Suoni: Le Novità

Le novità discografiche segnalate da Blogfoolk...

FELMAY
le novità 
_________________________________________________________________________________

“I DISCHI DEL SOLE”
duecento anni di storia d’Italia attraverso la canzone popolare!
IL 30 MARZO ESCE LA RISTAMPA DI 12 ALBUM ESTRATTI DAL CATALOGO DE “I DISCHI DEL DISCHI”
già disponibile in digital download e su tutte le piattaforme streaming
da GIOVANNA MARINI a IVAN DELLA MEA, da CATERINA BUENO e GIOVANNA DAFFINI
alla raccolta “Ci ragiono e canto” a regia di DARIO FO e tanto altro ancora…


Il 30 marzo 2018 esce la ristampa di 12 album rappresentativi della storica collana di musica popolare de “I DISCHI DEL SOLE” (Ala Bianca Records / Warner Music Italia). L’iniziativa ripercorre le tappe più significative della storia d’Italia dall’Unità ai giorni nostri: da Giovanna Marini a Ivan Della Mea, da Caterina Bueno e Giovanna Daffini alla raccolta “Ci ragiono e canto” che vanta la regia di Dario Fo e tanto altro ancora… Da gennaio 2018 l’intero catalogo de “I dischi del sole” è anche disponibile in digital download e su tutte le piattaforme streaming. “I dischi del sole”, prestigiosa etichetta nata a Milano che, a partire dagli anni ’60 e ’70, ha permesso al pubblico italiano di conoscere un vasto repertorio di musica popolare, pubblicando opere di una nuova generazione di autori ed interpreti di canti folk e d’autore, sociali e di protesta. Musiche e parole, spesso di autori sconosciuti, espressione dei momenti più significativi della nostra storia e della nostra cultura. Dagli anni ‘90 l’etichetta discografica Ala Bianca si impegna nel recupero di questo storico catalogo con la collaborazione dell’Istituto Ernesto De Martino, ente che raccoglie ricerche sul campo di carattere storico, sociale, antropologico ed etnografico. Obiettivo della ripubblicazione è quello di preservare la memoria storica. L’intera collana de “I dischi del sole”, infatti, rappresenta la più grossa operazione culturale e di documentazione storica nel settore musicale. Ala Bianca per rivolgersi a un mercato più ampio, non solo culturale, ha investito nel recupero di tali contenuti digitalizzandoli, rimasterizzandoli e ripubblicandoli, rendendoli disponibili al grande pubblico grazie anche alla tecnologia digitale. «Siamo convinti dell’importanza e della validità del nostro sforzo, partendo dalla considerazione che la storia non è fatta solo di trattati e guerre, di personaggi illustri ed eroi, ma anche di fatti minimi, di uomini umili, di gesti quotidiani – spiega Toni Verona, fondatore di Ala Bianca – “I dischi del sole” sono un’occasione per leggere in modo diverso la storia degli uomini, delle idee, delle lotte che hanno costruito il nostro paese. Vogliamo riproporli per offrirli a chi li conosce già e oggi guarda al passato con gli occhi del presente, ma soprattutto per far conoscere queste voci anche ai giovani che vivono il presente con lo sguardo rivolto al futuro e sono alla ricerca di un loro mondo e di una loro concezione dei tempi che cambiano. Ala Bianca ha messo in campo la propria sensibilità e competenza professionale per la tutela di un bene culturale, che non può limitarsi alla mera conservazione, ma deve essere diffuso e divulgato al fine di impedirne la consunzione e la perdita». Questi i 12 album ripubblicati: “Fiaba grande” di Ivan Della Mea; “Sudadio Giudabestia” di Ivan Della Mea; “I treni per Reggio Calabria” di Giovanna Marini; “La veglia” di Caterina Bueno; “Addio Lugano Bella” AAVV; “T’ammuriata dell’AlfaSud” del Gruppo Operaio ‘E Zezi; “Amore mio non piangere” di Giovanna Marini; “Avanti Popolo alla riscossa” AAVV; “Camicia Rossa” AAVV; “Ci ragiono e canto” AAVV, regia di Dario Fo; “Italia, le Stagioni degli Anni ‘70” (doppio album) AAVV; “Quella sera a Milano era caldo” AAVV. ALA BIANCA è una compagnia di Edizioni e Produzioni musicali, fondata nel 1978. Negli anni ha costituito un vasto Catalogo Editoriale con autori prestigiosi (Dario Fo, Enzo Jannacci, Alan Sorrenti, Francesco Guccini, Marlene Kuntz, I Nomadi, Giovanna Marini, Ivan Della Mea, Vladimir Vysotskij) e altri meno noti delle attuali generazioni. Discograficamente vanta una produzione artistica ricca e variegata spaziando dalla canzone popolare, “I dischi del Sole”, alla canzone d’autore, “I dischi del Club Tenco”, con interpretazioni di Francesco Guccini, Roberto Vecchioni, Paolo Conte, Fabrizio De André, Pino Daniele, Chico Buarque De Hollanda, Gino Paoli, Roberto Benigni, Paolo Rossi e ecc. Ma anche alla produzione di altri artisti, come Enzo Jannacci, Giorgio Conte, Alan Sorrenti, Gianni Maroccolo e Claudio Rocchi, Deproducers, A Toys Orchestra, Silvia Nair, James Senese, Maurizio Solieri, Paolo Jannacci, Petrina, Skiantos, ecc. La distribuzione è affidata a Warner Music Italia.
_________________________________________________________________________________

SPAGNA '36, UN SOGNO CHE RESISTE (2018)

Un cd doppio realizzato da Istituto de Martino, Archivi della Resistenza di Fosdinovo e AICVAS (Associazione Italiana Combattenti Volontari Antifascisti di Spagna). Canti della guerra civile spagnola riproposti da musicisti e cantanti di oggi. Ideali e speranze come un racconto che attraversa le generazioni e le storie di tanti di noi. Un sentito grazie a tutti gli uomini e le donne che hanno suonato e cantato in questo doppio cd. Lo hanno fatto per spirito di militanza e partecipazione, per scelta politica. Per noi un ulteriore motivo per continuare a conservare e diffondere memorie e storie di dignità e riscatto. Infine grazie a Francesco Del Casino che ci ha regalato tutti i disegni. Curatori: Andrea Fantacci e Monica Tozzi; In redazione: Stefano Arrighetti, Andrea Fantacci, Alessandro Grassi e Monica Tozzi; Montaggio, Editing e Mastering: Giovanni Chessa; Coordinamento: Stefano Arrighetti; Progetto grafico e impaginazione: Quartopiano studiodesign - Firenze; Stampa: Audiovideobex - Firenze. I disegni della copertina, delle label e del libretto sono di Francesco Del Casino. Revisione dei testi in lingua spagnola: Angeles Aguado Lopez. L'ottava finale è un regalo di Giovanni Bartolomei "da Prato". La foto di Giuseppe Raffaelli nel libretto del cd è di Clara Longhini. Per richieste e informazioni rivolgersi a A.I.C.V.A.S. Associazione Italiana Combattenti Volontari Antifascisti di Spagna Via Francesco Ferrucci, 2 - 20145 Milano mail: aicvas.segreteria2@gmail.com. ARCHIVI DELLA RESISTENZA Circolo Edoardo Bassignani presso Museo Audiovisivo della Resistenza Via Prate, 12 - 54035 Fosdinovo (MS) tel: 3290099418
mail: info@archividellaresistenza.it. ISTITUTO ERNESTO DE MARTINO Via degli Scardassieri, 47 - Sesto Fiorentino (FI) tel: 0554211901 mail: iedm@iedm.it.
_________________________________________________________________________________

PATRIOS
Una nuova storia
In uscita il 13 aprile 2018

Una Nuova Storia è una vera e propria raccolta di generi che parte dalla musica moderna e la contamina con le sonorità caratteristiche degli strumenti popolari. Con questo disco, i Patrios si cimentano nell’impresa di contaminare non il vecchio con il nuovo ma il moderno con il popolare e lo fanno, in particolare, attraverso l’utilizzo della zampogna molisana. Il titolo del disco è espressione del suo stesso contenuto: una nuova storia d’amore, una nuova storia di lotta e liberazione, una nuova storia intesa come possibilità di ricominciare. Più nello specifico, il messaggio ultimo espresso di canzone in canzone, è molto più profondo di quello che appare ed è strettamente legato al sentimento del gruppo stesso di rinnovarsi e trovare un nuovo modo di fare musica. Ad arricchire questa raccolta di generi, i Patrios hanno coinvolto musicisti che provengono da mondi musicali differenti quali il country, il popolare, il blues ed il jazz: Daniele Sepe al sax soprano e tenore, Mimì Caravano, storico componente dei Neri Per Caso, e Roberto Colella frontman de La Maschera, alla voce, Germano Ciavone al banjo, Silvio Trotta al mandolino, Luigi Pacitti all’armonica blues.
_________________________________________________________________________________

Loreena McKennitt
Uscirà l'11 maggio “Lost Souls” il primo album in studio dal 2006

Il nuovo album di Loreena McKennitt “Lost Souls”, la sua prima registrazione di musica inedita dal disco del 2006 "An Ancient Muse", uscirà in tutto il mondo venerdì 11 maggio 2018. Prodotto dalla pluripremiata cantante/compositrice canadese, "Lost Souls" è un eclettico arazzo di canzoni frutto di una vasta gamma di influenze, tra cui la musica celtica e quella mediorientale, con cui la McKennitt è da tempo identificata. "La vita è stata così densa e impegnativa negli ultimi dieci anni, sia personalmente che professionalmente" dice la McKennitt "senza potermi fermare un attimo. È stato immensamente gratificante tornare finalmente alla parte più creativa del mio lavoro." L'album è composto da nove tracce ed è stato registrato tra maggio e ottobre del 2017 a Hamilton, in Canada, presso i Catherine North Studios e i Real World Studios di Peter Gabriel, vicino a Bath, nel sud ovest dell'Inghilterra. Molte canzoni sono state concepite dalla McKennitt qualche tempo fa, altre hanno progressivamente preso forma in mezzo a progetti e viaggi più recenti. Alcune sono ispirate dalla poesia di John Keats e W.B. Yeats, mentre altre evocano un definito sapore mediorientale, ma in "Lost Souls" si uniscono tutte magicamente per creare una collezione di brani artisticamente diversificati e attuali. "Per quanto riguarda la title track Lost Souls sono stata fortemente ispirata da un libro di Ronald Wright intitolato A Short History of Progress." commenta la McKennitt. "Lui sostiene che noi come specie, abbiamo perso la nostra bussola morale rispetto al progresso e che siamo diventati anime perse." Sempre al passo con i tempi, l'artista ha deciso di fare uscire alcune canzoni in anticipo rispetto alla release date ufficiale. La prima “A Hundred Wishes”,  è disponibile da oggi, venerdì 9 marzo, su iTunes, Spotify e tutti gli store digitali: una canzone leggera e contemporanea che richiama i tempi passati, vede Loreena al pianoforte, con i colleghi storici Caroline Lavelle al violoncello, Hugh Marsh al violino, Brian Hughes alla chitarra e Dudley Phillips al basso. Registrato da Yossi Shakked, Stuart Bruce e Jeff Wolpert, “Lost Souls” è stato masterizzato da Bob Ludwig al Gateway Mastering Studios. Il lavoro grafico è a cura di Jeri Heiden (Smog Design, Inc.). L'album sarà disponibile come CD, disco in vinile da 180 grammi e su tutti gli store digitali, inclusi iTunes, Apple Music e Spotify. L'eclettica miscela celtica della McKennitt, che fonde insieme la musica Pop, Folk e World, ha venduto oltre 14 milioni di album in tutto il mondo. I suoi lavori sono stati dischi oro, platino e multi-platino in 15 paesi di quattro continenti. È stata nominata due volte per un Grammy Award e ha vinto due Juno Awards, oltre a un Billboard International Achievement Award. Loreena McKennitt si è esibita in alcuni dei più rinomati e storici luoghi di concerti, dalla Carnegie Hall al famoso Palazzo dell'Alhambra a Granada, in Spagna, per personalità come sua maestà la Regina Elisabetta II e numerosi capi di stato. Oltre alla sua carriera musicale, Loreena McKennitt è stata riconosciuta per una serie di iniziative filantropiche degne di nota, tra cui: The Cook-Rees Memorial Fund for Water Search and Safety; Falstaff Family Centre; Colonnello Onorario delle Royal Canadian Air Force. Nel 2004 la McKennitt è stata insignita dell'Order of Canada, la più alta onorificenza concessa dal Canada, e nel 2013 è stata nominata Cavaliere del Knight of the National Order of Arts and Letters  della Repubblica Francese. 

_________________________________________________________________________________

Raffaele Bruno e Delirio Creativo
“Fragili anime guerriere”

Si chiama “Fragili anime guerriere” il disco d’esordio dell’attore e regista Raffaele Bruno ed esce il 7 maggio per l’etichetta napoletana, Graf. Dopo l’esperienza con il gruppo musicale, Rete co’mar, Raffaele ritorna con un nuovo progetto insieme alla sua compagnia teatrale, Delirio creativo. Compagnia che lavora nelle carceri, nelle comunità di recupero per tossicodipendenti e nei centri per il disagio psichico. Quella del Delirio creativo è “una musica di dolore e speranza assieme. Forse solo a Napoli la puoi suonare così forte”, così ne scrive Stefano Benni, con cui Raffaele Bruno ha collaborato. Grazie alla produzione artistica di Massimo De Vita l’album fonde parti recitate, musica popolare dalle atmosfere sudamericane e influenze balcaniche, con la grande canzone d’autore italiana. La forza del teatro e l’immediatezza della musica, per amplificare le voci di chi la voce non l’ha mai avuta. Barboni, matti e detenuti sono le ombre e i fantasmi che popolano l’universo del Delirio creativo. “Scognamiglio”, la canzone che anticipa l’uscita dell’album racconta di un clochard a cui è rimasto solo il vino. Parole di sangue cantate dal cantautore napoletano Giglio, ospite del brano. Tantissimi le collaborazioni del disco tra cui parte della new wave napoletana: il cantante de La Maschera, Roberto Colella, ‘o Rom, Claudio Gnut, Isole Minori Settime, Gatos do Mar, Fede‘n’Marlen, la cantante della Rete co’mar, Silvia Romano, Maurizio Capone e la storica voce della N.C.C.P., Gianni Lamagna, nel brano dedicato alle quattro giornate di Napoli. Incontri e narrazioni, che si sovrappongono e si rincorrono in un flusso di musica teatrale o di teatro musicale, per un disco che sa da che parte stare e cioè dalla parte degli ultimi. Delirio creativo sono: Raffaele Bruno: autore dei testi e voce narrante; Enzo Colursi: voce e piano; Federica Palo voce recitante; Daniele De Vita: chitarre; Luigi Castiello: contrabasso; Santolo Rea: percussioni; Vincenzo Maddaluno: fiati. Special guest: Marco Salvatore: batteria e percussioni, Giuseppe Maddaluno: clarinetto, Michelangelo Bencivenga: chitarre e Igor Caiazza (zildjian artist): batteria e percussioni
______________________________________________________________________________

SESÉMAMÁ
L’8 MARZO ESCE IL PRIMO OMONIMO ALBUM
Nello stesso giorno il quartetto partenopeo tutto al femminile presenterà il nuovo lavoro al PAN - Palazzo delle Arti di Napoli. 
Manca una settimana ormai all’uscita dell’omonimo debut album delle SesèMamà, la band napoletana formata da Brunella Selo, Elisabetta Serio, Annalisa Madonna e Fabiana Martone. L’album sarà targato SoundFly e uscirà significativamente l’8 marzo. Sempre l’8 marzo le Sesèmamà presenteranno il nuovo lavoro al PAN - Napoli al Palazzi delle Arti. La band inoltre ha preso parte alle audizioni live per MUSICULTURA 2018, il prestigioso festival musicale giunto alla 29esima edizione che nel corso degli anni ha portato alla ribalta artisti come Renzo Rubino, Simone Cristicchi, Mannarino, Pacifico, Gianmaria Testa e molti altri. La loro esibizione, tenutasi il 16 febbraio, è stata un successo, tanto che le Sesèmamà si sono aggiudicate un doppio premio (pubblico e critica) per la migliore performance.

L’ALBUM
Il primo lavoro discografico delle SesèMamà è frutto di una ricerca sonora che coniuga i vissuti musicali di quattro artiste napoletane, provenienti da differenti percorsi, che danno vita ad una suggestione variopinta, come un dipinto che mescola e distingue al contempo i colori. Di qui nasce l'ispirazione ai quattro elementi naturali: acqua, terra, fuoco e aria che convivono e descrivono il loro incontro attraverso un affascinante tragitto di dieci canzoni.

SESÈMAMÀ
Le SesèMamà sono quattro artiste napoletane, ognuna con un proprio percorso già affermato, riconosciuto e consolidato negli anni, nel 2016 si incontrano con la voglia di misurarsi in un originalissimo e variegato repertorio, dallo chorinho brasiliano al jazz, dalla melodia napoletana ai brani originali, sempre protagoniste sul piano vocale, strumentale, compositivo e degli arrangiamenti. Lo studio della pasta sonora e la scelta compositiva, visceralmente consonanti alle loro eclettiche personalità, sono il frutto dello scambio di esperienze, saperi, canti e suggestioni, ovvero del bagaglio artistico e personale di ognuna di esse. Le SesèMamà si lasciano guidare dalla curiosità verso suoni e culture di etnie diverse, compresa quella di appartenenza, con i loro linguaggi, stili e dialetti, offrendo una chiave di lettura sempre molto efficace e mai banale, attraverso un viaggio affascinante, coinvolgente e di grande impatto emotivo nel mondo interiore di queste quattro raffinate artiste. Nel corso di questo primo anno di attività le SesèMamà hanno lavorato alla composizione e alla realizzazione del loro disco, che si avvale della collaborazione di artisti di fama internazionale, come ad esempio Maria Pia De Vito.
_________________________________________________________________________________

Materiali Sonori
Le novità

LETIZIA FUOCHI - Inchiostro 
Letizia Fuochi, dopo otto anni da interprete e autrice di teatro canzone, torna con un lavoro discografico di inediti pubblicato da Materiali Sonori. Inchiostro si presenta come uno sguardo nuovo, più consapevole, autoironico, appassionato, autobiografico: ogni canzone è una storia vissuta intensamente in un costante confronto con la realtà. Al suo fianco il chitarrista Francesco Frank Cusumano (Martinicca Boison, Hugolini, ecc.), con cui Letizia collabora dal 2011, autore degli arrangiamenti del progetto.

MATIAS AGUAYO & THE DESDEMONAS - tba
Matias Aguayo, produttore di musica elettronica e importante DJ presenta il suo nuovo progetto. E rilegge forme di rock scuro che lo ispirano come adolescente, rivisitandole in uno stile decisamente contemporaneo, post-punk, krautrock, dub e tropical touch. Segnali ombrosi e lirici, ironici e velenosi. Nato in Cile, Matias Aguayo è cresciuto in Germania e da sempre è stato un artista originale e iconoclastico aperto ai generi più diversi. Pionoere della musica elettronica (e pilastro della scena di Berlino) fin dai primi anni 2000, ha prodotto diversi album per la leggendaria etichetta tedesca Kompakt e ha fondato un proprio marchio, Cómeme ("me mangiato" in spagnolo). Su Pitchfork: "Aguayo è l'uomo che ha popolato e sviluppato la techn minimale…”.

LIO - Lio canta Caymmi 
Dedicato a Dorival Caymmi, uno dei più importanti cantanti e cantautori nella storia della musica popolare brasiliana. Una figura di grande rilievo al pari di João Gilberto, Gilberto Gil, Caetano Veloso. Lo interpreta Lio, cantante e attrice portoghese naturalizzata belga, che ebbe un grande successo internazionale negli anni Ottanta (“Amoureux Solitaires”, “Banana Split”…) e che ha continuato producendo album e lavorando con Telex, The Sparks e John Cale. Ha interpretato non meno di quaranta film. “Lio canta Caymmi” è il primo disco in cui canta nella sua lingua materna, il portoghese. Il disco è stato progettato e diretto da Jacques Duvall, elegante autore francese che ha lavorato con Alain Chamfort, Jane Birkin e con la stessa Lio, e prodotto e arrangiato dal muscista francese Christophe Vandeputte.

AKSAK MABOUL - Un Peu De L’Ame Des Banditis 
Uscito originalmente nel gennaio del 1980, fu il secondo album prodotto dalla Crammed e da Marc Hollander (leader della band). Rock sperimentale che fece epoca. Con i membri originari Vincent Kenis, Véronique Vincent, Geoff Leigh e ospiti alcuni musicisti della scena radicale inglese come Fred Frith & Chris Cutler (all’epoca il progetto venne presentato come esponente del RIO Moviment… Rock in Opposition). La confezione di questa ristampa presenta il LP rimasterizzato dai nastri analogici originali, un booklet di 24 pagine 25x25 (con liner notes, documenti, notizie su tutti i musicisti, una storia completa della band, ecc.) e un bonus album intitolato Before and After Bandits (CD+download con 10 tracce mai pubblicate, live e demo recording).

FABIO BALZANO - Rabbia rosa
Tributo a Rosa Balistreri: sette brani dal songbook della grande cantante siciliana rivivono in arrangiamenti folk-rock. Progetto discografico nato da un’idea del cantautore fiorentino Fabio Balzano, che ha radunato intorno a sé un gruppo di eccellenti strumentisti come Riccardo Brizzi (batteria e percussioni), Michele Mingrone (chitarra elettrica) e Gabriele Savarese (violino, chitarra flamenca) per rendere omaggio al repertorio di Rosa Balistreri, cantastorie e depositaria della tradizione musicale siciliana.

ARTE’ [BECCALOSSI. FARINONE. NARDI. PIZIO] - Artè 
Lasciarsi cullare da un ritmo ipnotico, abbandonarsi ad antiche memorie dal sapore orientale, perdersi in un luogo dell’anima dove Oriente e Occidente si confondono e dialogano. È dedicato al mediterraneo l’ultimo CD del chitarrista varesino Claudio Farinone, un viaggio compiuto insieme alla fisarmonica di Fausto Beccalossi, all’oud (il liuto arabo) di Elias Nardi e ai clarinetti, sax e percussioni di Max Pizio.

SIMONE BALDINI TOSI - MENTEPRESENTE
E' la nuova esperienza musicale di Simone Baldini Tosi, l’album “Mentepresente” pubblicato in CD e in digitale da Materiali Sonori. Questo per Simone Baldini Tosi è il quarto album di un percorso in continua evoluzione. E' composto da dieci brani dove il suono evocativo degli strumenti orientali abbraccia la canzone d'autore. Il disco si muove fra brani inediti ispirati dalle parole dei grandi pensatori della storia d'oriente come Milarepa, Shankara, Gautama, e i contemporanei come Thich Nhat Hanh, Vimala Takar, Krisnamurti. Oltre alla forma canzone ci sono flussi musicali che prendono la forma del mantra. Presente nel disco anche una interpretazione di “Montesole" di Giovanni Lindo Ferretti che "consciamente o inconsapevolmente ha cantato il Dharma". "Mentepresente" esce dallo stereotipo del disco di musica indiana fatta da un occidentale. Come la pratica dello Yoga ha trovato la sua forma nel nostro paese, così le composizioni di Simone vogliono rappresentare l'equilibro tra forma canzone e ricerca interiore. Per questo Simone Baldini Tosi, nella scena musicale, è stato definito in più modi: il cantautore Zen, il cantante Yoga, la voce del Dharma. Ma “Mentepresente” è un progetto che vuole incontrare non solo chi apprezza la ricerca esistenziale, ma anche la musica e la poesia, una canzone d’autore che nasce non solo con il suono della voce ma anche con il respiro che lo precede. Simone, sorridendo, dice  “più che musica indipendente, parafrasando il venerabile Thich Nhat Hanh, preferisco definirla musica INTERDIPENDENTE”.

