equipaggiato la sua spedizione militare greca per scacciare i turchi ottomani dalla Grecia. Ma morì tragicamente di febbre prima di poterlo fare. Nel corso di un terribile assedio, la sua armata resistette coraggiosamente a Missolungi per due anni prima di essere definitivamente sopraffatta dai turchi e dagli egiziani.
Eric Andersen – Foolish Like the Flowers. Live at Spaziomusica, Italy (Appaloosa/IRD, 2023)
Salvatore Esposito
Foto di Paolo Brillo (1, 2, 9, 10, 11) e Renzo Chiesa (3, 4, 5, 6, 7, 8)
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1 Per un più compiuto approfondimento sulla produzione discografica di Eric Andersen consigliamo la lettura di “Ghost Upon The Road – Eric Andersen Disco Per Disco” firmato da Paolo Vites e Roberto “Jacksie” Saetti
2 Eric Andersen. Mingle with the Universe: The Worlds of Lord Byron. Eric Andersen. Birth of a Stranger: The Shadow and Light of Albert Camus. (Meyer Records. Cologne 2015, 2017).