Prossime uscite 

AQUASERGE, Déjà-Vous? [concerts] 
WIM MERTENS, Nature’s Largess 
EKITI SOUND, Abeg No Vex .
KASAI ALLSTARS, Beware The Fetish 
MASO CD 90170
________________________________________________________________________________

SEYIR TRIO
from the Lâmekân Ensemble
Instrumental Ottoman Music
First Album release Muziekpublique (Brussels), December 15th 2017

Driven by a common passion for Turkish Ottoman music, Tristan Driessens, Ruben Tenenbaum and Simon Leleux had a rigorous musical training allowing them to travel through the East Mediterranean to meet their masters and fellow musicians. When Seyir Trio was created in 2016, it was originally designed to be a reduced formation of the Lâmekân Ensemble. However the trio’s identity was soon revealed thanks to the strong human and musical affinities these musicians share when performing together. Every instrument – violin, oud and doholla (bass darbuka) – is played with solistic flair, enhancing both rhythm and melody. Seyir Trio reveals a rather remarkable story: three restless companions who found their way through the labyrinths of a foreign musical idiom. In this album, they welcome  Tcha Limberger's delicate violin and double bass. 
________________________________________________________________________________

BAUSTELLE 
L'amore e la violenza vol. 2
DODICI NUOVI PEZZI FACILI

“L’amore e la violenza vol.2 - dodici nuovi pezzi facili” è il nuovo album dei Baustelle che uscirà il 23 marzo anticipato dal primo singolo “Veronica, N.2”, in radio e negli store digitali dal 2 marzo. Scritto durante il tour che nell’ultimo anno li ha portati in giro per l’Italia, L'amore e la violenza Vol.2 stringe l'inquadratura del suo predecessore portando in primo piano il racconto amoroso. 12 nuovi pezzi facili che esplorano in modo specifico il campo d'azione privilegiato della musica leggera italiana: quello della pura “love song”. L’intero progetto grafico dell’album anche in questa occasione è di Paolo De Francesco (Moltimedia), elaborato sulle fotografie realizzate da Gianluca Moro. “L’amore e la violenza vol.2” è prodotto artisticamente da Francesco Bianconi, mixato da Pino “Pinaxa” Pischetola e pubblicato da Warner Music.
________________________________________________________________________________

THE ZEN CIRCUS - “IL FUOCO IN UNA STANZA”

Esce oggi, 2 marzo, per Woodworm Label e La Tempesta Dischi “Il fuoco in una stanza”, il nuovo album di inediti firmato The Zen Circus. Il disco, la cui lavorazione ha visto la band impegnata per oltre un anno, arriva dopo il successo dell’ultimo album, “La Terza Guerra Mondiale”(2016) , e 66 date in tutta Italia in 10 mesi, per oltre 98.000 presenze. I Zen Circus sono un punto di riferimento della scena indipendente italiana: in 18 anni si sono costruiti una credibilità condivisibile da pochissimi altri artisti nostrani, grazie all’attività live più urgente e di qualità che si possa immaginare (oltre 1.000 concerti) e al successo di tutti i dischi pubblicati (9 album e un ep).  Il loro talento è stato riconosciuto anche da importanti artisti internazionali, che hanno scelto di collaborare con loro, come i Violent Femmes, i Pixies e i Talking Heads. Il disco “IL FUOCO IN UNA STANZA” affronta e sviscera i rapporti affettivi che segnano la nostra esistenza e determinano la nostra identità. Si tratta di un disco musicalmente e narrativamente eterogeneo, dedicato alla ricerca di un senso molto più profondo dell’esistenza dove il sentimento di una madre, di un padre, un figlio o un amante sono, alla fine, espressioni della stessa verità. Online da oggi anche il video del brano “Il fuoco in una stanza”, secondo estratto dall’album. Un giovane skater con problemi familiari affetto da “Disturbo del controllo degli impulsi” conosce per caso durante una seduta terapeutica una ragazza che è in cura dallo stesso psicologo. Tra piromania, attacchi isterici, droghe leggere e giri in skate per la città tra i due ragazzi nascerà qualcosa. Parlare degli altri parlando di se stessi. E viceversa. Una volta abbiamo cantato che “gli altri siamo noi, gli altri siamo tutti” e con questo album abbiamo voluto approfondire entrando direttamente nelle stanze dei nostri personaggi, ovvero noi stessi e le persone alle quali siamo indissolubilmente legati da catene più o meno invisibili. Narrare senza fronzoli o eccessivo romanticismo (ma nemmeno troppo bieco e posato cinismo) di tutti quei rapporti umani che ci definiscono e ci rendono quello che siamo; il paradosso dell’individualità che esiste davvero solo quando può essere testimoniata da altre anime simili, gli altri appunto. Se nella celebre stanza di Gino Paoli si intravedeva il cielo, nelle stanze di questo disco si vedono fuochi più o meno benevoli, fiamme o veri e propri incendi di vita. Un album di cui andiamo molto fieri, lavorato costantemente fin dal Maggio 2016, ovvero quattro mesi prima che uscisse “La terza guerra mondiale”. È il disco su cui abbiamo lavorato di più in studio nella nostra carriera; musicalmente eterogeneo e poliglotta nella narrazione per lo scopo di avvicinarsi a noi, tutti diversi ma tutti uguali: figli, madri, padri o amanti.
________________________________________________________________________________

Bobo Rondelli annuncia il nuovo album "Anime storte" in uscita a Ottobre 2017
A due anni di distanza dal celebrato "Come i Carnevali", seguito dal tributo a Piero Ciampi uscito lo scorso anno, il cantautore livornese Bobo Rondelli annuncia l'uscita del nuovo album in studio chiamato "Anime Storte", previsto per ottobre 2017 sulla label The Cage con distribuzione Sony Music. Rondelli continua a vivere la sua seconda giovinezza artistica e per comporre questo disco si fa ispirare dalla figura delle persone semplici dei giorni nostri, virtualmente ingolfati di amicizie social, ma realmente sempre più soli e alienati. Sarà proprio il singolo "Soli", nelle radio a settembre, ad anticipare l'intero lavoro, seguito da un bellissimo video di Tommy Antonini. La produzione e gli arrangiamenti sono affidati alle sapienti mani di Andrea Appino (Zen Circus), nel disco anche la partecipazione di Bocephus King e Francesco Pellegrini (Zen Circus). Bobo Rondelli sarà live da fine novembre con il nuovo tour curato da Locusta, questa la band che lo accompagnerà dal vivo: Fabio Marchiori, Simone Padovani, Stive Lunardi, Valerio Fantozzi e Matteo Pastorelli. Tutti gli aggiornamenti sul sito ufficiale (boborondelli.de/) e sul facebook ufficiale (www.facebook.com/BoboRondelliDE)
 ________________________________________________________________________________

LE ORME
ESCE VENERDI’ 8 APRILE IL NUOVO ALBUM
“ClassicOrme”


Esce l’8 aprile il nuovo album de Le Orme dal titolo ClassicOrme, una rivisitazione in chiave classica di alcune delle loro più famose canzoni: Gioco di bimba, Una dolcezza nuova, La porta chiusa, Storia o Leggenda e altre ancora. Il disco contiene anche tre inediti, tra cui il singolo che anticipa l’uscita dell’album: Sulle Ali di un Sogno. La parte cantata è stata affidata alle splendide voci del tenore finlandese Eero Lasorla e della soprano italiana Marta Centurioni, grazie a una collaborazione con il Conservatorio S. Cecilia di Roma.  La parte strumentale è abilmente eseguita, insieme a Michi Dei Rossi, batteria, da un quintetto di archi,  due violini, viola, violoncello e contrabbasso, ed un pianista classico. Anche il famoso violinista brasiliano Marcus Viana ha prestato le sue magiche note in un pezzo dell’album: Preludio. Un disco in cui la musica classica - la parte iniziale e quella finale del disco, sono ispirate rispettivamente alla Ciaccona di J.S. Bach e al Va’ Pensiero di G. Verdi - si mescola alla melodia italiana e al rock sinfonico di uno dei più longevi gruppi del panorama italiano ed internazionale. ClassicOrme (LoveMusic/Self), esce in vari formati ed è disponibile in pre-order sul sito ufficiale (www.leorme-officialfanclub.com) e su quello del distributore Self (www.selfdistribuzione.it).

www.leorme-officialfanclub.com www.facebook.com/leorme
________________________________________________________________________________

DOPO 15 ANNI GLI AVION TRAVEL TORNANO CON IL NUOVO ALBUM “PRIVÉ” IN USCITA IL 18 MAGGIO
Il nuovo tour partirà da Milano il 16 giugno

Due figure abitano questo disco: una amara e l'altra dolce. La prima sfugge alla canzone, la seconda la insegue. Una, diffida delle parole e l'altra si consegna alle parole stesse. Sembra che alcune canzoni si muovano sospettose, offendendo le altre che invece accolgono, consolano e scaldano. Le ultime si affidano alle parole, alla loro precisione, alla capacità di queste di rappresentare il mondo, ma le prime restano a smentire ciò, recitando oscuramente pulsioni e sensazioni. E' doppia la natura di questo lavoro, come da sempre la natura di questo gruppo che in questi mesi ha rigenerato parte di se, come un piccolo animale dalla lunga vita, riaffidandosi a se stesso, alla sua piccola storia, alla propria varia identità. Corrono gli Avion Travel tra sentimenti opposti, generando con questo movimento il contrasto secondo la legge del dramma e a questa legge si votano in modo vitale e scomposto per un pugno di canzoni nuove. (Peppe Servillo). A distanza di 15 anni dal loro ultimo album di inediti “Poco Mossi gli altri Bacini”, risalente al lontano 2003, gli Avion Travel tornano con “Privé”, un disco fedele allo spirito di produzione indipendente e alle atmosfere della trilogia composta da “Bellosguardo”, “Opplà”, “Finalmente Fiori” e realizzato dopo aver ricostruito lo staff operativo dei loro inizi, con Mario Tronco nel ruolo di produttore artistico e supervisore, oltre che di arrangiatore e musicista. “Il 30 marzo dello scorso anno ci siamo visti la prima volta tutti insieme per ascoltare le canzoni e per pianificare una pubblicazione. Proprio nel pomeriggio di quel giorno Fausto ci ha lasciato. Questo lavoro per noi ha il valore di un punto di ri-partenza di una carriera trentennale che non si è mai interrotta nelle nostre relazioni. Anche quando siamo stati fermi. Al momento stiamo lavorando al nuovo spettacolo live per un tour che ricomincerà dall’Auditorium Fondazione Cariplo di Milano il 16 giugno.  Privé contiene undici tracce, di cui dieci canzoni ed un extra strumentale, scelte tra i brani che negli ultimi anni ci sono sembrati più interessanti e pertinenti all’idea di ciò che volevamo realizzare; tutti originali ed in parte inediti. In Privé sono presenti molti ospiti, amici e musicisti che abbiamo incontrato durante la lavorazione. Quattro canzoni sono state per la prima volta eseguite e interpretate dagli Avion Travel ma erano state scritte e suonate per/da altri artisti: Patty Pravo, Fiorella Mannoia, Musica Nuda. La scrittura e la scelta dei brani è cominciata durante il Retour (2014-2017) insieme a Fausto Mesolella, di cui sono presenti quattro canzoni, mentre le altre sono state scritte da Mario Tronco, Peppe D’Argenzio e Ferruccio Spinetti.  Fausto è presente in questo lavoro in tanti modi che non vogliamo ancora svelare. Il brano "Dolce e Amaro" è un gentile omaggio che ci ha fatto Pacifico (autore anche del testo di “Alfabeto”), la scorsa estate.  Tutti gli altri testi sono di Peppe Servillo, ad eccezione de “Il Cinghiale”, scritto da Franco Marcoaldi con la collaborazione di Peppe Servillo” Dal 2003 ad oggi naturalmente gli Avion Travel non hanno abbandonato la loro attività, grazie alle molte pubblicazioni, omaggi, cover, riedizioni e vari tour con formazioni diverse e ridotte, tra cui ricordiamo Danson Metropoli-Canzoni di Paolo Conte (disco d’oro nel 2007) e Nino Rota, l’Amico Magico, album e tour di successo nei teatri; ognuno dei componenti della band, inoltre, in questo lasso di tempo si è dedicato a diversi progetti, tutti di grande valore artistico. Gli Avion Travel si sono ricongiunti in formazione originale per quello che è stato il Retour nel 2014, poi protrattosi fino agli inizi del 2017; tre anni in cui la band è stata protagonista di più di 100 concerti, riscoprendo l’intesa e l’affiatamento, ma soprattutto ritrovando un pubblico sempre affezionato e in attesa di nuova musica. Nell’estate del 2017 dopo la scomparsa di Fausto Mesolella e un periodo di esitazioni e riflessioni, il tour è ripreso in quintetto con la new entry di Duilio Galioto alle tastiere. Privé è stato realizzato allo StudioSette, luogo creativo gestito da un gruppo di amici musicisti ove gli Avion Travel hanno spesso provato, con il contributo del fonico, produttore e musicista Angelo Elle, molto vicino alla band.
_________________________________________________________________________________

CHRIS HILLMAN
"Bidin' My Time"

Chris Hillman, membro fondatore di Byrds, Flying Burrito Brothers, Manassas e Desert Rose Band, è ampiamente riconosciuto come una figura fondamentale del country rock e della musica popolare americana. “Bidin’ My Time” rappresenta il primo album in studio di Hillman da oltre un decennio ed è stato prodotto da Tom Petty nel suo studio nella California del Sud. I protagonisti e gli ospiti della registrazione sono: i co-fondatori dei Byrds David Crosby e Roger McGuinn; i membri della Desert Rose Band, Pedersen, John Jorgenson e Jay Dee Maness; Tom Petty e altri membri degli Heartbreakers come Mike Campbell, Steve Ferrone e Benmont Tench; Mark Fain, Josh Jové e Gabe Witcher. L'album si apre con una nuova registrazione del brano di Pete Seeger e del poeta Idel Davies “The Bells of Rhymney”, che i Byrds avevano registrato per il loro debutto, “Mr. Tambourine Man”. Un altro ricordo dei Byrds, “Here She Comes Again” è stato co-scritto da Hillman e McGuinn e finora è stato registrato solo su un album dal vivo in Australia. “She Does not Care About Time” è stata scritta dal Byrds co-fondatore Gene Clark, morto nel 1991, e Hillman ha deciso di recuperare questa canzone che forse non ha mai ottenuto l'attenzione che merita. L'album comprende anche riletture di “Walk Right Back” di Everly Brothers, di “Wildflowers” di Tom Petty e di “When I Get a Little Money” scritto da un amico di famiglia, Nathan Barrow. Gli originali di Hillman confermano che rimane un cantautore ispirato. Questo album ci regala l’immagine di un veterano della musica in splendida forma, che fa musica con i suoi vecchi amici per il puro piacere di farla.

www.egeamusic.com
________________________________________________________________________________

BUFORD POPE
Blue-Eyed Boy

Esce oggi, venerdì 29 Settembre, “Blue-Eyed Boy”, nuovo album del cantautore svedese Buford Pope. Con i suoi sei ultimi album lo svedese Buford Pope nel corso degli anni ha spaziato dal genere “Americana” al country-folk, e ancora al rock’n’roll più grezzo. Il settimo disco - “Blue Eyed Boy” - è quello che suona più spontaneo e onesto. Con quest’ultimo lavoro, Buford Pope afferma di essere ancora “un ragazzo dagli occhi blu” capace di guardare il mondo con innocenza, nonostante i suoi 46 anni e le tante esperienze vissute. In tutto il disco è presente questo senso di purezza e spontaneità: si tratta infatti di un album semplice e senza tanti grilli per la testa, niente è calcolato o pomposo. Al contrario, le parole e la musica di Buford Pope dimostrano una grande apertura nei confronti dell’uomo e della sua condizione. Tutte le canzoni dell’album nascono da esperienze personali dell’autore e da incontri particolarmente importanti che hanno lasciato un segno nella sua vita e dovevano quindi essere raccontati. Il cantautore ha impiegato una cura maniacale dei dettagli in tutte le fasi di progettazione del disco: dall’uso di microfoni vintage, alla scelta dello studio di registrazione e alle numerosi collaborazioni con altri musicisti sia svedesi che inglesi. Tutto è avvenuto in una volta sola, senza interruzioni, senza cambiamenti dell’ultimo minuto. E’ andata esattamente come doveva andare. Ed è forse questo uno dei tratti distintivi dell’intera produzione e del suono di “Blue-Eyed Boy”: un disco veloce nella realizzazione ma lento da digerire.
_________________________________________________________________________________

RUSTIES
Queste Tracce… Live: Rare & Lost Recordings 2008-2018 2CD 
Hard Dreamers/distribuzione I.R.D.  Data di pubblicazione: 11 maggio 2018

Una band che, in Italia, arriva a compiere vent’anni di “non-carriera” percorrendo nel modo più genuinamente indipendente i sentieri impervi del rock più “rugginoso”, libera da condizionamenti di genere, lingua e/o leggi di mercato è un caso più unico che raro. Se pensate che questo sia un traguardo di cui andare orgogliosi, allora provate a chiederlo ai RUSTIES: di storie da raccontare ne hanno parecchie e molte le hanno già disseminate nell’arco di un multiforme percorso discografico (otto gli album fin qui pubblicati) a cui ora si aggiunge il doppio CD Queste Tracce… Live: Rare & Lost Recordings 2008-2018. Un doppio album dal vivo per raccontare gli ultimi dieci anni di vita on the road di una band è roba d’altri tempi. Ma se da un lato la musica dei RUSTIES incarna perfettamente un certo spirito “fuori dal tempo” di intendere il Rock, dall’altro perfino la loro line-up più recente è la manifestazione lampante di ciò che si può definire una vera e propria “band transgenerazionale” (le date di nascita dei vari componenti abbracciano mezzo secolo!). Il percorso offerto da Queste Tracce… Live: Rare & Lost Recordings 2008-2018 è una sorta di viaggio alternativo a ritroso nel tempo a testimonianza di alcuni tra i momenti più meritevoli di essere ricordati (e talora fortunosamente avvenuti, immortalati e preservati) tra quelli espressi da questa band nel corso del suo secondo decennio di attività (il primo, cospicuamente dedicato alla rivisitazione del repertorio younghiano, già era stato documentato da Last Rust… The Best & The Rest, CD pubblicato nel 2008). CD 1: Queste Tracce… Live Mentre erano ancora impegnati in studio per completarne i missaggi, Marco Grompi, Osvaldo Ardenghi, Fulvio Monieri, Massimo Piccinelli e Filippo Acquaviva presentarono in anteprima le nuove canzoni dell’album Dove osano i rapaci (all’epoca ancora inedito) con uno speciale “concerto a sorpresa” nel loro music club preferito. Per l’occasione approntarono uno show interamente cantato in italiano in cui, oltre alla traccia inedita Questa rabbia, proposero anche alcuni brani tratti dal precedente album di “cover d’autore” Dalla polvere e da fuoco per concludersi, nei bis, con Wild Dogs, Soldier of Fortune (da Move Along) e Love and Only Love, irrinunciabile omaggio all’ispiratore originale dei RUSTIES. Il primo CD è la fedele testimonianza (completa di sudore, amnesie e altre umanissime imperfezioni) di quella performance registrata (guarda qui il video completo) sul palco del Druso di Bergamo il 12 maggio 2016. CD 2: Rare & Lost Recordings 2008-2018 Il secondo CD è una raccolta di registrazioni inedite, jam sessions, curiosità e rarità assortite che funge da “racconto alternativo” degli ultimi dieci anni dei RUSTIES. Un viaggio a ritroso nel tempo attraverso performances dal vivo (alcune in formazione acustica), outtakes di studio, collaborazioni inedite e altre registrazioni “di fortuna”, talora con l’amichevole partecipazione di ospiti e amici. Alcune tra le molteplici incarnazioni della formazione bergamasca (questa la line-up fino al 2012: Marco Grompi, Osvaldo Ardenghi, Massimo Piccinelli, Dario Filippi e Paolo Guerini) sono qui rappresentate e ogni traccia è la tessera di un puzzle senza la quale la storia dei RUSTIES sarebbe incompleta. Un percorso costellato di incontri preziosi (la violinista italo-siriana Jada Salem, da anni collaboratrice della band e presente in diverse tracce, tra cui una demo in studio dell’inedita Wintersong), collaborazioni prestigiose (la chanteuse irlandese Mary Coughlan interpreta Baby Please Come Home, inedito tributo a John Martyn registrato in presa diretta nel 2010 durante le sedute in studio per l’album Wild Dogs), amicizie longeve (Cristina Donà, protagonista di una jam session improvvisata durante il soundcheck del festival Notte Sotto Le Stelle sulle note di Sweet Thing di Van Morrison; Veronica Sbergia, special guest in una torrenziale versione live di Down By the River e voce solista in un’informale jam acustica “registrata in cantina” di Soldier of Fortune; Elena Paoletti interprete di un’inedita versione di By Your Side di Ardenghi) e amorevoli tributi (non solo a Young: il traditional Matty Groves proviene da un inedito album tributo ai Fairport Convention ideato dal compianto amico giornalista Ernesto De Pascale; quella di A Day in the Life è l’unica esecuzione pubblica del capolavoro beatlesiano da parte dei RUSTIES in trio acustico). Le versioni improvvisate sul palco di I Shall Be Released (B. Dylan) e Find the Cost of Freedom (S. Stills/CSNY) con il bluesman Robi Zonca e la leggendaria band prog-rock Perdio risalgono a Un Pensiero per Gaza, manifestazione in supporto alla comunità palestinese svoltasi a Bergamo all’inizio del 2009 per invocare la fine del massacro di civili inermi in Medio Oriente. Le immagini riprodotte nel digipack del doppio CD (come anche la versione live di Helpless inclusa nel secondo CD) provengono dal glorioso Café Scheune di Wredenhagen, imponente fienile-rock nelle campagne innevate a nordest di Amburgo, a conclusione di una delle prime acclamate tournée dei RUSTIES in Germania.
_________________________________________________________________________________

STEFANO BAGNOLI - RIMBAUD
  … c’era il periodo in cui leggevo i poeti maledetti, Rimbaud, Baudelaire … erano disperati quei poeti e non so se presagivano quello che poteva essere il nostro tempo. I poeti sono sempre in anticipo sugli eventi. Mario Rigoni Stern

Rimbaud è il nuovo album di Stefano Bagnoli. Pur non essendo il suo primo da leader il disco è il primo registrato in completa solitudine.  SI tratta inoltre a tutti gli effetti dell’esordio a suo nome per la Tǔk Music di Paolo Fresu, e l’uscita è prevista per il 9 marzo 2018.  Bagnoli è già presente nel roster dell’etichetta come componente del Devil Quartet con il quale ha pubblicato due album, Desertico nel 2013 e Carpe Diem che uscirà a febbraio del 2018, e come membro del trio di Dino Rubino e del suo progetto del 2012 dedicato a Miriam Makeba e intitolato Zenzi. Nell’album Bagnoli non si limita alla sola batteria ma si cimenta con pianoforte, tastiere, vibrafono, contrabbasso ed elettronica. Unica concessione è il cameo di Umberto Petrin che nel brano finale ‘Rimbaud Reprise’ recita una frase del poeta che tende a racchiudere la malinconica serenità della vita: “ho teso corde da campanile a campanile, ghirlande da finestra a finestra, catene d’oro da stella a stella, e danzo”. L’album è un omaggio che è quasi una biografia in musica: Bagnoli prende spunto da alcune suggestioni suscitate dalle emozioni ricavate dalla lettura delle sue opere e dei numerosi saggi che lo riguardano, e anche da alcuni avvenimenti chiave nella vita del grande artista francese. Il ritratto che ne deriva è appassionato e coinvolgente. Quella di Rimbaud è una figura che può benissimo essere paragonata a grandi del jazz come Charlie Parker, Thelonious Monk e Louis Armstrong, o anche, per l’intenso ma breve passaggio in questo mondo, a Bix Beiderbecke e Jimmy Blanton. L’immagine di copertina è opera di Errata Carmona, grafico e illustratore di Siviglia, che dopo un inizio da autodidatta intraprende studi formali.  Le sue opere sono uscite tra gli altri su Boston Globe e New York Observer. Non è la prima volta che la scelta dell’autore dell’immagine di copertina cade su un artista internazionale, dopo Karin Kellner, Pilar Cossio e Joanna Gniady, a sottolineare la vocazione globale dell’etichetta.
_________________________________________________________________________________


BLACK SHOP: ESORDIO DISCOGRAFICO PER LA CANTANTE SALENTINA LETIZIA ONORATI
Il disco, arrangiato dal pianista e compositore Paolo di Sabatino, sarà presentato ufficialmente sabato 1 ottobre al Teatro Paisiello di Lecce
Sabato 1 ottobre esce in Italia e all’estero distribuito da Ird e nei migliori store digitali, Black Shop disco d’esordio della giovane cantante leccese Letizia Onorati. Prodotto dall’etichetta Dodicilune nella collana editoriale Koinè, il disco sarà presentato ufficialmente nel giorno dell’uscita (ore 21 – ingresso libero) al Teatro Paisiello di Lecce. Black Shop contiene tredici brani firmati tra gli altri da Duke Ellington, Chick Corea, Miles Davis, Thelonious Monk riproposti dal trio che coinvolge con la cantante anche il pianista Paolo di Sabatino (che ha curato gli arrangiamenti) e la violoncellista Giovanna Famulari. Il tour di presentazione del disco toccherà anche Bari (17 novembre - Kabuki) e Roma (25 novembre - Circolo dell’Antico Tiro a Volo). Il cd è un viaggio sonoro che cronologicamente si svolge tra Softly as in a Morning Sunrise, un tema d’operetta datato 1928, e Black Shop, una canzone che Di Sabatino scrisse nel 2009 per Mario Biondi. «Nel mezzo una manciata di gemme, alcune pescate dal mare di Tin Pan Alley, altre dal golfo del jazz, tutte arrangiate nell’intima dimensione del duo o nella foggia cameristica del trio con violoncello», precisa nell’introduzione al disco il musicologo Luca Bragalini. «Preziosissime le ballad. These Foolish Things (che il jazz ha davvero iniziato ad amare quando Billie Holiday se ne prese cura nel 1936) è omaggiata da una lettura straordinaria così come la performance di Spring Can Really Hang You Up the Most, in cui Letizia Onorati scava con maturità un testo di grande fragilità, che è davvero toccante. Non meno riusciti i brani trascinanti come Joy Spring, in cui le note dello scat son scelte con gusto, Four, virato a samba, o Sweet and Lovely, la vecchia song del 1931, irriverentemente rovesciata in un avvincente gospel; in quest’ultimo titolo l’improvvisazione vocale si appoggia al passaggio al IV di battuta 5 dall’andamento blues per citare il classico Now’s the Time. Di interesse il quadruplo tributo al Duca con una Prelude to a Kiss in 6/8, una It Don’t Mean a Thing carica di groove, una Sophisticated Lady da cui svetta un ispirato solo di piano (misto di forza ritmica e attenta ricerca melodica) ed un inchino ad In a Sentimental Mood che è uno dei momenti più alti di questo disco», prosegue Bragalini. «Qui un severo arpeggio del violoncello ancorato alla scala minore naturale è lo scarno accompagnamento della prima esposizione del tema affidata alla voce; quando il pianoforte fa il suo ingresso nella seconda A il violoncello diventa improvvisamente lirico e cantabile: l’inclemente trenodia cangia in un romantico slow. L’interpretazione vocale è senza sforzo; la Coda, che spegne con delicatezza il capolavoro che Ellington scrisse nel 1935, è assolutamente commovente». Letizia Onorati è una cantante leccese, classe 1992. La sua passione per la musica inizia sin da piccola e all’età di otto anni comincia a studiare canto con l’insegnante Elisabetta Guido. Ha studiato negli anni con importanti esponenti del panorama jazz nazionale e internazionale come Paolo Di Sabatino, Rachel Gould, Mark Sherman, Jerry Bergonzi, Francesco Petreni, Maria Laura Bigliazzi, Mauro Campobasso, Fabrizia Barresi, Bob Stoloff che la sceglie per una borsa di studio e Roberta Gamberini. È stata solista del coro gospel “A. M. Family” e ha partecipato al progetto “Le sacrè en musique” ideato da Elisabetta Guido e dalla manager internazionale della danza Sofia Capestro. Ha collaborato con le cantanti TiaArchitto e Barbara Errico (Italian Jazz Awards 2011) e con il pianista SergioCorbini (docente di piano - Siena Jazz). Attualmente partecipa a progetti con diverse formazioni. Da maggio 2015 avvia un percorso di perfezionamento con la “lady” del jazz Tiziana Ghiglioni. Giovanna Famulari è un’artista triestina, romana di adozione, violoncellista, diplomata presso il conservatorio di Trieste, pianista, cantante e attrice. Nelle sue più recenti esperienze teatrali e cinematografiche ha collaborato con Alessandro Haber, Rocco Papaleo, Maddalena Crippa, Peter Stein, Massimo Venturiello ed altri. Intensa e ricca la sua attività musicale, infatti collabora stabilmente con Ron e Tosca (anche in veste di produttrice e arrangiatrice); ha inciso con Sony Classical “Verdi’s mood” di Cinzia Tedesco. Ha collaborato con Lenny White, Solomon Burke, Luca Barbarossa, Mimmo Locasciulli, Mogol e ha partecipato all’ultimo progetto discografico di Gegè Telesforo “FunSlowRide”. Ha suonato con Danilo Rea, Antonello Salis, Gabriele Choen, Gabriele Mirabassi, Stefano Sabatini, Pietro Iodice e molti altri. Vanta numerose partecipazioni a trasmissioni radiofoniche e televisive per la Rai con cui continua il sodalizio dal 1990. E’ stata protagonista di tournée in Europa ma anche in Argentina, Israele, Palestina, Tunisia, Algeria ecc. Vincitrice del premio “Pavoncella d’oro 2016 alla creatività femminile” per la versatilità dei linguaggi. Paolo Di Sabatino, pianista, compositore e arrangiatore. Nato a Teramo nel 1970, inizia giovanissimo lo studio del pianoforte sotto la guida del padre e si diploma nel 1990 col massimo dei voti, la lode e la menzione speciale, presso il Conservatorio di Bari. Nel 1994, nello stesso Conservatorio, consegue il diploma di Musica Jazz. Dedicatosi esclusivamente al jazz si esibisce con varie formazioni a proprio nome dal “piano solo” all’ottetto. Ha partecipato a numerose trasmissioni radio-televisive (Radio Rai 1,2,3, Radio Capital, Rai News 24, Tg2, Domenica In, La7) e suonato in importanti clubs e festivals, tra i quali ricordiamo: Fano, Pescara, Pomigliano, Urbino, Festival pianistico del Gargano, Lignano, Foggia, Bergamo, Villa Celimontana, Cagliari, Veneto Jazz, Aosta, Ruvo di Puglia, Ai Confini tra Sardegna e Jazz; Lugo Jazz Festival, Salamanca Jazz Festival, Jazz Atlantico (Auditorio de Tenerife) (Spagna); Berlino, Amburgo, Oslo, Goteborg;  Tokyo, Osaka, Shizuoka (Giappone); Novo Mesto, Losanna, Minsk; Mosca, Kursk, Krasnodar, Arkhangelsk, Ekaterinburg, Nizhny Tagil, Nizhniy Novgorod, San Pietroburgo, Kovrov (Russia); Perelik (Bulgaria), Santiago, Chicureo e San Bernardo (Cile), Cordoba e Buenos Aires (Argentina).

Esedra - 3,3 periodico
“3,3 periodico” è il titolo del nuovo disco del progetto Esedra, prodotto dall’etichetta Dodicilune nella collana editoriale Fonosfere, distribuito in Italia e all’estero da Ird e nei migliori store digitali. Il disco contiene otto brani, che si muovono tra funky, fusion, progressive, jazz, improvvisazione e sperimentazione, composti ed eseguiti da Ezio Epaminonda (basso elettrico), Giovanni Giuffrida (chitarra elettrica) e Marco Maria Pennisi (batteria). Il progetto Esedra nasce nel 2005 dall'esperienza decennale di diversi progetti musicali e da subito propone nuove atmosfere mescolando generi e sonorità articolate. Nel corso degli anni il trio siciliano si è esibito in giro per l’Italia dividendo il palco con artisti come Kunsertu, James Taylor Quartet, Mike Stern Band, Victor Wooten Band, Trilok Gurtu Band, Gong, Soft Machine Legacy, Nathalie Philippe Petrucciani Ré, HBC Henderson Berlin Chambers. Nel 2011, dopo uno studio accurato, nasce “Le Macchine di Leonardo”, uno spettacolo che omaggia il genio di Leonardo Da Vinci, con una scenografia costruita con meccanismi dell'inventore. Nel 2012 gli Esedra conquistano l’European Jazz Contest di Capurso e aprono il concerto di Scott Henderson, Jeff Berlin e Dennis Chambers all'Auditorium “Le Ciminiere” di Catania. “3,3 periodico” è il frutto del lavoro degli ultimi anni. “Studi, ricerche, calcoli, teorie, invenzioni, tutto per avere la sol uzione a qualsiasi problema, tutto per la comprensione e il controllo, senza renderci conto che la risposta è proprio lì, a portata di mano, sotto il nostro naso, camuffata di ordinario, di naturalezza. Non c’è bisogno di grandi conoscenze, basta la semplice altruistica pura volontà di farlo. Sovente dimentichiamo che come in alto è in basso, come dentro è fuori, come in piccolo è in grande. Ed ancora più incauti scordiamo che tra forze opposte, una positiva e una negativa, ce n'è sempre una neutralizzante. E guardando in profondità ... 3,333333333333”, spiegano i tre musicisti. “Nell’universo avvengono eventi a prima vista impossibili oltre l’immaginazione umana. Il desiderio è la chiave di azione dei portali spazio temporali che, in un periodo di 12 lune, ci ha reso viaggiatori di 12 ambientazioni extraterrestri per trovare l’equilibrio in noi stessi in armonia con gli altri esseri viventi”. E proprio con 12Lune si apre il disco che prosegue con 3010 L’era dei Mammut quando “il loro passo pesante echeggerà dalle montagne alle valli, sarà un’era di grandi cose. Ritornerà l’era dei giganti”. La grande traversata è “un viaggio tra realtà e immaginazione attraverso monti, valli, mari, fiumi, foreste, deserti e distese di ghiaccio intervallati da ambientazioni futuristiche e allo stesso tempo preistoriche in stile fantasy”. La scaletta procede poi con Ecila, “personalità intensa creativa ed ottimista, come un bambino che ama attirare l’attenzione ed essere in evidenza”, Le macchine di Leonardo, un brano che suggerisce “l’idea dello stupore e dell'angoscia che accompagna l'umanità nel momento in cui riflette sull'Assoluto e fa i conti sul significato ultimo della propria esistenza”. Nftc è una sigla derivata dalle iniziali di un detto siciliano, un inno all’unicità che “spesso abbiamo il bisogno di esprimere uscendo fuori dal gregge,è un grido d’orgoglio per essere noi stessi, nel bene e nel male di essere unici”. Concludono il lavoro discografico La Mutazione e il Buio, un esperimento interamente improvvisato, che contiene tre registrazioni fatte singolarmente in momenti diversi “senza punti di riferimento e senza sapere cosa hanno eseguito gli altri prima. Realizzate di notte al buio, esattamente per trovare lo stato d’animo ideale. Quest’ultimo brano rappresenta la scia di tre che lascia il periodico, tracciando l’infinito”. Ezio Epaminonda, esperto in matematica, appassionato alla fisica relativistica e quantistica, fonda il suo personale metodo di studio attraverso la matematica. Ogni metrica musicale viene quindi vista come una successione numerica, i cui termini sono legati l'uno all'altro dalla magia della  spiritualità. Infatti, la musica viene vista dal bassista come un connubio tra matematica e spiritualità: la prima dà gli strumenti per una corretta definizione dei termini per un approfondito e variegato ascolto del suono attraverso i suoi “assiomi”, la seconda facilita il musicista al distacco dalla vita materiale per il raggiungimento del Dio interno a sé; le due entità, apparentemente opposte e diverse tra loro, si fondono attraverso il confronto, accorgendosi di essere due riflessi di una stessa luce. Sin da piccolo suona la chitarra e il piano, si appassiona al basso all'età di 18 anni, durante il quale passa anche un'esperienza da cantante. Poliedrico, ama le percussioni, ma trova nel basso la profondità dell'anima, che trasmette attraverso le “parole” della matematica. Giovanni Giuffrida, affascinato dalla musica fin dalla nascita come quasi tutti gli esseri viventi, compie a sei mesi le sue prime registrazioni vocali con registratore a cassette. Dopo due mesi di grandi successi un guasto al dispositivo interrompe la quasi avviata carriera di oratore che riprende a 14 anni quando decide di suonare la chitarra. Dopo anni di concerti e collaborazioni con svariati gruppi e artisti in tutto il territorio nazionale nel 2005 si concretizza l’intesa musico-spirituale con gli attuali componenti degli Esedra. Tutto ciò che le parole non riescono a dire la musica lo esprime. Ascoltandola si può viaggiare nel tempo e nello spazio, solo l’anima comprende il suo linguaggio. Dolore, gioia, desiderio, speranza, tristezza, amore, rabbia è un mare di emozioni al di sopra di ogni discorso, ti eleva sia suonarla che ascoltarla. La musica è un’energia magica sempre presente, in verità il musicista non inventa quasi niente, con tanta modestia e grande sensibilità ha il solo compito di dargli voce dalla propria anima attraverso lo strumento. Marco Maria Pennisi, batterista, arrangiatore, compositore e fonico. Endorser delle batterie SONOR e piatti UFIP. Nato a Riposto CT il 13 Gennaio 1974, ha cominciato a suonare la batteria all'età di quattordici anni. Laureato in Batteria e Percussioni Jazz presso l’Istituto Superiore di studi Musicali Vincenzo Bellini di Catania con il massimo dei voti. Ha partecipato al Disma Music Show di Rimini, l’Intexpo: Fiera degli strumenti musicali di Pesaro e Sol Music di Palermo. Ha suonato e collaborato live e in studio con artisti nazionali ed internazionali: Kelly Joyce, Cecilia Gayle, Andrea Mingardi, Nick Luciani (ex voce solista dei Cugini di Campagna), Daniela Pedali, il chitarrista e produttore di F. De Gregori Vincenzo Mancuso, Paola4 feat Viola Valen tino, il pianista jazz Santi Scarcella, Edoardo Guarnera, Gigi Sabani, il cantante inglese Leo Sayer, la cantante maltese Chiara, Stefano Marletta, Francesca Mariani, Lidia Pastorello e Lorenzo Tognocchi di Amici 2012, Orchestra sinfonica di Craiova, Orchestra Samarcanda, Orchestra Kashmire, Esedra, Isabò, Roberta Marchese, Lucio Dalla con la Blue Big Band, Corale Polifonica Jonia. Ha suonato nel Tour siciliano della selezione di Miss Italia 2001 e suonato in diverse trasmissioni televisive: Il brutto anatroccolo su Italia uno, La vita in diretta su Rai 1, Sanremo lab 2006 su Rai1, Insieme su Antenna Sicilia, MTV e SKY. Support musical group: Scott Henderson, Jeff Berlin, Dennis Chembers, Sàrcina (Le Vibrazioni), Povia, Riccardo Fogli, Anna Tatangelo, Paolo Meneguzzi. Batterista, autore, compositore e arrangiatore della Band Le Macchine Volanti, vincitori di Sanremo Lab 2006 (Accademia della musica di Sanremo). Insegnante di batteria presso la Mar co Maria Pennisi Drum School di  Riposto CT, Accordi Music lab a Catania, Istituto comprensivo Giarre 3 CT, Melody and Time a S.Teresa di Riva ME.

LAURA AVANZOLINI - I'M ALL SMILES
Giovedì 10 novembre è uscito in Italia e all’estero distribuito da IRD e nei migliori store digitali, “I’m All Smiles” della cantante Laura Avanzolini. Prodotto dall’etichetta Dodicilune nella collana editoriale Koinè, il disco contiene otto standard, firmati tra gli altri da Arthur Altman, Herbert Martin, George e Ira Gershwin, Billy Strayhorn, Paul Quinichette, Thelonious Monk e Duke Ellington, eseguiti da Fabio Petretti (sax tenore) e Daniele Santimone (chitarra 7 corde). «Per ogni musicista che si confronta con il jazz esiste una questione sempre aperta, vale a dire, come affrontare gli standard. Un terreno tanto esteso e accogliente che diventa però immediatamente infido per chi lo percorre dando per scontato il valore e il significato dei vari brani», sottolinea il giornalista e scrittore Fabio Ciminiera nelle note di copertina. «Laura Avanzolini sceglie, per il suo disco di esordio come leader, di affrontare il punto senza maschere né stilemi. E lo fa mettendo a fuoco alcuni punti essenziali: l'arrangiamento dei brani, grazie ad un lavoro curato; la presenza nel trio di due musicisti, come Fabio Petretti e Daniele Santimone, esperti e solidi nel loro approccio al linguaggio; la necessità di far passare nella voce complessiva del trio l'attenzione costante al tessuto ritmico e armonico dei brani», prosegue. «E se la questione non si esaurisce mai, come si diceva all'inizio, la risposta arriva nella pratica dai tanti piccoli tasselli con cui la c antante affronta e supera di fatto i vari rischi che si incontrano nel mettere mano al repertorio degli standard. Una sintesi fatta di impasti timbrici, di incroci melodici, una continua applicazione nel dare forza e risalto alle attitudini del trio e alle inclinazioni dei suoi singoli componenti». Laura Avanzolini, classe 1985, si avvicina giovanissima alla musica grazie allo studio del pianoforte e della chitarra, per poi approdare allo studio del canto e del jazz con Martina Grossi. Diplomata con il massimo dei voti e la lode in Canto Jazz al Conservatorio “Gioacchino Rossini” di Pesaro sotto la guida di Bruno Tommaso. Attualmente è iscritta al Biennio in Canto Jazz del Conservatorio “G. Martini” di Bologna. Parallelamente studia inglese e spagnolo grazie alla laurea in “Comunicazione Interlinguistica Applicata”, conseguita presso la Sslmit di Forlì. Approfondisce l'universo della voce grazie al Corso Universitario di Alto Perfezion amento in Vocologia Artistica. Ha studiato con Roberta Gambarini, Rachel Gould, DianaTorto, John Taylor, Joey Blake, Maria Pia De Vito, Cristina Zavalloni, Amy London, Cinzia Spata, Sheila Jordan, Cameron Brown. Insegna canto jazz presso il Conservatorio “J. Tomadini” di Udine. Insegna canto jazz presso i corsi pre-accademici del Conservatorio “B. Maderna” di Cesena (Fc). Ha inciso “Skylark” (Zone di Musica, 2013), insieme a Michele Francesconi, Giacomo Dominici e Marco Frattini. Dal 2011 collabora con la Colours Jazz Orchestra diretta dal M° Massimo Morganti, con la quale ha inciso il disco “Quando Mi Innamoro In Samba” (Egea, 2013). Daniele Santimone, studia in Italia con Riccardo Manzoli ed Antonio Cavicchi presso la Scuola di Musica Moderna dell'Associazione musicisti di Ferrara. Dal 1997 al 1999 risiede a Boston per seguire i corsi del Berklee College of Music dove studia con, tra gli altri, Mick Goodrick, Jim Kelly, Jon Damian e G eorge Garzone e si specializza in arrangiamento, composizione e performance ottenendo un Bachelor's Degree in Professional Music. Partecipa inoltre a seminari tenuti da John Basile, Bruce Forman, Wayne Krantz, Peter Bernstein, Esterhàzy String Quartet, Christian McBride, Mulgrew Miller, Pat Metheny e Paolo Fresu. Nel 2011 consegue il diploma accademico di II livello presso il Conservatorio Statale di Musica di Rovigo “F.Venezze”. Dai primi anni novanta ha militato in varie formazioni e ha suonato (tra gli altri) con Roberto Gatto, Flavio Boltro, Matthew Garrison, Jesse Davis, Dario Deidda, Gabriele Mirabassi, Fabrizio Bosso, Stefano Di Battista, Rosario Bonaccorso, Daniele Scannapieco, Luca Mannutza, Giovanni Amato, Lorenzo Tucci, Michael Baker, Ivano Borgazzi, Claudio Fasoli, Robert Bonisolo, Carlo Atti, Roberto Rossi, Tom Kirkpatrick, Alfonso Santimone, Francesco Bigoni, Danilo Gallo, Zeno De Rossi, Stefano Senni, Stefano Bedetti, Walter Paoli, Piero Odorici, Karl Potter, Pat rizio Fariselli, Mario Feres, Orchestra del Conservatorio Verdi di Milano, Orchestra città di Ferrara. Ha partecipato a festival tra i quali Umbria Jazz Winter, Veneto Jazz, Crossroads, Mantova Music Festival, IJazz di Amsterdam, Estival di Lugano e calcato i palchi di numerosi teatri italiani tra cui il Teatro Regio di Parma e Teatro degli Arcimboldi di Milano. Insegna chitarra, musica d’insieme e teoria presso diverse associazioni e istituti tra cui, la Scuola Comunale di Musica "G. Sarti" di Faenza dove insegna dal 2001. Nel 2007 viene chiamato a far parte del corpo docenti presso il Conservatorio “G.Frescobaldi” di Ferrara in qualità di assistente per i corsi Jazz triennali di I Livello. Opera inoltre come traduttore e collaboratore per i seminari di artisti quali John Abercrombie, Scott Henderson, Ralph Alessi, Roberto Gatto, Matthew Garrison e Stefano Battaglia. Dal 2011 è parte del corpo docente del “Conservatorio Statale di Musica C.Pollini” di Padova dove è or a titolare della cattedra di chitarra jazz. Fabio Petretti, sassofonista compositore, arrangiatore e direttore d’orchestra diplomato in clarinetto, saxofono e musica jazz. Ha collaborato come performer con vari musicisti fra i quali Evan Parker, Kenny Wheeler, Slide Hampton, Jimmy Cobb, George Russell, Gato Barbieri, Bruno Tommaso, Diana Torto, Stefano Bollani, Marco Tamburini, Paolo Fresu, Enrico Rava, Fabrizio Bosso, Franco Cerri, Tomaso Lama, Simone Zanchini, Achille Succi. Negli anni ha sviluppato metodi didattici molto efficaci che l’hanno portato a insegnare in vari seminari e corsi. Dal 1995 è docente di saxofono di ruolo presso i conservatori. Nel 2010 ha fondato la “Italian Jazz Orchestra” un gruppo flessibile composto da circa 25 elementi (archi, fiati e ritmica) per la quale a composto e diretto una suite dal titolo “Crystal Wall Jazz Suite”. Dirige e collabora con diversi gruppi fra i quali: il Quartetto di saxofoni “Trip Saxo phone Quartet” con Achille Succi, Marco Ferri e Dario Cecchini, “MJB” big band di 18 elementi attiva da oltre quarant’anni, “Italian Tunes” duo con il talentuoso pianista Michele Francesconi, “Fabio P3T Quartet” con Paolo Ghetti contrabbasso, Paolo Birro piano e Stefano Paolini batteria, “Fabio Pe3tti Trio” con Massimo Manzi alla Batteria, “Barbara Casini e Fabio Petretti Duo”  voce, chitarra e saxofoni. La forte personalità di P3T votata da sempre alla ricerca si alimenta percorrendo diverse strade: performativa, compositiva, didattica.

IN USCITA DOUX DÈSIRS DELL'INEDITO DUO COMPOSTO  DAL FRANCESE MICHEL GODARD E DALL'EGIZIANO IHAB RADWAN
Martedì 7 febbraio esce in Italia e all’estero distribuito da Ird e nei migliori store digitali, "Doux Dèsirs" il nuovo lavoro del duo composto da Michel Godard e Ihab Radwan. Un progetto originale che unisce suggestioni francesi, italiane ed egiziane. Uno sguardo al passato remoto e uno al futuro anteriore attraverso il prisma e le mille facce del jazz. Musica classica e suggestioni arabe e su tutto un interpl ay vivido e fertile. Le composizioni dei due musicisti hanno molti punti in comune: la modalità, gli ornamenti, la spontaneità ma soprattutto l'improvvisazione, che è la chiave di volta di questa collaborazione. Michel Godard ammalia con il suo serpentone, morbido, setoso, molto vicino alla voce; al basso tuba suggerisce linee, pensieri, traiettorie. L'oud, il liuto arabo, di Ihab Radwan si fa canto, sussurro, racconta. Affabula. Insieme, essi immaginano una musica senza barriere, bella e flessibile, proiettata fuori del tempo. L'incontro è creativo, necessario. Accende il desiderio. Doux Dèsirs è la prima uscita di un 2017 che per la Dodicilune si preannuncia intenso e ricco di nuove produzioni nazionali e internazionali.

TWELVE COLOURS AND SYNESTHETIC CELLS: GIANLUIGI TROVESI E UMBERTO PETRIN, DOPO DIECI ANNI, TORNANO INSIEME PER UN NUOVO PROGETTO DISCOGRAFICO
Martedì 14 febbraio esce in Italia e all’estero distribuito da Ird e nei migliori store digitali, “ Twelve Colours and Synesthetic Cells” il nuovo lavoro discografico - a dieci anni da “Vaghissimo Ritratto” - del duo composto dal sassofonista e clarinettista Gianluigi Trovesi e dal pianista Umberto Petrin. Il nume tutelare di riferimento è Alexander Skrjabin (Mosca 1872 - 1915) che i due musicisti “usano” come semplice pretesto iniziale per un dialogo suddiviso in molte vignette dalla notevole intensità. A nove brani ispirati a frammenti di preludi skrjabiniani si alternano, infatti, dodici improvvisazioni ispirate alla nota tabella sinestetica che il compositore russo aveva creato inventando un legame tra lo spettro dei colori e il carattere espressivo della musica da lui composta. «Umberto Petrin e Gianluigi Trovesi sono due spericolati giocolieri del pentagramma, sempre pronti a gettarsi in avventure che evitano con leggerezza e bravura i luoghi comuni e le banalità, prendendo spunto da musiche di epoche diversissime per realizzare una sintesi di linguaggi sempre personale e ricca di spunti interessanti e creativi», sottolinea nelle note di copertina Carlo Boccadoro. «Petrin è pianista sopraffino, dotato di un bellissimo suono che disegna panorami quasi “cinematografici” per ampiezza e capacità di colori; a questa abilità strumentale bisogna aggiungere una curiosità intellettuale che lo porta ad apprezzare musiche diversissime, dal free di Ornette Coleman al funk degli Chic; uguale apertura di orizzonti si ritrova nella personalità di Trovesi, che alternando diversi colori strumentali (clarinetto contralto, sax contralto, clarinetto piccolo) trova linee sempre inconfondibili, personali, dove il gusto dell'ironia e dello scherzo così tipici del suo stile si alternano a momenti che si riallacciano più strettamente alla tradizione jazzistica tout court. Anche Gianluigi spazia dalla musica rinascimentale al jazz più sperimentale, senza però realizzare minestroni stilistici improbabili ma, anzi, tenendo sempre ben salda la capacità di osservarne le più diverse sfaccettature per ricavarne suggestioni nuove». Il carattere di molti pezzi presenti nell'album non ha nulla di “non-finito” o di parziale, ognuno è un gioiello perfettamente cesellato e completo in se stesso, dove l'eco lontana delle armonie skjabiniane si stempera in quella del linguaggio jazzistico senza c he questo abbia nulla di artificioso. «Per musicisti di questo livello è normale confrontarsi con mondi diversi e muoversi al loro interno con assoluta naturalezza. Rispetto alle scorribande barocche del loro precedente album Vaghissimo Ritratto vi è qui una maggiore asciuttezza di approccio, le linee melodiche sono più angolose e sagomate e le atmosfere sono meno sognanti. La pulsazione ritmica, che nel precedente lavoro veniva quasi interamente abbandonata a favore di un lirismo quasi estatico, viene ripresa con vigore creando incastri di notevole virtuosismo e groove. Qualche suggestione di valzer fa capolino con garbo ogni tanto, convivendo pacificamente con le formule ritmiche derivate dal mondo dell'hip-hop che all'inizio del disco appaiono assieme alla voce del grandissimo poeta Osip Mandelstam' (un modo per ricordarci che Petrin è grande appassionato di poesia e autore di versi)», continua Boccadoro. Le dodici improvvisazioni hanno «un carattere decisamente più astratto degli altri pezzi, ma riescono a non perdere un grammo della loro comunicatività grazie all'intesa telepatica tra i due musicisti, che li porta sempre ad ascoltare i più piccoli dettagli di fraseggio per restituirli reciprocamente arricchiti di nuova invenzione; i due musicisti evitano l'approccio “muscolare” e competitivo di troppi dischi in duo apparsi sulla scena negli ultimi anni, preferendo suonare unicamente lo stretto necessario, lasciando spazio uno all'altro con generosità. Le tessere di questo coloratissimo mosaico musicale alternano stati d'animo assai differenti formando però un'architettura di rara compattezza e soli dità, che grazie alla freschezza improvvisativa dei due protagonisti passa in un lampo, facendo immediatamente voglia di ricominciare da capo l'ascolto del disco».

LA MUSICA E LA CULTURA CUBANA E BRASILIANA PROTAGONISTE 
DELLE NUOVE USCITE "PUGLIESI" DELL'ETICHETTA DODICILUNE
Adriano Clemente propone “Havana Blue”, un progetto di composizioni ispirate dalla musica di Bebo Valdes, Mario Bauza, Tito Puente, Mongo Santamaria e altri giganti della musica latina tradizionale. Una celebrazione della musica popolare brasiliana dall'inizio del XX secolo ad oggi: MPB! è il nuovo disco del duo composto dalla cantante Paola Arnesano e dal fisarmonicista Vince Abbracciante. Lunedì 20 febbraio, dopo "The Mingus Suite”, prosegue la collaborazione tra l'etichetta e il compositore e arrangiatore leccese Adriano Clemente con “Havana Blue”, un progetto di composizioni ispirate dalla musica di Bebo Valdes, Mario Bauza, Tito Puente, Mongo Santamaria e altri giganti della musica latina. Il lavoro nasce, infatti, dall'amore di Clemente per la cultura e la musica cubana e prende forma proprio in seguito ad alcuni viaggi nell'isola caraibica, dove il progetto è stato interamente registrato insieme ad una nutrita compagine di artisti cubani. Il cd ospita Santiago Ceballos (tromba), Heikel Trimiño (trombone), Yuniet Lombida e Victor Guzman (sax alto/baritono), Emir Santa Cruz (sax tenore e clarinetto), Leyanis ValdÉs (piano), Yandy Martinez (contrabbasso), Augusto Lage (congas), Lennon Ruiz (timbales, snare drum, claves) e Adel Rodriguez (bongos, maracas, güiro, cowbell). Martedì 21 febbraio sarà in distribuzione MPB! della cantante Paola Arnesano e del fisarmonicista Vince Abbracciante, una celebrazione della musica popolare brasiliana dall'inizio del XX secolo ad oggi. Antônio Carlos Jobim diceva che "la tristezza e la nostalgia hanno la stessa dignità della felicità, perché condividono la stessa bellezza". La musica popolare brasiliana (o MPB) è intrisa di questi sentimenti e stati d'animo quasi viscerali che ne caratterizzano il popolo: dalla "tristeza" alla "felicitade", dalla "saudade" (nostalgia) allo "choro" (pianto). Priva di rabbia o voglia di ribellione, racconta più spesso lo struggimento per la terra, la natura, la storia, con grande poesia, uso di luoghi comuni, ironia e molto divertimento. Il canto eclettico di Paola Arnesano si sposa a tutto questo, accompagnato dalla maestria del fisarmonicista Vince Abbracciante, che  ricorda la fisarmonica come lo strumento storico della musica popolare brasiliana. Attraverso contaminazioni personali che non alterano la dignità dello stile raccontano "o choro", "o baiao", "o samba", "a bossanova", da Pixinguinha a Gonzaga, da Sivuca a Gismonti, da Barroso a Buarque.

JOHN TAYLOR, PAUL MCCANDLESS, PIERLUIGI BALDUCCI E MICHELE RABBIA RILEGGONO DIECI BRANI DEL REPERTORIO DEL PIANISTA BILL EVANS 
Evansiana è il secondo progetto discografico del quartetto. Circa quattro anni dopo "Blue from Heaven", martedì 28 febbraio il disco - pubblicato, come il precedente, dalla Dodicilune Records con il coordinamento di Balducci e la produzione di Gabriele Rampino, direttore artistico dell’etichetta salentina - esce in Italia e all’estero distribuito da Ird e nei migliori store digitali. “Evansiana” è inevitabilmente legato al ricordo della grande figura artistica di John Taylor, scomparso nel luglio 2015 poco dopo la registrazione del cd, probabilmente il vero continuatore dell'estetica e del pianismo di Evans.  Dopo l'uscita di "Doux Dèsirs" di Michel Godard e Ihab Radwan, “Twelve Colours and Synesthetic Cells” di Gianluigi Trovesi e Umberto Petrin, “Havana Blue” di Adriano Clemente e MPB! di Paola Arnesano e  Vince Abbracciante, prosegue il 2017 dell'etichetta salentina Dodicilune che si preannuncia intenso e ricco di nuove produzioni nazionali e internazionali. La quinta e ultima uscita di febbraio è “Evansiana”, un’antologia di dieci brani del repertorio di Bill Evans, secondo progetto discografico del quartetto composto dal pianista britannico John Taylor, dal fiatista statunitense Paul McCandless, dal bassista pugliese Pierluigi Balducci e dal percussionista piemontese Michele Rabbia. Circa quattro anni dopo “Blue from Heaven”, martedì 28 febbraio il disco - con il coordinamento di Balducci e la produzione di Gabriele Rampino, direttore artistico della Dodicilune - esce in Italia e all’estero distribuito da Ird e nei migliori store digitali. “Evansiana” è inevitabilmente legato al ricordo della grande figura artistica di John Taylor, scomparso nel luglio 2015 poco dopo la registrazione del cd, probabilmente il vero continuatore dell'estetica e del pianismo di Evans. In scaletta sette brani firmati dal musicista statunitense (Very early, Re: person I knew, Time remembered, Turn out the stars, B winor waltz - for Elaine, Children play song, Epilogue) e altri tre pezzi del suo repertorio, firmati da Bernstein/Comden/Green (Some other time), Kenny Wheeler (Sweet Dulcinea Blue) e Miles Davis (Blue in green). «Nel corso del 2014 Gabriele Rampino mi aveva ripetutamente invitato a realizzare una nuova incisione con lo stesso quartetto del mio precedente disco. E in estate ebbi l’idea di coinvolgere tutti in un'antologia di Bill Evans. Mi parve eccitante il pensiero che John si cimentasse con una rilettura del pianista americano che più ha distillato nel suo pianismo ingredienti di riconoscibile ascendenza europea», ricorda Balducci. «Mi entusiasmai anche all'idea che il lirismo di Paul, con il suo suono splendido, potesse rendere le composizioni di Evans ancora più scolpite e cesellate. E che la sensibilità e la poetica leggerezza di Michele potesse sostenerlo con il suo tipico approccio asservito all’armonia, alla melodia, al dialogo anche sussurrato. Io sarei riuscito così a dedicare un disco alle composizioni di Evans che avevano per me un profondo significato affettivo e nostalgico», prosegue. «Per me significava chiudere un cerchio, tornando su quel meraviglioso incontro, sempre rinnovato nel mondo del jazz, tra la componente africana e quella europea. Ma in fondo, ne sono convinto, lo era anche per i miei compagni di avventura. Così, chiesi ai miei compagni di viaggio di proporre due o tre brani ciascuno. Così è nato “Evansiana”. Racconta la storia di quattro m usicisti che forse non vedevano l'ora di poter suonare Bill Evans. Due di loro, i più giovani, sono cresciuti anche ascoltando i dischi dei due più anziani, e tutti insieme hanno rimescolato le proprie storie e le proprie carte. Questo disco narra di un felice incontro durato pochi anni e dell'effimera bellezza della vita. Questo disco è un frammento di eternità. È consapevolezza che anche se tutto scompare e svanisce, l'arte, che è spiritualità immanente nelle cose, resta». «Oltre che il suo pianismo, anche il repertorio compositivo di Evans ha ispirato, forse con qualche ritardo, musicisti di varia estrazione; ma, dopo il progetto di Paul Motian con Joe Lovano e Bill Frisell (Jmt, 1990), una formula  di questa cifra artistica, con un suono di gruppo davvero unico e irripetibile, non si era mai ascoltata», precisa Gabriele Rampino. «Pur nel ruolo centrale assunto in modo del tutto naturale dal piano di Taylor, che armonicamente sviluppa ed estende significativamente il vocabolario di Evans, il quartetto è fortemente caratterizzato dal suono e dallo stile inconfondibile di Paul McCandless,  che conferisce al songbook evansiano un mood a-la-Oregon. La ritmica sublime di Balducci e Rabbia dona anticonvenzionalità e freschezza all'ensemble, che esplora le ricche e spesso difficili armonie evansiane  in una sfida vinta con naturalezza».

LA GIOVANE CANTANTE TARANTINA ANTONELLA CHIONNA TORNA CON RYLESONABLE, UN PROGETTO NATO DALL'INCONTRO CON IL MUSICISTA STATUNITENSE PAT BATTSTONE  
Dopo l'uscita di "Doux Dèsirs" di Michel Godard e Ihab Radwan, “Twelve Colours and Synesthetic Cells” di Gianluigi Trovesi e Umberto Petrin, “Havana Blue” di Adriano Clemente, "MPB!" di Paola Arnesano e  Vince Abbracciante, ed “Evansiana”, un’antologia di dieci brani del repertorio di Bill Evans del quartetto composto da John Taylor, Paul McCandless, Pierluigi Balducci e Michele Rabbia, prosegue il 2017 dell'etichetta salentina Dodicilune che si preannuncia intenso e ricco di nuove produzioni nazionali e internazionali. Martedì 7 marzo esce in Italia e all’estero distribuito da Ird e nei migliori store digitali, “Rylesonable” di Antonella Chionna. Nel suo terzo progetto discografico, sempre firmato Dodicilune, la scrittrice, musicista, cantante e improvvisatrice tarantina è affiancata dal pianista, compositore e improvvisatore statunitense Pat Battstone (steinway piano, fender rhodes), con il quale da alcuni anni ha avviato un'interessante collaborazione musicale tra l'Italia e gli Stati Uniti. Completano la line up il contrabbassista Kit Demos e il vibrafonista e percussionista Richard Poole. Rylesonable - nato nel corso di un tour della Chionna negli Stati Uniti e registrato nel Rear Window Studio di Brookline - è un disco che fonde standard, avanguardia, poesia e libera improvvisazione. Otto dei dodici brani in scaletta nascono proprio dalla collaborazione tra i quattro musicisti (“Under a Persian Sky”, “Thanatos”, “As The Morning Drifts Away”, “Lady Of The Waters”, “Nell'Urna Molle e Segreta”, “Ciao Ciao Andante”, “Oasis”, “Rimpiattino Mannaro”). Completano la tracklist “Sophisticated Lady” di Duke Ellington, Ir ving Mills e Mitchell Parish, “Lover Man / Nature Boy” di Jimmy Davis, Roger Ramirez, James Sherman ed Eden Ahbez, “Fida (to Carla)” con testo della Chionna su musica del chitarrista e compositore pugliese Gabriele di Franco, e “Rather Life”, liberamente ispirato da un poema di André Breton. Sabato 11 Marzo (ore 21) nel Teatrino di Corte della Villa Reale a Monza e domenica 12 marzo (ore 17) al Bezzecca Lab di Milano, la cantante parlerà del disco e delle sue opere nell’ambito di due appuntamenti dedicati alla poesia e alla scrittura pugliese. Classe 1990, Antonella Chionna è una scrittrice, musicista, cantante e improvvisatrice tarantina, e, nonostante la giovane età, ha già al suo attivo altri due dischi sempre con l’etichetta discografica Dodicilune. “Adiafora” e "Halfway to dawn (sing a song of Strayhorn)" che hanno ricevuto ottime recensioni da prestigiose riviste culturali di settore. Ha pubblicato due libri di poesia per Lietocolle; le sue altre opere sono state incluse in varie antologie e canali divulgativi italiani di poesia e musica. Patrick Battstone è un pianista, compositore e impr ovvisatore americano. Negli ultimi due decenni, ha collaborato con diverse realtà musicali. Le sue ultime uscite discografiche, “The last Taxi”, “Beyond the Horizon” e “From dream to dream”, hanno avuto un grande successo di critica e hanno tracciato per più settimane le classifiche di jazz americano, raggiungendo la top 15. Quando non suona, Patrick lavora come ingegnere al Draper Labs di Cambridge.

NOW: NUOVO PROGETTO DISCOGRAFICO PER IL BATTERISTA, VIBRAFONISTA E COMPOSITORE ROMANO CLAUDIO PISELLI 
Dopo l'uscita di "Doux Dèsirs" di Michel Godard e Ihab Radwan, “Twelve Colours and Synesthetic Cells” di Gianluigi Trovesi e Umberto Petrin, “Havana Blue” di Adriano Clemente, "MPB!" di Paola Arnesano e  Vince Abbracciante,  “Evansiana”, un’antologia di dieci brani del repertorio di Bill Evans del quartetto composto da John Taylor, Paul McCandless, Pierluigi Balducci e Michele Rabbia, e “Rylesonable” della cantante tarantina Antonella Chionna, prosegue il 2017 dell'etichetta salentina Dodicilune che si preannuncia intenso e ricco di nuove produzioni nazionali e internazionali. Dal 21 marzo è in distribuzione in Italia e all’estero nel circuito Ird e nei migliori store digitali, Now del batterista, vibrafonista e compositore romano Claudio Piselli. A cinque pezzi inediti si aggiunge un’originale versione di “Giant Steps” di John Coltrane nel quale spicca il sax baritono di Marco Guidolotti. La line up è completata dalla chitarra synth di Daniele Siscaro (nel brano di apertura) e dal contrabbasso di Giuseppe Talone. “Un istante è sempre un mondo nuovo, un’occasione irripetibile per fidarsi delle nostre infinite capacità”, sottolinea Piselli. La tracklist si apre con Go e prosegue con Magic Pivot, che racconta il perenne equilibrio tra dovere e piacere, tra quel che sembriamo e quel che siamo, tra finzione e verità. Now "è un punto preciso nel tempo, piantato con il chiodo nel muro della vita. Il martello delle scelte batte impetuoso e fissa l’istante. D’ora in poi sarà un mondo nuovo, un modo diverso di vedere il quadro di me stesso. La musica è cornice, io sono la forma, voi mettete il colore”, racconta il compositore. Dopo Giant Steps di John Coltrane il disco si chiude con Tiramisù (“Le scelte sono come il tiramisù meno ne hai, più ne vorresti. Il tiramisù è la mia decisione di piacere, e per piacere datemi un’altra fetta”) e Oilà ("Un tribale battito cardiaco, la festa della foresta nel cuore antico dei sentimenti, è il rientro dal viaggio, è il ritmo dell’abbraccio, è la fine del percorso, è l’inizio di un nuovo viaggio”). Claudio Piselli inizia gli studi di batteria con il Maestro Lorenzo Tucci successivamente si iscrive al Conservatorio di Frosinone dove consegue il diploma di Strumenti a Percussione sotto la guida di Antonio Caggiano. Sin dagli inizi orienta i suoi interessi verso il jazz e il repertorio classico-sinfonico. Vanta numerose collaborazioni come percussionista sia in orchestra sia in  formazioni cameristiche, tra cui l’Ensemble Algoritmo diretto da Marco Angius. Con l'Ensemble Sixe conquista il Premio Cosima Listz e partecipa alla rassegna "Settimane all'avanguardia" all'Auditorium del Conservatorio "Santa Cecilia" di Roma. Ha lavorato con l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia e il Teatro San Carlo di Napoli. Come solista suona presso l'Aula Magna di Roma Tre, con programmi dedicati al "Novecento Musicale nel continente americano", eseguendo autori Cole Porter, G. Gershwin, N. Rosauro, J. Cage e S. Reich. Ha lavorato con Luis Bacalov, Ennio Morricone Nicola Piovani, esibendosi con quest’ultimo in diversi Teatri in Cina. Ha suonato in Orchestra per trasmissioni televisive e spettacoli teatrali insieme a Cristian de Sica ed Enrico Montesano. Suona il vibrafono in diverse formazioni di Jazz e vanta numerose collaborazioni le ultime con Giampiero Locatelli, Andrea Nunzi, Leonardo Borghi, Marco Guidolotti, Emanuele Urso, Abu Djigo, Marco Tiso, Maurizio Abeni.

CERCLE MAGIQUE TRIO - Cercle Magique
Il chitarrista Nando di Modugno, il bassista Viz Maurogiovanni e il batterista Gianlivio Liberti sono i protagonisti di "Cercle Magique", nuovo progetto discografico firmato Dodicilune. Il disco, che nasce dall’incontro di tre personalità musicali molto diverse fra loro, ma straordinariamente combinate in un dialogo a voce sommessa, sarà disponibile da domenica 23 aprile nei migliori store digitali e dal 7 maggio sarà distribuito da Ird in Italia e all’estero. Cercle Magique sarà presentato ufficialmente con tre concerti al Ladisa in Jazz di Valenzano (23 aprile), all'Osteria Malatesta di Matera (28 Aprile) e al Moonlight di Bari (7 Maggio). Un viaggio tra il mistic o e l’esoterico, che conosce la sensualità della terra e del fuoco e il battesimo dell’acqua. Ogni traccia evoca paesaggi suggestivi, universi onirici e straniati, che declinano naturalmente dal rarefatto al fisico, senza eccessi. I temi si fanno morbidi, i tempi lenti, e accompagnano l’ascoltatore in atmosfere soffuse e godibili. Gli interventi elettroacustici personali dei tre, le suggestioni jazz e un incalzante retropensiero funk-rock conquistano al primo ascolto. Dal torpore alla vita: tutto si anima all’improvviso nelle linee tratteggiate del basso e nelle vibrazioni incessanti delle percussioni. È l’emersione di un altro tempo, di un’altra dimensione.

SINCRETICO È IL NUOVO PROGETTO DISCOGRAFICO DEL FISARMONICISTA E COMPOSITORE PUGLIESE VINCE ABBRACCIANTE
Venerdì 5 maggio esce per Dodicilune - distribuito in Italia e all’estero da Ird e nei migliori store digitali - Sincretico, nuovo progetto discografico del fisarmonicista e compositore pugliese Vince Abbracciante. L'uscita del disco sarà accompagnata da un tour di concerti che prenderà il via giovedì 4 maggio da Castellana Grotte e proseguirà venerdì 5 maggio nella Chiesa della Graziella di Napoli, sabato 6 maggio al Caffè Letterario di Conversano per “Il libro possibile”. Da sabato 13 a venerdì 19 maggio il musicista sarà in Brasile per tre concerti a Belo Horizonte (13 maggio al Festival Internazionale Fisarmonica) e Rio De Janeiro (18 maggio al Bar Semente e 19 maggio all’Istituto di Cultura Italiana). Altri appuntamenti a Bari (31 maggio), Muro Leccese (21 luglio), Matera (11 agosto) e Castelfidardo (15 settembre). Sincretico - un concept album di otto composizioni originali per fisarmonica, chitarra e quintetto d'archi - sfugge a un'unica definizione di genere e rappresenta una sintesi delle esperienze musicali in cui Abbracciante si è misurato nel corso della sua attività artistica. Il jazz, la musica popolare brasiliana, la canzone italiana, il tango, la musica classica, le colonne sonore, la musica balcanica e le collaborazioni in orchestra, confluiscono in un magma emozionale che caratterizza l'intero lavoro. Un meltin’ pot di suggestioni e atmosfere "mediterranee". Spinto, audace, magnetico, materico, che sconfina. Come il virtuosismo di Vince Abbracciante e del suo accordéon, sostenuto dal passo discreto della chitarra di Nando Di  Modugno, dal contrabbasso di Giorgio Vendola e dalla texture vellutata degli archi dell’Alkemia Quartet composto da Marcello De Francesco e Leo Gadaleta (violino), Alfonso Mastrapasqua (viola) e Giovanni Astorino (violoncello). Si vola da un’idea all’altra, in una tensione permanente, che continua ad avvertirsi anche nella distensione elegante dei temi. È un viaggio senza meta, una corsa verso la luce, che intriga, appassiona e coinvolge, in tutta la sua fisicità.  “Vince Abbracciante: è la stella nascente della fisarmonica in Italia, dotato di una tecnica notevole, un senso profondo del blues e dello swing. Padroneggia la fisarmonica come pochi e suona con talento qualsiasi genere musicale”, si legge nel Dizionario del Jazz Italiano di Flavio Caprera (Feltrinelli, 2014). “Sincretico” apre le porte di un mondo sonoro caleidoscopico e appassionante. “Chi più mi ha impressionato è un giovane italiano, originario della Puglia: si chiama Vince Abbracciante. In ogni brano mi ha imbarcato in una storia e commosso”, disse di lui Richard Galliano (Jazzman, 2005). Classe 1983, originario di Ostuni, a otto anni intraprende gli studi musicali con il padre Franco e con Annibale Sanese. Diplomato in musica jazz al Conservatorio “Nino Rota” di Monopoli sotto la guida di Gianni Lenoci e laureato in fisarmonica classica con lode e menzione speciale al Conservatorio Egidio Romualdo Duni di Matera con Gian Vito Tannoia, ha frequentato master class, seminari, corsi con Franco D’Andrea, Bruno Tommaso, Richard Galliano, Joelle Leandre, Steve Potts, Roberto Gatto, Dado Moroni, Jacques Mornet, Rosario Giuliani. Dal 2000 è testimonial delle fisarmoniche Borsini di Castelfidardo. Si è esibito in festival e jazz club in tutto il mondo suonando con numerosi musicisti (Juini Booth, John Medeski, Richard Galliano, Marc Ribot, Javier Girotto, Gabriele Mirabassi, Flavio Boltro, Carlo Actis Dato, Lucio Dalla, Ornella Vanoni, Jenny B, Heidi Vogel). Nel 2006 si avvicina alle tastiere vintage, come l’organo Hammond, Farfisa, Rhodes dando sfogo alla sua vena creativa e psichedelica. Nel 2009 progetta insieme a Carlo Borsini un nuovo sistema per il cambio dei registri della fisarmonica, che permette di ampliare la gamma sonora del suo strumento. Ha scritto colonne sonore per i film del regista Gianni Torres e ha pubblicato vari cd con The Bumps (Davide Penta & Antonio Di Lorenzo) e con Giuseppe Delre (Different Moods, 2011), Paola Arnesano (Tango!, 2012 e MPB, Dodicilune 2017) e Alessandro Palmitessa (Duobanda, 2014). Nel 2012 è uscito anche “Introducing”, nel quale è affiancato tra gli altri da Juini Booth e Roberto Ottaviano. Nella sua carriera ha conquistato numerosi premi nazionali e internazionali. L'Alkemia Quartet nasce nel 2016, cominciando la sua attività concertistica collaborando con Jeremy Cohen (del Quartet San Francisco). Progetto "crossover" nel solco del Turtle Island String Quartet (NY), si caratterizza per la sua versatilità dal jazz al pop al contemporaneo. Di prossima pubblicazione un disco contenente l'integrale dei quartetti per archi di Giovanni Sollima. Nando di Modugno, cresciuto in un ambiente musicale (il padre e il fratello maggiore sono musicisti) ha proseguito la sua formazione nel Conservatorio di Bari con Linda Calsolaro diplomandosi con lode, quindi con Alirio Diaz, con Josè Tomas e, all' Accademia Chigiana di Siena ed alla Musik Akademie di Basilea (Solisten Diplom), con Oscar Ghiglia. L’interesse particolare per le diverse forme di espressione musicale gli hanno consentito di svolgere una intensa e varia attività concertistica e di collaborare con musicisti di differenti estrazioni (Nicola Piovani, Ennio Morricone, Howard Shore, Peter Eotvos, Daniele Gatti, Pierre Favre, Bobby McFerrin, Arnoldo Foà, Fabrizio Bosso, Gabriele Mirabassi e molti altri), con orchestre (Santa Cecilia, Teatro San Carlo, Provincia di Bari, Teatro Petruzzelli, Carlo Felice di Genova, Wyoming Synphony Orchestra, Bozeman Symphony, Basel Sinfonietta) e vari ensemble di musica contemporanea. È docente di chitarra presso il Conservatorio "Nicolò Piccinni" di Bari. Contrabbassista e compositore pugliese, Giorgio Vendola si è diplomato in contrabbasso presso il Conservatorio di Musica “Niccolò Piccinni” di Monopoli. Musicista sensibile alla tradizione quanto alla sperimentazione, nel suo percorso formativo abbraccia i più diversi generi e stili musicali (rock, pop, ethno) soffermandosi in particolar modo sul jazz e la musica improvvisata. Si esibisce in contrabbasso solo e in gruppo, sulle scene di diversi importanti teatri e festival fra l’Europa e il resto del mondo. Dal 2007 collabora con la compagnia TeatroMinimo come autore ed esecutore di musiche. Ha collaborato con lo scrittore Gianrico Carofiglio nello spettacolo ”Le Notti dell'avvocato Guerrieri”. Nell'ambito della musica popolare, ha suonato e inciso con due tra i gruppi più rappresentativi della musica popolare del Salento Canzoniere Grecanico Salentino e Ghetonia. Esplora le musiche dei balcani con i Talea ed è membro attivo in altre formazioni (SynerJazz Trio, Urban Society, Pinturas, Minafrik Orchestra, Mirko Signorile quartet, Kekko Fornarelli Trio). Ha collaborato, a vario titolo con Andrea Centazzo, Paolo Fresu, Enrico Rava, Naco,  Rita Marcotulli, Gianluigi Trovesi, Roberto Ottaviano, Rosalia de Souza, Fabrizio Bosso, Roberto Dani, Gianluca Petrella, Dave Liebman, Yves Robert, Cristina Zavalloni, Louis Sclavis, Barbara Casini, Nasheet Waits, Maurizio Giammarco, Ettore Fioravanti, Greg Osby, N’Guyen Lè, Pino Minafra, Louis “Tebugo” Moholo, Keith Tippett, Dave Binney, Sarah Jane Morris, Rob Ellis (Pj Harvey), Cristiano Godano(Marlene Kuntz), Josh Klinghoffer (Red Hot Chilli Peppers), Michael Rosen, Roberto Gatto, Francesco Bearzatti, Antonello Salis, Renè Aubry, Cuong Vu, Ballaké Sissoko. Ha inciso per diverse etichette come Soul Note, Universal, Enja, Ogun, Leo Records, Stradivarius, Verve.

SERGIO ARMAROLI & FRITZ HAUSER - STRUCTUING THE SILENCE
Sabato 13 maggio esce in Italia e all’estero distribuito da Ird e nei migliori store digitali, "Structuring the Silence", il nuovo progetto discografico del duo che unisce il vibrafonista, percussionista e compositore italiano Sergio Armaroli e il batterista e percussionista svizzero Fritz Hauser. Il disco - prodotto dall’etichetta salentina Dodicilune - sarà presentato ufficialmente in concerto nel giorno dell’uscita nell’Atelier Isabel Bürgin di Basilea. "Structuring the Silence" è una ricerca sonora attraverso l’improvvisazione a partire da una una scrittura minima, all’interno di un’architettura del vuoto e del silenzio intesa come un paesaggio sonoro quale luogo di ascolto ecologico. L’esecuzione è intesa come “scultura vivente” in un processo costante di dialogo come una “percus sion conversation”. “Silence has been an essential element of my percussion playing since the very beginning. Developing sounds out of silence, fading into silence, stopping a cymbal crescendo to let the silence explode into space. These were some of the elements I used a lot, and I still do. Then I met John Cage, who wrote a piece for me. One of his number pieces -one4- , and depending on how you deal with the given elements and performance rules, you end up with a lot more silence than I was used to. Silence that makes you listen, silence that makes you think. Silence that can frighten you, but also silence that gives you peace, and hope... Sergio Armaroli is a percussionist/composer who has given much more than just a thought or two to silence. He has made an extensive research on composing techniques, and improvising concepts. He has explored all possible ways to deal with silence and he has put these reflections into the concept pieces of STRUCTURIN G THE SILENCE. Playing with him, and creating silence with him was both a pleasure, and a challenge: Silence is an endless ocean, sound is the vessel to travel on it...” Fritz Hauser. Nato nel 1953 a Basilea, Fritz Hauser propone spettacoli in solo per batteria e percussioni che esegue in tutto il mondo; lavori crossmediali con la ballerina e coreografa Anna Huber, con l'architetto Boa Baumann e con la regista Barbara Frey; composizioni per ensemble di percussioni e solisti, impianti sonori, giochi radiofonici, musica per film e letture. Nel campo della musica improvvisata ha collaborato con numerosi musicisti (Urs Leimgruber, Joëlle Léandre, Marilyn Crispell, Christy Doran, Pauline Oliveros, Lauren Newton, Patrick Demenga e molti altri). Dal 1998 al Concorso Internazionale di Percussione di Stoccolma, collabora con diversi gruppi di percussioni e solisti di tutto il mondo (Kroumata, Percussione Synergy, Nexus, Speak Percu ssion, Keiko Abe, Steven Schick, Bob Becker, Michael Askill). Nel corso della sua lunga carriera ha realizzato numerosi cd come solista e con vari gruppi. La poetica di Sergio Armaroli abbraccia molteplici ambiti espressivi alla costante ricerca di un’unità dell'esperienza. Si dichiara pittore, percussionista concreto, poeta frammentario e artista sonoro oltre a fondare il proprio operare all'interno del "linguaggio del jazz" e dell'improvvisazione come "estensione del concetto di arte". Concentrato su una scrittura diffusa, consapevole di essere produttore "di-segni", dove l'invenzione verbale è "gesto poetico", nella vita è costretto ad uno sforzo pedagogico costante (www.sergioarmaroli.com). Svolge un’intensa attività artistica caratterizzata da un eclettismo stilistico accentuato con una tendenza alla dispersione linguistica come alla rinuncia e ad una forte predilizione per il "silenzio". Si è esibito in qualità di "attore musicale " e percussionista concreto in prestigiosi teatri e sale da concerto internazionali esponendo come artista in ambito off e sperimentale. Ha al proprio attivo numerose pubblicazioni in campo teorico musicale e poetico. Questo è il suo sesto cd con l’etichetta Dodicilune dopo “Prayer and request” (2010) e “Vacancy in the Park” (2015) con Axis Quartet, “Early Alchemy” (2013) un solo di marimba, “Tecrit” (2014) con Riccardo Sinigaglia (santur elettrico, flauti barocchi ed elettronica) e "Micro and More Exercises" con Giancarlo Schiaffini (2016).

Painting Jazz Duo - "Peace"
Esce il 19 giugno 2017 "Peace", il nuovo progetto discografico del Painting Jazz Duo. "Peace" è un racconto per segmenti, “pacificamente” incastonati su una tela variopinta. Loro sono un duo coeso, forte della sua storia e della sua sintonia. Ogni traccia è una dichiarazione di guerra, un’apertura totale alla sperimentazione: forte, audace, spinto, il suono sobbalza e diverte nella totale imprevedibilità delle sue mosse. Emanuele Passerini (sax) e Galag M. Bruno Belloni (piano) sono alla loro terza esperienza per Dodicilune. Collaudati nel loro approccio “descrittivo”, regalano un punto di vista nuovo, a tratti irriverente, anche a standard e grandi classici intoccabili come “I Loves You Porgy” o l’ “Arte della Fuga”. Emanuele Passerini, cl asse 1971, si approccia allo studio del sassofono da autodidatta. La disinvoltura degli inizi gli regala un grande entusiasmo nel suonare e nel frequentare formazioni jazz, rock, blues, soul e acid. Studia con Daniele Cavallanti e Tiziano Tononi presso il CEMM di Bussero, per poi perfezionarsi con Tiziana Ghiglioni, Giovanni Tommaso, Walter Donatiello e Dave Liebman. Nel 2008 avvia il progetto New Standard Jazz Duo, oggi  Painting Jazz Duo, con Galag Massimiliano Bruno Belloni. Galag Massimiliano Bruno Belloni, nato nel 1949, inizia a suonare il pianoforte da bambino. Dopo un breve periodo di studi in Conservatorio, continua da autodidatta a cimentarsi col jazz e la composizione di repertorio classico e leggero, senza trascurare le tecniche improvvisative. Numerose le sue partecipazioni a festival e concorsi, oltre che le esibilizioni dal vivo. Nel 2008 avvia il progetto New Standard Jazz Duo, oggi  Painting Jazz Duo, con Emanuele Passerini . Il Painting Jazz Duo, nasce come New Standard Jazz Duo. Emanuele Passerini (sax) e Galag Massimiliano Bruno Belloni (piano) vantano come un repertorio di composizioni originali e di brani totalmente improvvisati. Dall’approccio descrittivo/decostruttivo, hanno uno stile personale ed eccentrico, caratterizzato dal colore, dall’ “apertura”, dall’interplay forte. Per la Dodicilune hanno pubblicato Talk and Fly (2013) e The Well-Tempered Duo: Bach Project (2014).

Francesco Caligiuri - Olimpo
Esce il 26 giugno "Olimpo", disco d'esordio del polistrumentista calabrese Francesco Caligiuri.  Olimpo è un lavoro delicato, introspettivo, eppure avventuroso, in  solo. L'intero album è uno sforzo individuale, dalla composizione all'esecuzione, con Caligiuri dedito alla costruzione di strati di suono, con utilizzazione morbida dell'elettronica a servizio delle ance, dal clarinetto basso al sax soprano al baritono, con chiara ispirazione dal miglior John Surman. “This is Francesco Caligiuri first cd and he strikes! What an open and wild mind behind this beautiful music. I specially love his blend of strong Mediterranean melodies with the powerful Viking spirit” (Michel Godard). Olimpo is the debut album of Francesco Caligiuri, a delicate, introspective, yet adventurous, solo work. It communicates a unique vision along the emotional landscapes of the classic Myth, with strong inspirations from popular music, but firmly linked to the jazz tradition. The result is both ethereal and bold, and extremely enjoyable. L'opera comunica una visione unica lungo i paesaggi emotivi del Mito classico, forte di  ispirazione dalla musica popolare, ma rimanendo saldamente legato alla tradizione jazz. Il risultato è etereo ma audace, comunque di estrema godibilità. Il percorso improvvisativo di questa musica si può riassumere nella parola “Mýthos”, “racconto”. Le diverse timbriche degli strumenti e gli affascinanti suoni dell'elettronica suggestionano, conducendo la mente in un viaggio immaginario e immaginifico tra mito e leggenda, lungo i topoi culturali dell’antica Grecia e di tutto il bacino del  Mediterraneo. L’improvvisazione, che mette a nudo il musicista esprimendone l’identità e l’essenza, ispira l’intenso pensiero musicale del progetto. Le nove composizioni originali richiamano tutte personalità e storie di divinità della mitologia greca: da Zeus e Poseidone, potenti e stabili, a Dionisio, Apollo e Afrodite, sentimentali e armoniosi; da Ares, Athena ed Efesto, creativi e solenni, ad Ade, oscuro e instabile. FRANCESCO CALIGIURI. Cosentino, classe 1991, si è diplomato in sassofono presso il Conservatorio “S.  Giacomantonio”, per poi avviarsi allo studio delle tecniche di arrangiamento, composizione e improvvisazione jazz. Predilige il sax baritono, e partecipa attivamente a diverse formazioni cameristiche, classiche e jazz, vantando anche ruoli di primo nell’Orchestra di fiati della Provincia di Cosenza. Dal 2014 suona nel progetto Cypriana di Nicola Pisani. Si è perfezionato, tra gli altri, con Michel Godard, Marco  Sanninni, Paolo Damiani, Matt  Brewer, Miguel  Zenon, Ben  Wendel, Logan  Richar dson, Franco  D’Andrea, Marcello Piras.

HOME 4TET - RE: BOLLING
Prodotto dall'etichetta Dodicilune e distribuito in Italia e all’estero da Ird e nei migliori store digitali, Re: Bolling è il nuovo album del gruppo Home 4et. Stefano Saccone (flauto), Enzo Orefice (pianoforte e arrangiamenti), Marco De Tilla (contrabbasso e basso elettrico) e Lorenzo Petruzziello (batteria) propongono un progetto sulle tracce del pianista, compositore e arrangiatore francese Claude Bolling. In questo omaggio al suo crossover, il quartetto suona con inaspettata freschezza e coerenza le suite più suggestive di Bolling e le interpretazioni dei grandi maestri che lo hanno accompagnato. Il quartetto apre all’improvvisazione e ai volumi spinti senza nessuna rinuncia al pensiero narrativo del musicista francese. Tutto ritorna: le atmosfere anni Settanta, lo swing più morbido, le contaminazioni classiche. Una veste nuova e originale per il carattere intramontabile di Bolling. La tracklist (composta da Veloce, California (Main Theme), Sentimentale, Irlandaise, Pastorale, Affectueuse, Amoureuse, Black Battle, Baroque and Blue) è completata da Pour Claude, composizione originale di Enzo Orefice. Il termine crossover viene usato per indicare quella musica che si trova a metà strada tra vari generi, più spesso tra il genere della classica e quello del jazz. Jacques Loussier, gli Swingle Singers, soprattutto il Modern Jazz Quartet fanno tutti parte di questa grande famiglia. A usare per la prima volta questa espressione fu la stampa americana, spiazzata davanti all’enorme successo del disco di un colto jazzman francese, Claude Bolling, a metà strada tra la musica classica e lo swing di Duke Ellington. Era l’anno 1976 e già da tempo la scena musicale proponeva incontri tra stili e generi diversi, ma mai fino ad allora un’operazione discografica di questo tipo era riuscita ad attirare su di sé così tanta attenzione, al punto da restare per ben 530 settimane nelle classifiche americane di Billboard. Il disco in questione era la “Suite pour flûte et piano jazz trio”, scritta da Claude Bolling per il famoso flautista francese Jean-Pierre Rampal. Da questo momento fu chiaro per tutti che la strada della contaminazione tra i generi non era solo una curiosità, ma un vero e proprio fenomeno culturale cui fu data appunto l’etichetta di “crossover music”. Bolling ha continuato negli anni a produrre le sue suite su richiesta di altri famosi virtuosi della musica classica: dalle commissioni di Pinchas Zukerman, Yo-Yo Ma, Maurice André, Alexandre Lagoya nacquero così le sue suite per violino, violoncello, tromba e chitarra sempre accompagnate dalla tradizionale formazione del trio jazz: batteria, contrabbasso e pianoforte, quest’ultimo suonato sempre dall’autore. I brani selezionati per il nostro progetto, tratti dalla Prima e Seconda suite per flauto e jazz trio e dalla California Suite, sono stati arrangiati cercando di allargare lo spazio dell’ improvvisazione, in alcuni casi modificando anche le strutture delle composizioni ma cercando sempre un equilibrio con la forza melodica dei temi dell’autore. Una rilettura che dona un nuovo sound ai brani adoperando gli elementi ritmici e tematici anche come materiale per l’improvvisazione e intende sottolineare l’attualità, la forza e l’originalità della musica di Claude Bolling. Diplomatosi in Flauto Traverso presso il Conservatorio “D. Cimarosa” di Avellino sotto la guida del M° G. Urciuolo, Stefano Saccone si è perfezionato con Severino Gazzelloni, Conrad Klemm, Alain Marion e Marzio Conti. Dal 1988 svolge attività concertistica in diverse formazioni cameristiche, partecipando a rassegne e stagioni su tutto il territorio italiano. Dopo gli studi accademici ha intrapreso lo studio della musica jazz presso il Conservatorio “N. Sola” di Benevento con i maestri P. Leveratto ed E. Fioravanti e ha gradualmente orientato i propri interessi e le proposte concertistiche verso la bossa nova e il jazz tango. Dal 2002 si dedica in particolare - con il quintetto strumentale Effetto Musica Ensemble e la cantante brasiliana Claudia Marss - alla re-interpretazione del repertorio di Antonio Carlos Jobim. Ha collaborato con Sergio Rubini, Nando Gazzolo, Michele Placido, Alessandro Haber in diversi progetti che combinano musica e teatro. Intensissima la sua partecipazione a jazz festival. Dal 1995 insegna Flauto traverso presso le scuole secondarie di primo e secondo grado ad indirizzo musicale. Napoletano, classe 1972, Enzo Orefice si accosta da piccolo allo studio del pianoforte sotto la guida della madre, insegnante di musica. Da adolescente frequenta il Conservatorio di Musica “D. Cimarosa” di Avellino, per diplomarsi poi in Pianoforte sotto la guida del M° Nicola Setaro. Si perfeziona in musica jazz studiando con Enrico Pieranunzi, Mauro Grossi e Paolino Dalla Porta. Si diploma in “Musica Jazz” ed in “Didattica della Musica” presso il Conservatorio di Musica di Benevento. Collabora con diversi artisti di fama internazionale: Ada Montellanico, Piero Leveratto, Maurizio Giammarco, Ettore Fioravanti, Stefano Cantini, Antonio Onorato, Marco Zurzolo, Harold Bradley, e moltissimi altri. Diverse anche le collaborazioni con Michele Placido, Segio Rubini, Alessandro Haber, Enzo Moscato, Paila Pavese, Norma Martelli, Nando Gazzolo, e le partecipazioni a trasmissioni televisive su reti RAI e FININVEST. Registra inoltre per RAI-SAT e vanta un’intensa attività concertistica in tutta Italia. Marco De Tilla, studia il contrabbasso con Rino Zurzolo, Ermanno Calzolari, Aldo Vigorito, Furio Di Castri, Piero Leveratto, Dario Deidda. Partecipa a numerosi seminari con musicisti di fama internazionale, tra cui Dave Holland, Larry Grenadier, Bruno Tommaso, Paul Jeffrey, Scott Colley, Dick Oatts, Antonio Sanchez, Danilo Rea, Franco D’Andrea, Paolo Fresu, Maurizio Giammarco. Suona abitualmente in formazioni distinte, dal trio alla big band, collaborando anche con musicisti del calibro di Antonio Faraò, Norma Winstone, Paolo Fresu, Sarah Jane Morris, Chuck Findley, Javier Girotto, Emanuele Cisi, David Alan Gross, Andrea Pozza, Roberto Gatto, Adam Rudolph, Gabriele Mirabassi, Don Moye, Nico Gori, Maurizio Giammarco, John Arnold, Flavio Boltro. Tre i suoi progetti discografici: “A Little Present”, “By the Waves” e “Suoni Italiani”. Numerose le sue partecipazioni a festival e rassegne jazz di livello internazionale. Dal 2003 collabora con l'Istituto Nazionale per lo Sviluppo Musicale nel Mezzogiorno. Attualmente insegna Contrabbasso Jazz al Conservatorio “San Pietro a Majella” di Napoli. Lorenzo Petruzziello, batterista, didatta, compositore e arrangiatore, ha all’attivo la partecipazione in diverse formazioni che spaziano dal Jazz al Soul, dal Pop e Funky. Si è avvicinato alla musica grazie allo studio del violino, prediligendo sempre e comunque un grande interesse per la batteria. Questo lo ha portato, a dodici anni, a seguire privatamente le lezioni, tra gli altri, di Maurizio Dei Lazzaretti. Si è quindi perfezionato con Ron Savage, Giampaolo Ascolese, Fabrizio Sferra e Marco Volpe, e nel 2006 ha iniziato il percorso di Batteria presso il Conservatorio “D.  Cimarosa” di Avellino, conseguendo i diplomi di I e II livello con Lode. Diverse le sue collaborazioni con progetti teatrali, tra cui quelle con l’attore Salvatore Mazza. Suo il metodo per batteria Key to Groove (2012) e la colonna sonora del film Il Pretore di Giulio Base (2013). Ha collaborato con numerosi musicisti del panorama jazz internazionale".

SOFIA TRIO - SOFIA
Mercoledì 19 luglio esce in Italia e all’estero distribuito da Ird e nei migliori store digitali, “Sofia” il nuovo album del Sofia Trio, prodotto dall'etichetta Dodicilune. Il progetto nasce nell’estate del 2015, da un’idea del chitarrista Mario Meloni e del batterista Luca Deriu e dall’incontro con il contrabbassista Fabrizio Fogagnolo. Il disco sarà presentato ufficialmente nel giorno dell'uscita al Caffè Letterario Nobel 26 di Nuoro. Il 21 luglio il trio sarà ospite del festival Seui in musica. Influenze jazz e un repertorio originale con e brani politematici, dove la struttura formale incontra l’improvvisazione più spinta: una cifra di stile che contraddistingue il trio e lascia l’ascoltatore in bilico tra la ricerca delle strutture e la disgregazione della forma, il tutto in un sound che spazia dal jazz europeo a quello più afro, fino al contemporaneo. La conoscenza, ci dice Stefano Zenni nella sua Storia del Jazz, «sorge dalla migrazione: gli esseri umani, adattandosi a qualsiasi ecosistema, utilizzano gli spostamenti per accrescere il sapere». E trasferendo se stessi, trasferiscono culture, lingue, beni e producono «nuovi stili di vita sempre porosi e vitali». Come il jazz. Sofia è scien za, sapienza. Sofia è la musa ispiratrice e l’impronta concettuale dell’album del trio. Nove tracce che si muovono su temi apparentemente distanti, eppure semanticamente legati all’esplorazione di linguaggi, volti, mondi diversi. Sofia è quell’istinto ad andare oltre, ad approfondire, ad assaporare, a conoscere. Sofia è un album dinamico, personale e di gusto. La sessione ritmica è coesa, e questo dona un bell’amalgama di fondo al disegno narrativo della chitarra di Meloni. Gioco, ironia, e una tenerezza deliziosa. La voce della piccola Sofia ne racchiude un momento. Chiude la traccia finale arricchita dalla chitarra di Battista Giordano.  Batterista e didatta, Luca Deriu si è diplomato al Conservatorio “L. Canepa” di Sassari in “Batteria e Percussioni Jazz” e perfezionato ai Seminari Jazz di Nuoro. Si è esibito in diversi Festival, nazionali e internazionali e ha collaborato con formazioni jazz, rock e afro-cubano. Col trio jazz Do.de.ca.foni ha realizzato la colonna sonora del del documentario Aria del regista Davide Carrari, primo premio del Cervinia Film Festival nel 2009. Già batterista dell’Orchestra Jazz nuorese CalaGononeJazz Collective, collabora con la formazione di percussioni africane Kangbè. Classe 1982, Mario Meloni ha iniziato lo studio della chitarra classica sotto la guida di G.  Porqueddu. Negli anni ha maturato un vivo interesse per il progressive rock, il jazz e il blues, frequentando i Seminari Nuoro Jazz di Paolo Fresu e varie masterclass, tra cui quelle di Umberto Fiorentino e Franco Cerri. Ha collaborato con diverse formazioni (quartetti e quintetti) jazz e funky-jazz sia come leader sia come sideman e ha partecipato a rassegne, concerti e festival, anche all’estero. Avviatosi allo studio del contrabbasso da autodidatta, Fabrizio Fogagnolo dal 2000 ha frequentato il C.P.M. di Milano sotto la guida di Attilio Zanchi. Si è poi perfezionato con Buster Williams, Paolino Dalla Porta e Paolo Fresu. Nel  2010 si è laureato al Conservatorio “G. Verdi” di Milano.  Come contrabbassista e bassista elettrico ha collaborato in diversi progetti, dal cantautorale al soul/jazz al jazz. Diverse le sue partecipazioni a rassegne, festival e concorsi nazionali e internazionali.

ROBERTO OTTAVIANO QUARKTET - SIDERALIS
Martedì 5 settembre, distribuito in Italia e all’estero da Ird e nei migliori store digi tali, esce ufficialmente Sideralis, nuovo album di Roberto Ottaviano, prodotto dall’etichetta Dodicilune. Dieci brani originali del sassofonista barese affiancato in questo progetto dal pianista inglese Alexander Hawkins e da una sezione ritmica tutta statunitense composta dal bassista Michael Formanek al basso e dal batterista Gerry Hemingway. Quattro giganti del jazz di impronta post-free e di matrice creativa si affrontano in un teatro dell’ipercosmo. Rotte e orbite siderali, linee spezzate, effetti onomatopeici, suoni acidi, idee sminuzzate, forme esplose: eppure tutto resta ripensabile in una struttura coerente e appagante. Un gioco sperimentale a tutta altezza, che cattura e accompagna l’ascoltatore in g alassie inesplorate. Gli stop e i salti all’unisono, i temi frammentati, donano colore e dinamicità ai fraseggi. Il sassofono di Ottaviano è un cono di luce, una torcia che illumina la più oscura distensione, una guida affidabile. Tutto è inquadrato in una compostezza precaria, che pare cerchi nuovi spazi d’espressione. Non tracce compiute, ma esplorazioni sonore, un mondo in divenire alla ricerca del suo ispiratore, quel John Coltrane asceso alle stelle il 17 luglio del 1967. Sideralis è un manifesto di gratitudine a lui, tra i primi esploratori di quello spazio “siderale”. L’infinità della sua ricerca genera tuttora luce. Attivo sulla scena jazzistica internazionale da quasi quarant’anni, Roberto Ottaviano ha suonato e inciso con alcuni tra i più importanti musicisti america ni ed europei a cavallo tra diverse generazioni: D. Gillespie, C. Baker, A. Farmer, M. Waldron, R. Workman, A. Mangelsdorff, G. Gaslini, E. Rava, S. Swallow, F. Koglmann, P. Favre, K. Wheeler, K. Tippett, K. Berger, H. Bennink, A. Andersen, T. Gurtu,  H. Drake, e tantissimi altri. Oltre che dirigere proprie formazioni, tra cui Astrolabio con G. Trovesi, G. Ferris e M. Godard, il QuarkTet con A. Hawkins, M. Formanek e G. Hemingway, ed il Trio Griòts con G. Maier e Z. De Rossi, suona con la Minafric Orchestra e con Canto General di Pino Minafra. Si esibisce in Germania, Austria, Svizzera, Belgio, Francia, Danimarca, Norvegia, Inghilterra, Spagna, Portogallo, Yugoslavia, Albania, Romania, Russia, India, Giappone, Messico, Tailandia, Marocco, Algeria, Costa d’Avorio, Senegal, Cameroun, Stati Uniti, Canada, ed ha inciso per Red, Splasc(h), Soul Note, Dodicilune, Hat Art, Intakt, ECM, DIW ed Ogun. Come didatta ha fondato il corso Musica Jazz nel Conservatorio della sua città e di cui ne è coordinatore da quasi 30 anni. Ha condotto e conduce Workshops e Masterclass su varie tematiche in giro per il mondo. Di prossima pubblicazione il volume da lui curato per Stampa Alternativa, “Steve Lacy. Una diversa prospettiva”, nella collana Jazz People diretta da Gianfranco Salvatore. Compositore, pianista, organista, Alexander Hawkins si divide tra la passione per il free e un profondo fascino per la composizione. Numerose le sue collaborazioni con musicisti del calibro di Evan Parker, John Surman, Joe McPhee, Mulatu Astatke, Wadada Leo Smith, Anthony Braxton, Marshall Allen, Han Bennink, Hamid Drake, Rob Mazurek, Taylor Ho Bynum, Harris Eisenstadt, Matana Roberts, Shabaka Hutchings. Diversi anche i riconoscimenti e le presenze a festival internazionali. Nel 2016 è stato nominato Instrumentalist of the Year aiParliamentary Jazz Awards. Contrabbassista del panorama jazz americano, classe 1958, Michael Formanek inizia a suonare negli anni Ottanta al fianco di Freddie Hubbard, Joe Henderson, Dave Liebman, Fred Hersch, Attila Zoller. Il suo album di debutto, Wide Open Spaces, è del 1990, insieme a Greg Osby, Mark Feldman, Wayne Krantz, Jeff Hirshfield. Importante la sua produzione discografica, e numerose le sue collaborazioni: tra le altre, quelle con Jane Ira Bloom, Uri Caine, James Emery, Lee Konitz, Kevin Mahogany, la Mingus Big Band, Scott Fields, Daniel Schnyder, Jack Walrath. È direttore della Peabody Jazz Orchestra e Jazz Bass Instructor al Peabody Conservatory of Music in Baltimore, Maryland. Gerry Hemingway è compositore, percussionista, visual artist, didatta. Nato in New Haven, Conn., nel 1955 in una famiglia di musicisti, si avvicina allo studio delle percussioni a dieci anni. A diciassette è già un provetto percussionista jazz e bepop. Dal 1983 al 1994 suona nell’Anthony Braxton quartet. Con Braxton pubblicherà per la Mode Records Old Dogs (2010), quattro album a testimone della storica re in duo. Numerose le sue collaborazioni, i progetti e l’impegno didattico; densissima la produzione discografica e le performance dal vivo.

Francesco Alemanno - The Nearness of You
Prodotto dall'etichetta Dodicilune e distribuito dal 15 settembre in Italia e all’estero da Ird e nei migliori store digitali, “The Nearness of You” è il disco d’esordio del batterista salentino Francesco Alemanno. Nei nove brani è affiancato dal sassofonista statunitense Jesse Davis, dal trombettista Andrea Sabatino, dal contrabbassista Marco Viaggi e dal pianista Antonio Ciacca che firma anche il brano di apertura Watch The Steps e Dizzy’s. La tracklist è completata da una composizione di Alemanno (“Way To Brixia”) e dai brani George's Dilemma di Clifford Brown, Reflection di Ray Bryant, The Nearness Of You di Hoagy Carmichael, Blues March di Benny Golson, Man From Tanganyika di McCoy Tyner e Jeannine di Duke Pearson. Suona forte, The Nearness of You. Un’assenza per nulla depressa e nostalgica. Anzi, febbricitante e carica di belle sensazioni. Un corpo sonoro compatto, un’architettura bilanciata sul carattere brioso e travolgente della batteria di Alemanno. Un swing giovane e fresco, che corre leggero su temi gustabilissimi. Una carica di buon umore tra i fraseggi scuri e ficcanti del sax di Davis, intersecati dal mordente di tromba di Sabatino e le distensioni pianistiche di Ciacca, sempre sostenute dalle curve sensuali del contrabbasso di Marco Vaggi. “Una gradevole sorpresa questo primo disco del Francesco Alemanno 5tet: un ascolto davvero piacev ole, arrangiamenti ben fatti, atmosfere be-bop e tanto swing”. sottolinea il chitarrista Franco Cerri nelle note di copertina. “Formazione affiatata che garantisce un valido e costante sostegno, punteggiato da improvvisazioni ben inserite nel contesto generale. La sequenza dei brani proposti genera un risultato complessivo coinvolgente, raffinato ed elegante”.

FRANCESCO VENERUCCI feat. DAVE LIEBMAN - EARLY AFTERNOON
Martedì 7 novembre esce in Italia e all’estero distribuito da Ird e nei migliori store digitali, Early Afternoon, nuovo lavoro discografico del pianista e compositore romano Francesco Venerucci, affiancato in quattro brani dal sassofonista statunitense Dave Liebman, prodotto dall’etichetta Dodicilune. Il disco sarà presentato ufficialmente venerdì 10 novembre (ore 21 - ingresso 10 euro) con un concerto, introdotto dai giornalisti Luigi Onori e Gerlando Gatto, alla Casa del Jazz di Roma. Se nel lavoro discografico precedente Tango Fugato (Dodicilune, 2007), Francesco Venerucci aveva dato prova di una sapiente tecnica di scrittura musicale per ensemble, in Early Afternoon l’artista ci conduce nell’universo del “piano solo”. Nella continua e incessante ricerca della sintesi stilistica tra linguaggi musicali, Venerucci trasferisce la densità armonica e la stratificazione polifonica sulla superficie della tastiera, nel solco della tradizione tracciata da Duke Ellington, Bill Evans e Paul Bley; fino a John Taylor e Richie Beirach. L’album traduce al meglio la complessa personalità di Venerucci in grado di combinare classico e jazz con vivacità compositiva. Pianista eclettico, accoglie nel suo lessico musicale figurazioni che rimandano ora alla spazialità cosmica di Skrjabin, ora al post romanticismo di Rachmaninov, ora alle sinuosità puntiformi di Debussy. I fraseggi frammentati, i colori decisi e le poliritmie a perdersi definiscono la cantabilità personale di ogni singolo brano. La voce del Sax Soprano di Dave Liebman s’innesta ora quieta ora ispida sui paesaggi compiuti di Venerucci, quasi incisi nel silenzio. Un dono di dolcezza e carattere che impreziosisce l’album. «Nel 2011 ricevetti l’invito dell’associazione Amore e Psiche a tenere un concerto presso la loro sede, una bellissima libreria del centro storico di Roma. Nel preparare il programma scelsi alcune mie composizioni caratterizzate dall'interazione tra letteratura e musica», sottolinea Venerucci. «Il lavoro di selezione dei brani, scritti nell’arco di circa vent’anni, e della loro rielaborazione ha costituito il nucleo fondamentale di ciò che sarebbe divenuto in seguito l'attuale progetto discografico. La maggior parte dei brani sono eseguiti in “Piano Solo”. In quattro titoli (Exodus, Music for Lilith, Good Morning Mr. Samsa e Early Afternoon) ho coinvolto il sassofonista David Liebman, la cui performance, di rara bellezza e sensibilità, ha reso questo lavoro per me ancora più caro e prezioso», prosegue. «Chiude la raccolta uno standard della canzone popolare americana, Premio Oscar nel 1940 come migliore canzone per il film di animazione Disney “Pinocchio”. È il mio omaggio personale ad uno tra i musicisti più importanti del XX secolo, Louis Armstrong».  Francesco Venerucci si è diplomato in composizione sotto la guida di Claude Ballif, svolgendo contemporaneamente studi di armonia, analisi, direzione d’orchestra, e orchestrazione a Parigi, e in pianoforte sotto la guida di Valentino Di Bella. Ha conseguito un Master post laurea in composizione teatrale e coreutica sotto la guida di Fabio Vacchi per il dramma musicale Kaspar Hauser, su libretto di Noemi Ghetti, eseguito nel 2011 in prima mondiale all’Opera di Tirana. Attivo concertisticamente dal 1985, ha partecipato a numerose rassegne e registrato programmi radiofonici e televisivi. Ha composto musica da camera, lirica e sinfonica, colonne sonore, balletti e musiche di scena. Nel 2012 ha composto l’Opera Lirica Scanderbeg da un melodramma perduto di Vivaldi, su libretto di Quirino Principe, commissionato dal Teatro Nazionale d’Opera e Balletto d’Albania e co-prodotto dalla Verona Opera Academy. Vincitore di concorsi internazionali, ha visto le sue opere eseguite in importanti festival, sale da concerto e teatri d’opera. Ha collaborato, tra gli altri, con l’Orchestra of Colors, il Danish Saxophone Quartet e il Quinteto Tango Extremo. Ha partecipato a varie incisioni discografiche in qualità di compositore, arrangiatore e pianista. A suo nome ha realizzato il cd "Tango Fugato" (Dodicilune, 2007) con la partecipazione, tra gli altri, di Michele Rabbia, Marco Siniscalco e Gianni Iorio e il cd "Early Afternoon" (Dodicilune, 2017), con la partecipazione del sassofonista statunitense Dave Liebman. Dave Liebman, laureato in Storia alla New York University, ha studiato pianoforte e sassofono fin da ragazzo. Ha suonato con Miles Davis, Elvin Jones, Chick Corea, John McLaughlin, McCoy Tyner. I suoi lavori spaziano dalla classica al rock al free jazz. Diversi i riconoscimenti a livello internazionale: NEA Jazz Masters (2011); Jazz Educators Network (JEN); Legends of Jazz; nominee ai Grammy; vincitore per la categoria sax soprano ai Downbeat/Jazz Times Critics/JEN Poll; Honorary Doctorate alla Sibelius Academy. Nel 1989 fonda ed è direttore artistico della International Association of Schools of Jazz (IASJ). Centinaia le sue collaborazioni e registrazioni.

MARCO TUMA - LA VITA SEMPLICE 
In uscita 
l'esordio discografico da leader del compositore, sassofonista e armonicista cromatico salentino, prodotto dall’etichetta Dodicilune e distribuito da Ird. Venerdì 24 novembre il cd sarà presentato ufficialmente con un concerto sul palco di Astràgali Teatro a Lecce Martedì 14 novembre esce in Italia e all’estero distribuito da Ird e nei migliori store digitali, "La vita semplice", esordio discografico da leader del compositore, sassofonista e armonicista cromatico salentino Marco Tuma, prodotto dall’etichetta Dodicilune. Il disco sarà presentato ufficialmente venerdì 24 novembre (ore 21 - ingresso 10 euro inclusa copia del cd) con un concerto ad Astràgali Teatro in via Candido a Lecce. Sulla scia del modello e mentore ideale Toots Thielemans, il cui riferimento è piacevolmente presente in tutta l'opera, Tuma rivela una felice originalità stilistica, e costruisce il proprio “Brasil Project” sull'idea di un Brasile immaginario, i cui tòpoi  riflettono la ricchezza della cultura carioca, dall'estrema semplicità comunicativa della musica alla complessità armonica che vi è sottesa, innestando in tale crogiuolo  la propria sensibilità compositiva e interpretativa, e le doti di improvv isatore. Il disco contiene sette brani inediti composti da Tuma (Aprile, Waltz for Berri, Stato di Ebbrezza, Little Gigia, In viaggio con Lulù, Neruda mon amour e Splash) e le cover di Eu sei que vou te amar di Antonio Carlo Jobim e Vinícius de Moraes, Samba em preludio di Baden Powell e What are you doing the rest of your life? di Michel Legrand. Polistrumentista raffinato, Marco Tuma (armonica cromatica, flauto, sax soprano e glockenspiel) dirige un ensemble in cui spiccano la voce recitante di Giuseppe Tarantino, la chitarra di Claudio Tuma, il violoncello di Redi Hasa, il pianoforte di Giuseppe Magagnino, il contrabbasso di Tonino Vantaggiato e la batteria di Alessio Borgia. Il risultato è una musica semplice ma non facile, che alla semplicità dell'esperienza dell'ascolto associa una solida complessità, regalando emozioni profonde e indelebili. Nato a Nardò, in provincia di Lecce, Marco Tuma si avvicina alla musica in giovanissima età iniziando a suonare il pianoforte. Presto scopre la sua attitudine per gli strumenti a fiato, orientandosi verso lo studio del flauto traverso prima, e del sassofono e dell’armonica cromatica poi. Affascinato da sempre dalla cultura musicale latino-americana, collabora con musicisti brasiliani, cubani, andini, avvicinandosi così allo studio di strumenti a fiato provenienti da varie etnie; nel frattempo consolida la sua collaborazione con il gruppo di world music XantiYaca con il quale incide quattro album. Diverse le partecipazioni a trasmissioni televisive e intensa l’attività concertistica all’estero. Dal 1998 al 2000 collabora con i cileni Inti Illimani nei loro tour italiani. Turnista in varie sale di registrazione, ha al suo attivo molte partecipazioni in produzioni musicali di diffusione nazionale. Da anni collabora poi con varie compagnie teatrali, partecipando attivamente alla composizione delle musiche e all’esecuzione dal vivo degli spettacoli rappresentati.

FRANCESCO VENERUCCI feat. DAVE LIEBMAN -  EARLY AFTERNOON
Martedì 7 novembre esce in Italia e all’estero distribuito da Ird e nei migliori store digitali, Early Afternoon, nuovo lavoro discografico del pianista e compositore romano Francesco Venerucci, affiancato in quattro brani dal sassofonista statunitense Dave Liebman, prodotto dall’etichetta Dodicilune. Il disco sarà presentato ufficialmente venerdì 10 novembre (ore 21 - ingresso 10 euro) con un concerto in piano solo introdotto dai giornalisti Luigi Onori e Gerlando Gatto, alla Casa del Jazz di Roma.  Se nel lavoro discografico precedente Tango Fugato (Dodicilune, 2007), Francesco Venerucci aveva dato prova di una sapiente tecnica di scrittura musicale per ensemble, in Early Afternoon l’artista ci conduce nell’universo del “piano solo”. Nella continua e incessante ricerca della sintesi stilistica tra linguaggi musicali, Venerucci trasferisce la densità armonica e la stratificazione polifonica sulla superficie della tastiera, nel solco della tradizione tracciata da Duke Ellington, Bill Evans e Paul Bley; fino a John Taylor e Richie Beirach. L’album traduce al megli o la complessa personalità di Venerucci in grado di combinare classico e jazz con vivacità compositiva. Pianista eclettico, accoglie nel suo lessico musicale figurazioni che rimandano ora alla spazialità cosmica di Skrjabin, ora al post romanticismo di Rachmaninov, ora alle sinuosità puntiformi di Debussy. I fraseggi frammentati, i colori decisi e le poliritmie a perdersi definiscono la cantabilità personale di ogni singolo brano. La voce del Sax Soprano di Dave Liebman s’innesta ora quieta ora ispida sui paesaggi compiuti di Venerucci, quasi incisi nel silenzio. Un dono di dolcezza e carattere che impreziosisce l’album. «Nel 2011 ricevetti l’invito dell’associazione Amore e Psiche a tenere un concerto presso la loro sede, una bellissima libreria del centro storico di Roma. Nel preparare il programma scelsi alcune mie composizioni caratterizzate dall'interazione tra letteratura e musica, sottolinea Venerucci. «Il lavoro di selezione dei brani, scritti nell’arco di circa vent’anni, e della loro rielaborazione ha costituito il nucleo fondamentale di ciò che sarebbe divenuto in seguito l'attuale progetto discografico. La maggior parte dei brani sono eseguiti in “Piano Solo”. In quattro titoli (Exodus, Music for Lilith, Good Morning Mr. Samsa e Early Afternoon) ho coinvolto il sassofonista David Liebman, la cui performance, di rara bellezza e sensibilità, ha reso questo lavoro per me ancora più caro e prezioso», prosegue. «Chiude la raccolta uno standard della canzone popolare americana, Premio Oscar nel 1940 come migliore canzone per il film di animazione Disney “Pinocchio”. È il mio omaggio personale ad uno tra i musicisti più importanti del XX secolo, Louis Armstrong».  Francesco Venerucci si è diplomato in composizione sotto la guida di Claude Ballif, svolgendo contemporaneamente studi di armonia, analisi, direzione d’orchestra, e orchestrazione a Parigi, e in pianoforte sotto la guida di Valentino Di Bella. Ha conseguito un Master post laurea in composizione teatrale e coreutica sotto la guida di Fabio Vacchi per il dramma musicale Kaspar Hauser, su libretto di Noemi Ghetti, eseguito nel 2011 in prima mondiale all’Opera di Tirana. Attivo concertisticamente dal 1985, ha partecipato a numerose rassegne e registrato programmi radiofonici e televisivi. Ha composto musica da camera, lirica e sinfonica, colonne sonore, balletti e musiche di scena. Nel 2012 ha composto l’Opera Lirica Scanderbeg da un melodramma perduto di Vivaldi, su libretto di Quirino Principe, commissionato dal Teatro Nazionale d’Opera e Balletto d’Albania e co-prodotto dalla Verona Opera Academy. Vincitore di concorsi internazionali, ha visto le sue opere eseguite in importanti festival, sale da concerto e teatri d’opera. Ha c ollaborato, tra gli altri, con l’Orchestra of Colors, il Danish Saxophone Quartet e il Quinteto Tango Extremo. Ha partecipato a varie incisioni discografiche in qualità di compositore, arrangiatore e pianista. A suo nome ha realizzato il cd "Tango Fugato" (Dodicilune, 2007) con la partecipazione, tra gli altri, di Michele Rabbia, Marco Siniscalco e Gianni Iorio e il cd "Early Afternoon" (Dodicilune, 2017), con la partecipazione del sassofonista statunitense Dave Liebman. Dave Liebman, laureato in Storia alla New York University, ha studiato pianoforte e sassofono fin da ragazzo. Ha suonato con Miles Davis, Elvin Jones, Chick Corea, John McLaughlin, McCoy Tyner. I suoi lavori spaziano dalla classica al rock al free jazz. Diversi i riconoscimenti a livello internazionale: NEA Jazz Masters (2011); Jazz Educators Network (JEN); Legends of Jazz; nominee ai Grammy; vincitore per la categ oria sax soprano ai Downbeat/Jazz Times Critics/JEN Poll; Honorary Doctorate alla Sibelius Academy. Nel 1989 fonda ed è direttore artistico della International Association of Schools of Jazz (IASJ). Centinaia le sue collaborazioni e registrazioni.

EMANUELE SARTORIS - MARCO BELLAFIORE - I SUONI DEL MALE
Prodotto dall’etichetta pugliese Dodicilune, giovedì 16 novembre esce in Italia e all’estero distribuito da Ird e nei migliori store digitali, "I Suoni del Male”. Il nuovo lavoro discografico del duo composto dal pianista Emanuele Sartoris e dal contrabbassista Marco Bellafiore sarà presentato, nel giorno dell’uscita (ore 18.30 - ingresso libero), alla Feltrinelli Express di Stazione Porta Nuova a Torino. Il concerto sarà introdotto dal critico musicale, giornalista e scrittore Guido Michelone. «Due giovani musicisti si incontrano, si annusano, si ascoltano suonare, giocano insieme (to play), si piacciono e alla fine decidono di scrivere e incidere insieme un disco nel nome di Baudelaire», sottolinea nelle note di copertina il giornalista e conduttore Massimo Bernardini. «Emanuele Sartoris e Marco Bellafiore, pianoforte e contrabbasso, sono due giovani musicisti torinesi di valore: buona formazione, buoni maestri (Dado Moroni, Furio Di Castri), grandi e piccole esperienze jazzistiche alle spalle. Il punto di incontro è la sezione jazzistica del Conservatorio di Torino, città culla del jazz italiano. Pianoforte e contrabbasso: un modello che nel jazz ha infiniti esempi, da Duke Ellington con Jimmy Blanton a Bill Evans con Eddie Gomez. Un dialogo ricco, che vede lo scambio reciproco e l’alternarsi del gioco solistico in una relazione che è la quintessenza del jazz cameristico. Un mix sonoro fra corde pizzicate e macchina pianistica che genera colori imprevisti, fra l’intonazione ampia, volubile, del capofamiglia degli archi e quella implacabilmente perfetta delle corde percosse dai martelletti», prosegue Berdardini. «Il disco di Bellafiore e Sartoris si ispira, parafrasandola, alla celebre raccolta di Baudelaire “Les fleurs du mal”. Non è solo l’ennesimo tentativo di musicare/evocare le celebri poesie cui i titoli del disco si riferiscono, ma “di una ricerca - spiegano i musicisti - per immergere l'ascoltatore nello stato emotivo che generano”. Quattro di esse, unificate da Baudelaire stesso sotto il titolo de “Un Fantasma”, sono state scritte ed eseguite come un corpo unico, divenendo il cuore poetico del disco. Ci sono bellissimi temi ne “I Suoni del Male”, incipit quasi materici, improvvise accensioni ritmiche apertamente swing. Ma quel che travolge, in musicisti e compositori così giovani, è il perfetto equilibrio fra i due protagonisti, rispettosi ed insieme sospinti dal gioco del partner. Mi è accaduto di conoscerli alla Rai di Torino, durante le registrazioni di “Nessun dorma” per Raicinque. Li ho vissuti come semplici rappresentanti di una grande scuola musicale, forse più complici e generosi di altri. Ascoltando “I Suoni del Male”, mi rendo conto invece di aver avuto davanti l’inizio di due assolute certezze del jazz contemporaneo». Avviato allo studio del pianoforte dall’età di 10 anni, Emanuele Sartoris rapidamente inizia ad interessarsi al Blues e a tutta la musica nera e successivamente alla tradizione classica e alla musica moderna. Approda alla musica jazz frequentando seminari di improvvisazione e orchestrazione, fino al diploma sotto la guida di Dado Moroni presso il Conservatorio di Torino dove consegue anche la Laurea in Composizione ed Orchestrazione Jazz con il massimo dei voti sotto la guida di Furio Di Castri e Giampaolo Casati. Suona in numerosi festival tra cui Torino Jazz Festival, Open Papyrus Jazz Festival, Novara Jazz Festival, Moncalieri Jazz Festival, Narrazioni Jazz 2017, Joroinen Music Festival in Finlandia. Unisce un’intensa attività concertistica a quella didattica, da seminari come "Piano Experience" presso la Fiera Internazionale del pianoforte di Cremona insieme al Maestro Massimiliano Genot fino all'insegnamento presso lo stesso Conservatorio di Torino. Ospite musicale nella trasmissione “Nessun Dorma” su Rai 5, condotta da Massimo Bernardini ha modo di collaborare tra i tanti con ospiti del calibro di Eugenio Allegri. Marco Bellafiore inizia a suonare il basso elettrico con l'insegnante Giorgio Fiorini e si avvicina al jazz, maturando una intensa attività concertistica e in studio di registrazione. Cofondatore del gruppo Satoyama, si avvia allo studio del contrabbasso presso il Conservatorio di Torino con Furio Di Castri. Con i Satoyama pubblica il primo album di inediti nel 2015, e suona in diversi festival e rassegne: Euro Open Jazz Festival, Open World Jazz Festival di Ivrea, Pianfiorito in Jazz in apertura ad E. Rava, Barolo Jazz (vincendo il contest nel 2014), Novara Jazz (Vincitori del concorso “Taste Of Jazz” 2016), Torino Jazz Festival (ospiti del Sonic Genome di Anthony Braxton al Museo Egizio), JazzIt Fest e altri. Suona in Svezia e Danimarca e collabora con il sassofonista Jonny Wartel. Collabora stabilmente con il pianista Emanuele Sartoris.

VITO LITURRI TRIO - FROM BEYOND
Martedì 21 novembre esce in Italia e all’estero distribuito da Ird e nei migliori store digitali, "From Beyond” del  Vito Liturri Trio. Dopo "After The Storm” è il secondo lavoro discografico del pianista e compositore barese - affiancato da Marco Boccia al contrabbasso e Lello Patruno alla batteria - per l’etichetta Dodicilune. «Nel concepire un’opera seconda, il primo impulso può essere il replicare una formula già collaudata. Noi abbiamo deciso di fare esattamente il contrario, sviluppando il lato più visionario del primo album e portandone avanti la sperimentazione armonica e timbrica», sottolinea Liturri. «Ne risulta un lavoro sfaccettato e unitario allo stesso tempo, in cui i punti di arrivo e di riposo dati dalle cadenze tonali vengono sistematicamente evitati, nel tentativo di creare una musica imprevedibile e dai contorni sfuggenti, che alluda a una dimensione “altra” rispetto a quella quotidiana. Le strutture della tradizione non vengono totalmente abbandonate, ma piuttosto private delle loro caratteristiche di simmetria e della loro punteggiatura», continua. «“Rassicuratevi, l’opera è proprio costruita; ma cercherete invano le colonne – io infatti le ho tolte”, affermava Debussy a proposito del Prélude à l’après-midi d’un faune. La citazione lovecraftiana de l titolo funziona da pura suggestione per un flusso musicale in cui le esperienze e i colori si accumulano progressivamente, e che, come già nel primo disco, andrebbe ascoltato dall’inizio alla fine, pur nella autonomia dei singoli brani. Altro fondamentale elemento di continuità, rispetto all’opera prima, è il lavoro sul suono e sull’interplay, che rende il Trio, inteso come entità unitaria e riconoscibile, il vero protagonista del lavoro». Vito Liturri è titolare della cattedra di Composizione presso il Conservatorio “Egidio Romualdo Duni” di Matera. Si è diplomato in Composizione e in Direzione d'Orchestra presso il Conservatorio “Niccolò Piccini” di Bari. Sue composizioni sono state incise per le etichette “Rugginenti” (Milano) e “CM Classic” (Bari) e pubblicate dalle edizioni musicali “Carrara” (Bergamo) e “Sorriso” (Bari); sono, inoltre, state eseguite in rassegne e concerti di musica cont emporanea in Italia e all’estero. Si è accostato al jazz sotto la guida di Nico Marziliano e ha frequentato, successivamente, i corsi di perfezionamento di Siena Jazz. Ha suonato, tra gli altri, con Franco Cerri, Guy e gli Specialisti e l’ensemble Suoni Visionari di Felice Mezzina. Interessato al teatro e all'interazione della musica con altre forme espressive, ha collaborato, tra gli altri, con gli attori Emilio Solfrizzi, Antonio Stornaiolo e Leopoldo Mastelloni; è, inoltre, uno dei fondatori della Compagnia Teatro Prisma. Marco Boccia è un musicista eclettico. Da oltre vent’anni esplora gli aspetti più diversi della musica. Diplomato in contrabbasso presso il conservatorio “Niccolò Piccini” di Bari, si è perfezionato con i più importanti esponenti del suo strumento sia in ambito classico che in quello jazzistico. Dalle sue collaborazioni emerge la trasversalità delle esperienze, passando da Uto Ughi a Franco Cer ri, da Riccardo Muti a Tiziana Ghiglioni, dalle Orchestre sinfoniche della Provincia di Bari e Lecce a gruppi jazz di cui è fondatore o sideman, fino ai suoi progetti in diverse formazioni in Italia, in Francia e in Germania. Intensa l’attività didattica in scuole di tutta Italia. La sua discografia spazia dalla musica classica al jazz. Nel 2010 pubblica: “Il basso, teoria e prassi” per la Florestano editore. È endorser Cort e suona un GB74. È uno dei fondatori della Compagnia Teatro Prisma. Ha pubblicato il CD “In the Park” per l’etichetta Alfa Music. Lello Patruno ha studiato Strumenti a Percussione presso il Conservatorio di Musica "N. Piccini" (rinominato “Nino Rota”) di Monopoli sotto la guida del Maestro Vincenzo Mazzone. Contemporaneamente e successivamente studia batteria, musica jazz, percussioni, computer music ed elettronica con Maurizio Dei Lazzaretti, Roberto Gatto, Walter Calloni, Stefano Cerri, Chr istian Meyer, "Bombul", Pino e Pietro Iodice, Peter Erskine, Israel Varela ecc. Si diploma in Strumenti a Percussione presso il conservatorio di musica "U. Giordano" di Foggia. Suona e incide in qualità di batterista, timpanista, percussionista con artisti di fama internazionale (classica, jazz e pop) tra i quali Marcos Vinicius, Stelvio Cipriani, Luis Bacalov, Michele Lomuto, Emanuele Cisi, Gaetano Partipilo, Fabrizio Scarafile, Alex Milella, Franco Cerri, Lino Patruno, Marco Tamburini, Luca Alemanno, Kekko Fornarelli, Antonio Da Costa, Tony Esposito, Mario Rosini, Tosca, Dajana, Black and Blues, Keccorè, Wanted Chorus, Camillo Pace.

CURRAN - SCHIAFFINI - C. NETO - ARMAROLI  - FROM THE ALVIN CURRAN FAKEBOOK
“From The Alvin Curran Fakebook - The Biella Sessions” è il titolo del doppio cd, prodotto dall’etichetta Dodicilune, del quartetto formato dal compositore Alvin Curran (piano, shofar, computer), dal trombonista Giancarlo Schiaffini, dal sassofonista Alipio Carvalho Neto e dal percussionista e vibrafonista Sergio Armaroli affiancati, in alcuni brani, dal contrabbassista Marcello Testa e dal batterista Nicola Stranieri. Lunedì 27 novembre alle 21 (nel giorno dell’uscita ufficiale in Italia e all’estero distribuito da Ird e nei migliori store digitali) il progetto sarà presentato in concerto al Teatro Out Off di Milano, da quarant’anni al centro della scena sperimentale e di ricerca all’interno dell’innovazione dei linguaggi di espressione artistica. Il Fakebook rappresenta Alvin Curran nel suo modo peculiare di approcciare la musica; quello che il compositore conosce e può prevedere è la forma, non il contenuto. Nella musica di Curran coesistono la scrittura convenzion ale, l’improvvisazione, la creazione estemporanea, e la sua principale caratteristica non è armonica, melodica o ritmica, bensì timbrica; è un personalissimo paesaggio sonoro di suoni strumentali e ambientali catturati in quasi sessanta anni di caccia musicale. Democratico, irriverente e tradizionalmente sperimentale, Alvin Curran compone musica per qualsiasi occasione, con qualsiasi fenomeno sonoro – un volatile mix di lirismo e caos, struttura e indeterminazione. Come autore, ha dedicato la sua attività alla valorizzazione e alla dignità professionale del comporre musica non-commerciale come parte di una personale ricerca di future forme sociali, politiche e spirituali. Il processo compositivo di Curran abbraccia tutte le contraddizioni musicali (composta/improvvisata, tonale/atonale, massimale/minimale…) in una serena dialettica tesa all’incontro. Nei suoi più di 200 lavori troviamo registrati e campionati suoni naturali, pianoforti, sintetizzatori, computers, violini, percussioni, shofar, navi musicali, fisarmoniche e cori. Nell’intima forma delle sue più conosciute solo performance, musica da camera, radio works sperimentali o lavori su larga scala site specific (fino alle installazioni sonore), tutto forgia un linguaggio decisamente personale quale sintesi mediata dalla ricerca e dalla combinazione. L’esperienza musicale di Alvin Curran da un lato ha saputo integrare il mezzo elettroacustico (inteso sia come medium che come utensile) nella prassi compositiva, dall’altro ha elaborato un singolare rapporto con il suono esistente così di incorporarlo nel senso complessivo delle sue operazioni come costituente poetico irrinunciabile. Compositore, trombonista e tubista, Giancarlo Schiaffini è nato a Roma nel 1942. Laureato in fisica, studia musica d a autodidatta e partecipa alle prime esperienze di free jazz in Italia negli anni ’60. In quel periodo comincia la sua attività di compositore ed esecutore nel campo della musica contemporanea e del jazz. Ha studiato a Darmstadt con Stockhausen, Ligeti e Globokar e ha fondato il gruppo strumentale da camera Nuove Forme Sonore. Fa parte della Italian Instabile Orchestra. Ha tenuto corsi e seminari in Italia e all’estero e insegnato presso i conservatori “G. Rossini” di Pesaro, “A. Casella” dell’Aquila e nei corsi estivi di Siena Jazz (strumento, improvvisazione, composizione). Ha collaborato con John Cage, Karole Armitage, Luigi Nono e Giacinto Scelsi. Ha partecipato, come compositore ed esecutore, a stagioni concertistiche e festival tra i più importanti del mondo. Sono state a lui dedicate composizioni da numerosi autori come Scelsi, Nono, Alandia, Amman, Castagnoli, Dashow, Guaccero, Laneri, Mencherini, Renosto, Ricci, Villa-Rojo. Ha inciso dischi per BMG, Curci, C ramps, Edipan, Horo, Hat Records, Pentaflowers, Pentaphon, Red Records, Ricordi, Vedette. Gli è stata dedicata una voce dalla Biographical Encyclopedia of Jazz (Oxford University Press) e dall’Enciclopedia della Musica (Utet/Garzanti). Alípio Carvalho Neto è un sassofonista brasiliano, compositore, poeta, docente e ricercatore in studi musicali interdisciplinari. Residente Rapolano Terme (Siena), il suo lavoro copre un ampio spettro di idiomi musicali. Ha conseguito il dottorato di ricerca in “Storia, Scienze e Tecniche della Musica”con il massimo dei voti presso l’Università di Roma 2 “Tor Vergata”. Ha realizzato numerosi album, nel ruolo di leader di varie formazioni o come sideman, elogiati dalla critica e dal pubblico internazionale. Raccolte delle sue poesie sono pubblicate dalle edizioni Jean -Fabien G. Phinera (Parigi) e da riviste e giornali letterari. La poetica di Sergio Armaroli abbraccia molteplici ambiti espressivi alla costante ricerca di un’unità dell'esperienza. Si dichiara pittore, percussionista concreto, poeta frammentario e artista sonoro oltre a fondare il proprio operare all'interno del "linguaggio del jazz" e dell'improvvisazione come "estensione del concetto di arte". Concentrato su una scrittura diffusa, consapevole di essere produttore "di-segni", dove l'invenzione verbale è "gesto poetico", nella vita è costretto ad uno sforzo pedagogico costante (www.sergioarmaroli.com). Svolge un’intensa attività artistica caratterizzata da un eclettismo stilistico accentuato con una tendenza alla dispersione linguistica come alla rinuncia e ad una forte predilizione per il "silenzio". Si è esibito in qualità di "attore musicale" e percussionista concreto in prestigiosi teatri e sale da concerto internazionali esponendo come artista in ambito off e sperimentale. Ha al proprio attivo numerose pubblicazioni in campo teorico musicale e poetico.

ANAKATÀ ENSEMBLE - UBIQUE
Venerdì 1 dicembre esce in Italia e all’estero, distribuito da Ird e nei migliori store digitali, "Ubique" il nuovo lavoro discografico dell’Anakatà Ensemble, prodotto dall’etichetta Dodicilune. Il quartetto è composto da Marco Silletti (chitarre), Laura Rosa (flauti), < strong>Alessandra Gho (violino), Maria Grazia Reggio (chitarre), musicisti di consolidata esperienza concertistica in numerose formazioni cameristiche, che hanno al loro attivo registrazioni per la DDT di Torino, la Bèrben di Ancona, la Tirreno di Zurigo, la Map di Milano e la Bongiovanni di Bologna. Il disco sarà presentato sabato 16 dicembre (ore 18.30) nella "Casa della Musica" di Portacomaro (Asti), venerdì 22 dicembre (ore 21) nella "Sala Borsalino" di Pecetto di Valenza (Alessandria) e venerdì 19 gennaio (ore 21) nell'Aula Magna del Liceo Plana ad Alessandria. L’idea dell’ensemble nasce dalla volontà di esplorare nuove possibilità espressive per questo particolare organico. L’inconsueta combinazione di violino, flauto e due chitarre, con le sue suggestive so norità e i suoi impasti timbrici, ha così determinato la scelta di un repertorio eterogeneo che comprende brani dell’ottocento, composizioni contemporanee appositamente scritte per l’ensemble, trascrizioni di varie epoche e generi, in un’intrigante miscellanea di barocco e pop, stile galante e rock. Il disco propone, infatti, cinque composizioni originali di Silletti (“On Tuesday Morning”, “Metang”, “Ananke”, “Anakatà”, “Ry-Me”), i brani “Baboma” e “Pépé Fely” del musicista e compositore congolese Ray Lema, “Forbidden Colours” di Ryuichi Sakamoto, “Run Home Slow”, “Let’s Make The Water Turn Black” e “Uncle Meat” di Frank Zappa, “Se tu m’ami” di Igor Stravinskij, “Pour Invoquer Pan Dieu Du Vent d’été” e “Pour Remercier La Pluie Au Matin” di Claude Debussy e “While My Guitar Gently Weeps” d i George Harrison. «Questo è un disco che non c’era. In un mercato così democratico e aperto da accogliere prodotti inesistenti in quantità tanto grande da annichilire le rarissime presenze reali, è una fortuna scovarne una di queste e poterne parlare», sottolinea nelle note di copertina Gianni Nuti. «Anzitutto si tratta di un progetto e non di una raccolta di brani e tale progetto ruota attorno a una personalità musicale − quella di Marco Silletti − e a un sound, quello della chitarra anzi, di un certo modo di pensare la chitarra. L’ascolto di brani dalle derivazioni geografiche, stilistiche e di genere assai diverse, rispettate nella trascrizione per le loro specificità, è tuttavia ancorato attorno a un unico clima, fatto di un corpo energico, vitale e insieme pensieroso, assetato di contatti col mondo e d’altro canto votato a una solitudine alpestre, più avvezz a a dialogare con la natura che con gli esseri umani», prosegue. «La formazione, piuttosto inusuale, di due chitarre, flauto e violino è valorizzata da una scrittura attentissima agli equilibri sonori e chirurgica nell’assicurare trasparenza alla trama polifonica e poliritmica e alle ricercate armonie, ma soprattutto nell’echeggiare, rimbalzare, ricalcare coloriture timbriche proposte dalle corde pizzicate, riprese dal fiato e allungate a far da sfondo e poi agganciate dall’arco e restituite ai suoni provvisori e puntuali della chitarra. Per i brani non inediti presenti in questo CD non possiamo certo parlare di trascrizioni, perché gli originali restano sullo sfondo a garantire la fedeltà al materiale di partenza e, per qualche ascoltatore, a trovare echi di familiare appartenenza, ma qui ogni elaborazione trasforma e piega gli ingredienti generativi per opera di una fantasia colta, alimentata da frequentazioni pratiche e riflessioni delle musiche più varie e dei repert ori più raffinati, anche quando popolari», continua Nuti. «E se il risultato non si riduce a un patchwork ma a un polittico coerente è perché l’autore non ostenta un eclettismo camaleontico ma si esprime secondo uno stile riconoscibile e discreto, privo di esibizionismi, rigoroso. La ragione sta nel fatto che Silletti interroga il suo strumento come se fosse una parte di sé, come se toccasse la sua pelle e cercasse di capire la reazione tattile, il calore la propriocezione derivate e ne producesse il disegno, il racconto: questo modo di leggere il mondo nell’ordito della propria pelle, cambia il mondo stesso in una mappa e lo fa proprio. Dunque una viscerale, irriducibile simbiosi con un corpo risonante diventa lo stagno instabile nel quale le presenze mondane si rispecchiano e vivono nuova vita. Tra le maglie delle musiche altrui, tre brani originali per chitarra sola sembrano, con umiltà, distrarre gli sguardi dal proscenio per permettere agli operai di sgomberare il pa lco e allestirlo per la successiva primadonna e invece sono fini collanti, preziosi bassorilievi che aggiungono una voce autentica a questa alchimia di presenze. Al termine di questo ascolto ciascuno porterà, nella propria gerla, miniature sonore curate in ogni particolare sia nella scrittura che nell’interpretazione e ben distinte l’una dall’altra, ma tutte permeate da una consolatoria, umana leggerezza».

ANNA VENTIMIGLIA - PANUYA
Martedì 5 dicembre esce in Italia e all’estero distribuito da Ird e nei migliori store digitali, Panuya, nuovo lavoro discografico della flautista, vocalist e compositrice siciliana Anna Ventimiglia prodotto dall’etichetta Dodicilune. Ad accompagnarla Bruno Morello (sassofoni), Giuseppe Finocchiaro (pianoforte), Fabrizio Scalzo (contrabbasso), Pucci Nicosia (batteria e percussioni). «Ho avuto il piacere di conoscere Anna Ventimiglia prima come “persona” e, subito dopo, come “artista”. Questo, a volte, può essere un vantaggio, perché, soprattutto per chi si esibisce su di un palco, “nascosto” dietro a uno strumento musicale, ci sono mille possibilità di mutare la propria persona, di esporre al pubblico solo quel che si vuol fare vedere, nascondendo la propria personalità», sottolinea il giornalista Leonardo Lodato nelle note di copertina. «Conoscere Anna mi ha invece permesso di capire immediatamente che, sul palco come nella vita di tutti i giorni, si ha a che fare con una persona elegante, dal gusto raffinato, capace di osservare ciò che la circonda e di trasmettere a chi la ascolta, mentre si esibisce su un palco, le stesse emozioni di quando ci si trova seduti in un pub, o comodamente affondati nel divano di casa, davanti ad un a buona birra artigianale. Anna, scusate se non l’ho detto prima, è un’eccellente flautista. La sua tecnica è intrisa di esperienze provenienti dalla frequentazione di artisti che caratterizzano la musica “colta”, il jazz e la tradizione rinascimentale. E non può che riempirmi di gioia il ritrovarla in compagnia di amici che rappresentano il fulcro attorno al quale gira la musica di qualità “marchiata” Sicilia, dal compositore di colonne sonore Paolo Buonvino ad Orazio Maugeri (che l’ha diretta in occasione della registrazione del cd “Bora” di Guido Politi), fino a Giò Galante che l’ha voluta per il suo cd “Tempo libero”. Sono sicuro che con il suo “Anna Ventimiglia Jazz World project” questa musicista di strada ne farà tanta. E non è un’ovvietà». Anna Ventimiglia consegue il diploma in flauto traverso al Conservatorio di Messina nel 2000 ma sin dagli anni 90 affianca all e esperienze classiche vari corsi di formazione sull’armonia moderna e sull’improvvisazione strumentale e vocale e sulle tecniche vocali: Franco D’Andrea, Bob Stoloff, Larry Monroe, Luciana Souza, Giovanna Marini, Antonella Talamonti, Estill Voice Training, Giancarlo Schiaffini, I.C.P Orchestra. Si laurea al biennio di composizione e orchestrazione Jazz al A. Corelli (Me) con il massimo dei voti. Attualmente è docente presso il MIUR. Fra le esperienze e le collaborazioni Paolo Buonvino, Silvia Bolognesi, Giovanna Marinuzzi e ancora il virtuoso indiano Sandeep Chatterjee e il pianista inglese Keith Tippett, con il quale nel 2014, incide in sestetto (“The Opening Flowers Sextet “) il CD, ” The Last Slide of Summer”, per la 4Tays Record di New York. Da qualche anno si dedica alle sue composizioni nel quale il vissuto si trasforma in musica attraverso varie forme di contaminazione. Considerata dalle critiche “ …un‘ artista dal gusto raffinato ed elegante”. Bruno Morello, sassofonista, compositore si è laureato con il massimo dei voti e la lode al biennio di jazz del Conservatorio "A. Corelli" di Messina presentando una tesi sulla Composizione jazz ed un repertorio di pezzi originali di sua composizione. Nel 2004 fa parte del progetto "Drops and Silence" dei chitarristi Paolo Battaglia e Maurizio Morello con i sax alto e soprano,  suonando alla Walker Parish Church a Newcastle (Inghilterra), alla New York University  e alla Carnegie Hall di N.Y.(USA), alla Stella Boyle Concert Hall (Arkansas) e all’Istituto Vincenzo Bellini di Catania (Ita). Nel 2008 a New York si unisce a vari progetti con Gene Pritsker (chitarrista, compositore) e Charles Coleman (compositore, cantante) suonando principalmente il sax tenore. Nella primavera del 2014 in sestetto (Opening Flowers Sextet) insieme al pianista inglese Keith Tippett, registra il disco “The Last Slide of Summer” che uscirà nel 2015 per conto della 4Tay Records di New York. Ha all’attivo una registrazione con il LAB PSL laboratorio di musica jazz tenuto dal sassofonista Carlo Cattano e dal batterista Antonio Moncada. Giuseppe Finocchiaro consegue, con il massimo dei voti e la lode, le lauree in Pianoforte Jazz e in Composizione Jazz. Nel 1989 incide il suo primo lavoro discografico con il quintetto Inno “Insonnie” per la Splasc(h) Records, iniziando così la carriera professionale che lo vede protagonista in vari Festival Jazz Europei. Varie le collaborazioni con artisti italiani e stranieri tra i quali, il trombettista Roy Paci, la cantante pop Carmen Consoli, la cantante folk Rita Botto, il contrabbassista Stefan Looker, il violoncellista Paolo Damiani e molti altri. Ha inciso quattordici dischi di cui tre come solista, “Ondre” che nel 2002 ottiene e mantiene il primo posto in classifica, per oltre due mesi su Ra dio Rai Uno, “Incipit” nel 2008 e “Prospectus” nel 2016 per la Dodicilune. Scrive composizioni e arrangiamenti per Orchestra da Camera e Big Band ma anche per il Teatro e la Danza. Fabrizio Scalzo, nato a Roma, risiede attualmente in Sicilia. Inizia a 14 anni a suonare il basso elettrico e dopo aver conseguito la laurea in Medicina Veterinaria, inizia lo studio del contrabbasso studiando con Josephe Lepore, Pietro Ciancaglini, Stefano Cantarano e in seguito approfondendo con altri musicisti quali Riccardo Fioravanti. Ha partecipato a Masterclass con Eddye Gomez, con Paolino Dalla Porta, con Nico Gori e con il trombettista Stjepko Gut. Nel 2015 con Barry Harris nel contesto del “Gela Jazz Festival 2015”. Nel 2014 si diploma in “Contrabbasso jazz” presso il liceo musicale "Vincenzo Bellini" di Catania con il massimo dei voti. Numerose le collaborazioni con i musicisti siciliani, partecipando inoltre a diversi festival jazz quali il Jazzit-fest a Collescipoli edizione 2013 con il progetto dell'armonicista Basilio Bruno "Armonica in Jazz", e alle Edizioni 2012, 2013, 2014, 2015 del festival di jazz manouche, "Raduno Mediterraneo Jazz Manouche" di Petralia Sottana, partecipato al Festival jazz “Catania Marathon 2015” con l'Aldo Majani Jazz Trio e al “Gela Jazz Festival edizione 2015”. Collabora con molteplici ensemble a carattere prettamente jazzistico. Pucci Nicosia, percussionista e batterista catanese, ha frequentato la Yamaha Jazz School Tokio nel 1975; si è diplomato nel 1985 alla Dick Groove Music School di Los Angeles. È docente di batteria classica e moderna. Ha suonato e collaborato con Tony Scott, Phil Woods, John Hendrix, Jack  Walhrat, Hannibal Marvin Peterson, Enrico Rava, Bob Mintzer, Franco Cerri, Romano Mussolini, Enrico Intra, Gianni Basso, Pietro Tonolo, Paolo Fresu, Dado Moroni, S alvatore Bonafede, Enzo Randisi, Lino Patruno, George Gruntz, Maria Shanaider, Phil Woods, Pietro Tonolo, Franco Cerri, Paolo Fresu, Stefano Di Battista, Fabrizio Bozzo e molti altri.

CINO MAGNAGHI - LUNAR
Prodotto dall’etichetta Dodicilune, venerdì 8 dicembre esce in Italia e all’estero, distribuito da Ird e nei migliori store digitali, "Lunar" il nuovo lavoro discografico del pianista e compositore Cino Magnaghi, affiancato al contrabbasso da Ron McClure (in due brani da Edward Perez) e alla batteria Jay Sawyer. Il disco propone < strong>sette composizioni originali di Magnaghi (Lunar, Mucca, Reset, Orbited, Camper, Infinity e Song For) registrate a New York nel febbraio 2017 all’Acoustic Recording di Brooklyn con il sound engineer Michael Brorby. «L’album nasce da un desiderio profondo di tornare alla musica che ho coltivato fin dalla tenera età e che, da subito, ho pensato fosse il posto musicale dove stare: il Jazz», sottolinea il musicista nelle note di copertina. «Per realizzare questo desiderio, dopo un lungo tempo di preparazione, ho vissuto a New York un intensissimo anno dove ho condiviso il palco con molti musicisti e raccolto le ispirazioni necessarie. La mia musica cerca di non contraddire nessuno dei background della mia esperienza musicale dando accoglienza a tutte le sfaccettature, dalla musi ca classica al pop e al jazz che inevitabilmente fanno parte di me e del mio percorso culturale», prosegue. «Suonare e incidere questo disco con affermati musicisti della scena jazz newyorkese è stata un’esperienza che credo abbia donato alla mia musica un arricchimento di forme e contenuti musicali che io particolarmente ricercavo nel perfezionamento del mio stile». Cino Magnaghi a dieci anni inizia gli studi al Conservatorio di Milano. Scopre il Jazz, diplomandosi presso i corsi civici di Enrico Intra e frequentando molti seminari (Siena jazz e Berklee School di Boston). Dopo aver ripreso gli studi classici, specializzandosi in composizione al Conservatorio di Milano, di recente approfondisce per due anni il piano jazz con Theo Hill a New York. Ha collaborato come compositore con Fabio o (arrangiando l’a lbum “Oltre il giardino”), Malika Ayane, Flavio Premoli (PFM), Claudio Dentes (Elio e le storie tese), Tullio De Piscopo, Michele Zarrillo, Livio Gianola, La Banda Osiris. Ha partecipato come direttore d’orchestra al 57° festival di Sanremo. Dirige e compone per il “Complaints choir of Milan”. Già autore in esclusiva per Sony Music, realizza musiche per molte istallazioni artistiche fra cui Maggie Cardelus. Collabora con Rai, Mediaset, Warner, Sony, Emi, Sugar, oltre a produrre molti spot tv e colonne sonore per film e documentari. Ron McClure ha lasciato il segno nella scena jazz a metà degli anni '60 con le Big band di Maynard Ferguson e Buddy Rich ma è conosciuto soprattutto per aver fatto parte alla fine degli anni 60 del quartetto di Charles Lloyd con Keith Jarrett e Jack Dejohnette. In seguito, Ron ha registrato con il Wynton Kelly Trio e con George Coleman. Nel 1970, con Mike Nock, Eddie Marshall e Michael White, ha co-fondato la band jazz fusion The 4th Way. Ha collaborato con Miles Davis Quintet (Herbie Hancock, Tony Williams, Wayne Shorter), Michel Petrucciani, John Scofield, John Abercrombie, Paul Bley e Randy Brecker, Lee Konitz, Dave Liebman e molti altri. Jay Sawyer, originario del Michigan, è uno dei batteristi emergenti più in voga a New York. Ha condiviso il palco con artisti affermati come Dee Dee Bridgewater, Stefon Harris, Donny McCaslin, Benito Gonzalez e Shai Maestro e con emergenti come Itamar Borochov, Caroline Davis, Tomoko Omura, John Raymond e molti altri. Si è esibito in molti festival in giro per gli Stati Uniti e in Europa. Mentre frequentava le Università del Western Michi gan e dell'Illinois, Jay ha studiato con alcuni dei più stimati batteristi del jazz tra cui Billy Hart, Tim Froncek, Keith Hall e Dana Hall.

TIZIANA GHIGLIONI - STEVE POTTS - GIANNI LENOCI - NO BABY
"No Baby" è il nuovo lavoro discografico del trio composto dalla cantante Tiziana Ghiglioni, dal sassofonista statunitense Steve Potts e dal pianista Gianni Lenoci. Prodotto dall’etichetta pugliese Dodicilune, il cd esce martedì 12 dicembre in Italia e all’estero distribuito da Ird e nei migliori store digitali. «Un rabbioso inseguimento d’amore. No baby, no baby, no no, baby baby, i tre prot agonisti di quest’album si parlano e si cercano con la voce della grande poesia sonora del Novecento, tanto febbrile quanto d’acuta intelligenza», sottolinea lo scrittore, giornalista e critico musicale Claudio Sessa nelle note di copertina. «Ornette, Lacy, Waldron e tutti gli altri (Duke? Monk? Mingus?) attorno, a far cerchio a un trio nel quale nomen è omen, ogni nome si rivela Segno. Ti – Zi, Ghi – Glio: nei suoni acuti e in quelli gravi si sposano solido e liquido, una cascata sulla roccia. In Ghi – Glio c’è poi il gheri - glio delLe noci, la miniatura di cervello dentro la scatola cranica vegetale del frutto, che nel suo mallo verdissimo fonde in modo unico amarezza e profumo: ancora ecco l’intreccio di opposti, pensiero e profumo, intelligenza e sensazione. Lenoci rimanda anche a Lenox, la Lenox Avenue potente arteria di cultura afroamericana», prosegue Sessa. «E in Steve Potts s’incontrano il nome dell’altro grande Steve, da lui frequ entato sui palcoscenici del mondo per più di trent’anni, e i Pots, i pentoloni della musica, come un celebre brano di Cecil Taylor che celebrava i cibi neri. O come il Calderone stregonesco nel quale ruotano i cerchi sonori di Mal Waldron. No Baby: un avvertimento per chi si ama, di nuovo l’incontro fra ragione e sentimento? Oppure dovremmo tradurre “Non sono cose da bambini”? È vero: questo è un disco per adulti». Tiziana Ghiglioni è una cantante di riferimento assoluto per il jazz italiano. Inizia la sua formazione musicale negli anni settanta frequentando i seminari del pianista e compositore Giorgio Gaslini e studiando tecnica vocale con il soprano Gabriella Ravazzi. Fra le prime esperienze professionali c'è la tournée teatrale con lo spettacolo Shakespeare/Ellington con lo stesso Giorgio Gaslini e Giorgio Albertazzi. Nei primi anni ottanta inizia la sua carriera di cantante jazz e band leader ottenendo immediatamente l'attenzione di pubblico e critica grazie anche alle recensioni del giornalista e storico del jazz Arrigo Polillo che commenta molto positivamente sia le sue prime esibizioni pubbliche sia il suo primo disco ("Lonely Woman" del 1981) inciso con alcuni giovani emergenti fra i quali Piero Leveratto e Luigi Bonafede. L'accoglienza del primo disco è tale che già nella seconda incisione ("Sounds of Love" del 1983) la cantante viene affiancata da musicisti di fama internazionale come Kenny Drew al pianoforte e Niels-Henning Ørsted Pedersen al contrabbasso. Negli anni successivi Ghiglioni afferma il suo ruolo di spicco nel panorama del jazz italiano collaborando con alcuni dei più noti jazzisti nazionali (fra i quali Luca Flores, Enrico Pieranunzi, Paolo Fresu, Franco D'Andrea, Gianluigi Trovesi e Enrico Rava) e internazionali (tra cui Chet Baker, Steve Lacy, Mal Waldron, Paul Bley e Lee Konitz). Pur essendo molto apprezzata per le sue esecuzioni del repertorio jazzistico tradizionale, Ghiglioni mostra una particolare predilezione per il free jazz e per le contaminazioni. Lei stessa ha affermato che la sua passione per il jazz è nata dopo aver ascoltato il sassofonista Archie Shepp, uno dei protagonisti del movimento free. Non a caso già nella sua prima incisione si cimentava con un brano di Ornette Coleman, "Lonely Woman", che dava anche il titolo all'album. Questo interesse per l'avanguardia è testimoniato, fra gli altri, dal disco “Sonb” del 1992, che le è valso il secondo posto nella classifica dei migliori dischi della rivista Musica Jazz e il soprannome di "First Lady" del jazz italiano (ad opera dell'allora direttore della rivista Pino Candini). Fra le sperimentazioni più recenti si può citare il disco "Rotella Variations", firmato assieme al violinista Emanuele Parrini: un ambizioso tentativo di trasportare in musica le suggestioni dell'artista contemporaneo Mimmo Rotella. Nel 2009 è stata Presidente di Commissione Artistica della terza edizione degli Italian Jazz Awards - Luca Flores. Attualmente risiede tra Genova e Milano. È titolare della cattedra di canto jazz presso il conservatorio di Rovigo. Il 23 e il 24 giugno 2012 è stata l'ospite d'onore al saggio di fine anno dell'accademia musico culturale "La Fenice" a Gioia del Colle. Ha cantato con i ragazzi della scuola che hanno ricevuto da lei anche un attestato della "Master class". Nel 1994 ha vinto il premio Tenco per il disco "Tiziana Ghiglioni canta Luigi Tenco" nel quale rivisita in chiave jazz alcune canzoni del celebre cantautore genovese. Nel 2005 ha ricevuto il premio "Iseo". Nel 2007 e 2010 ha ricevuto due nomination come Best Jazz Singer agli Italian Jazz Awards - Luca Flores. Decine le sue produzioni discografiche a proprio nome o in qualità di ospite. Pianista, compositore e didatta, il pugliese Gianni Lenoci si è diplomato in pianoforte al Conservatorio “S. Cecilia" di Roma e in musica elettronica al Conservatorio "N. Piccinni" di Bari, dove ha conseguito anche il Diploma Accademico  di secondo livello in pianoforte (indirizzo solistico) con il massimo dei voti e la lode, con un recital monografico e  discutendo una tesi sull'opera pianistica di Morton Feldman. Ha studiato jazz e improvvisazione con Mal Waldron e Paul Bley. È stato finalista nel 1993 dell'European Jazz Competition di Leverkusen (Germania) e nel 1996 vincitore di un premio della Fondazione Acanthes di Parigi (Francia). Nel 2003 la sua composizione elettronica "Notturno Frattale", ha vinto il Premio Internazionale della Società Italiana di Informatica Musicale. Ha collaborato con i massimi specialisti mondiali del jazz e della musica improvvisata come Massimo Urbani, Steve Lacy, Joelle Leandre, Steve Grossman, Harold Land, Bob Mover, Enrico Rava, Glenn Ferris, Eugenio Colombo, Giancarlo Schiaffini, Don Moye, Han Bennink, Antonello Salis, Carlo Actis Dato, David Gross, Paul Lovens, Sakis Papadimitriou,Georgia Sylleou, Jean-Jacques Avenel, John Betsch, Markus Stockhausen, Steve Potts, Carlos Zingaro,John Tchicai, Kent Carter,William Parker, David Murray, Roscoe Mitchell, Sabir Mateen, Evan Parker, Marc Ducret, Charles Gayle per citarne alcuni. Ha inoltre tenuto performance con poeti, danzatori ed artisti multimediali. Oltre che come improvvisatore, Lenoci è attivo come interprete dal vasto repertorio, con un'attenzione particolare a compositori come Morton Feldman, Earle Brown, Sylvano Bussotti, John Cage oltre all'opera completa per strumento a tastiera di Johann Sebastian Bach. Dal 1990 insegna Prassi Esecutiva, Improvvisazione e Composizione  nei corsi  di jazz  del Conservatorio "Nino Rota" di Monopoli ove ricopre l'incarico di Coordinatore del Dipartimento di "Nuove Tecnologie e Linguaggi Musicali" all’interno del quale realizza produzioni e progetti didattici apprezzati a livello internazionali ed è Visiting  Erasmus Professor presso: Bucharest University, Corfu University, Royal Northern College of Manchester,Conservatorio Superior de Malaga, Franz Liszt Hochschule in Weimar, Conservatorio Superior de Madrid, Conservatorio Superior de Salamanca, Yasar University di Izmir. Nel 2011 è stato composer in residence presso l’Atlantic Center for the Arts  in Florida, USA. Nel 2012 il suo nome è stato inserito nel Dictionnaire du jazz di Philippe Carles. Ha suonato in tutta Italia, Francia, Spagna, Inghilterra, Romania, Ungheria, Albania, Argentina, Grecia, Turchia, Stati Uniti d'America, Canada, Olanda, Austria, Polonia, Belgio, Germania, Arabia Saudita  e inciso più di 50 cd per Splasc(h), Modern Times, ASC, ANT, Leo, afk, sentemo, vm-ada, DAME (Ambiances Magnetique), VEL NET, Soul Note, Amirani, NoBusiness. Nell’aprile 2015 ha vinto il Earle Brown / Morton Feldman Grant Program 2016/17 della E.Brown Foundation (USA). Steve Potts è un sassofonista americano conosciuto per il suo trentennale rapporto con Steve Lacy. Potts ha studiato architettura a Los Angeles e ha preso lezioni dal sassofonista Charles Lloyd. Successivamente è andato a New York dove è stato allievo di Eric Dolphy e si è esibito con Roy Ayers, Richard Davis, Joe Henderson, Reggie Workman e Chico Hamilton. Nel 1970 si trasferisce in Europa per vivere a Parigi. Si è esibito con Dexter Gordon, Johnny Griffin, Slide Hampton, Mal Waldron, Ben Webster, Hal Singer, Christian Escoudé, Boulou Ferré e Oliver Johnson. Intorno al 1973 conobbe Steve Lacy e suonò nei suoi gruppi per 30 anni. Potts ha prodotto anche numerose colonne sonore.

SERGIO ARMAROLI QUINTET with BILLY LESTER- TO PLAY STANDARD(S) AMNESIA
Il 2017 della Dodicilune si chiude con il nuovo progetto di Sergio Armaroli, terzo firmato quest'anno con l’etichetta pugliese guidata da Gabriele Rampino e Maurizio Bizzochetti. Giovedì 14 dicembre esce, infatti, in Italia e all’estero distribuito da Ird e nei migliori store digitali, "To play Standard(s) Amnesia" nel quale il compositore e vibrafonista è affiancato dal sassofonista Claudio Guida, dal contrabbassista Marcello Testa, dal batterista Nicola Stranieri e dal pianista statunitense Billy Lester. Il cd propone dieci standard - Body And Soul (and Bobby), You Go To My Head, All The Things You Are, Just Friends, The Nearness Of You (to Milt), Yesterdays, Autumn Leaves, All Of Me (in Red), Out Of Nowhere, My Old Flame (without Me) - riletti in una dimensione cameristica, fedele ai riferimenti stilistici di Lennie Tristano e Sal Mosca.  Billy Lester è, infatti, uno degli ultimi esponenti della fiorente scuola di Lennie Tristano. Nato a Yonkers (New York), dove vive e insegna, è un improvvisatore senza restrizioni, istintivamente lirico, che crea composizioni originali sulle strutture armoniche dei classici americani. Lester come il suo mentore S al Mosca, uno degli allievi più acclamati di Tristano, ha sviluppato la sua arte quasi in privato, un giovane prodigio che ha iniziato a suonare il piano all'età di quattro anni, per poi diplomarsi alla prestigiosa Manhattan School of Music. Affascinato dai grandi compositori e musicisti (Kern, Gershwin, Rodgers, Hart, Porter, Berlin, Mercer, Arlen, Powell, Tatum, Parker, Christian, Eldridge, Louis Armstrong e Lester Young) si avvicina giovanissimo al jazz. Dopo aver insegnato per decenni nella sua città natale, dedicando molto tempo alla sua famiglia, superati i cinquant’anni, con i figli cresciuti, ha sentito la voglia e la necessità di esibirsi in pubblico trovando la cosa sorprendentemente gratificante. Nei dischi e nei live Lester predilige la formazione del trio - ha collaborato e pubblicato con Testa e Stranieri che ritrova in questo disco - o del piano solo. "Solitamente parto da uno standard, lo riarmonizzo, inverto gli accordi, lo rielaboro in modo che non suoni più come l'originale ma come la mia personale interpretazione. Successivamente sviluppo nuovo materiale tematico e do vita ad una composizione originale, mia”, sottolinea. "To play Standard(s) Amnesia" è l’ottavo cd pubblicato da Sergio Armaroli con Dodicilune dopo “Prayer and request” (2010) e “Vacancy in the Park” (2015) con Axis Quartet, “Early Alchemy” (2013), “Tecrit” (2014) con Riccardo Sinigaglia (santur elettrico, flauti barocchi ed elettronica), "Micro and More Exercises" con Giancarlo Schiaffini (2016), "Structuring the Silence" (2017) con il batterista e percussionista svizzero Fritz Hauser e “From The Alvin Curran Fakebook - The Biella Sessions”  (2017) con il compositore Alvin Curran (piano, shofar, computer), il trombonista Giancarlo Schiaffini e il sassofonista Alipio Carvalho Neto. La poetica di Armaroli abbraccia molteplici ambi ti espressivi alla costante ricerca di un’unità dell'esperienza. Si dichiara pittore, percussionista concreto, poeta frammentario e artista sonoro oltre a fondare il proprio operare all'interno del "linguaggio del jazz" e dell'improvvisazione come "estensione del concetto di arte". Concentrato su una scrittura diffusa, consapevole di essere produttore "di-segni", dove l'invenzione verbale è "gesto poetico", nella vita è costretto ad uno sforzo pedagogico costante (www.sergioarmaroli.com). Svolge un’intensa attività artistica caratterizzata da un eclettismo stilistico accentuato con una tendenza alla dispersione linguistica come alla rinuncia e ad una forte predilezione per il "silenzio". Si è esibito in qualità di "attore musicale" e percussionista concreto in prestigiosi teatri e sale da concerto internazionali esponendo come artista in ambito off e sperimentale. Ha al proprio attivo numerose pubblicazioni in campo teorico musicale e poetico.

NELLO MALLARDO - LA BELLEZZA DELL'ESSENZIALE
Prodotto dall'etichetta Dodicilune, martedì 20 febbraio esce in Italia e all’estero distribuito da Ird e nei migliori store digitali, "La Bellezza dell'Essenziale", nuovo progetto in piano solo di Nello Mallardo.  Forte di un background classico e jazz e non alieno neppure alle sperimentazioni di linguaggi meno "aulici", ma di non minore interesse musicologico come il pop e il funk, il pianista e compositore napoletano propone nove composizioni originali che alternano il rigore contrappuntistico della musica classica agli effetti luministici della tradizione afro-americana. "In particolare, dalla pulsazione ritmica all'impiego di armonie pandiatoniche per quarte e di tessiture modali, ho ibridizzato il linguaggio di Debussy con altre mie esperienze, cercando sempre di esprimere me stesso", sottolinea Mallardo. "Nei brani infatti, ho parlato un linguaggio che reputo mio, la lingua più semplice con la quale esprimermi, attraverso una koinè in cui espressionismo e melodia potessero portare l’ascoltatore verso atmosfere intime e p rofonde. Il piano solo ha una forte dimensione intimistica, introspettiva, che crea un pathos incantevole. Tutti i brani, anche se appartenenti a periodi diversi, sono stati scritti per immortalare delle emozioni o dei momenti fondamentali della mia vita". Nello Mallardo (all'anagrafe Aniello Mallardo Chianese) è nato a Napoli nel 1983, inizia gli studi musicali all'età di sette anni, si diploma in pianoforte col massimo dei voti e la lode e si perfeziona sotto la guida dei Maestri Massimo Bertucci, Franco Scala e Boris Petrushanscky, in composizione con Patrizio Marrone e studia inoltre pianoforte jazz col il maestro Francesco Nastro. È vincitore di numerosi concorsi  pianistici nazionali. Dal 2007 ad oggi è pianista e Maestro collaboratore del corpo di ballo del Teatro San Carlo, partecipando regolarmente all’attività concertistica e alle tournée del teatro in Italia e all’estero. Ha collaborato e collabora tutt'oggi con Maitres de ballet ed insegnanti di  fama internazionale. Nel 2012, in occasione del bicentenario della nascita della scuola di ballo, si esibisce al Teatro San Carlo, eseguendo il pezzo per pianoforte di Claude Debussy  “Clair de Lune ” con il ballerino Domenico Luciani, su una coreografia di Domenic Walsh. Dal 2015 collabora con il pianista Francesco Nastro in un un progetto che prevede l'arrangiamento in chiave jazzistica per due pianoforti delle “danza di Brahms”, del “Sogno d'amore di Liszt” e della corrente in Gm di Bach e si sono esibiti in alcune manifestazioni importanti ,quali Ravello Festival, Napoli Piano City (main concert) ed altre associazioni musicali. Nel 2017 in occasione del Galà stelle del San Carlo compone un brano dal titolo "Senza di te" in prima mondiale commissionato ed eseguito dell'etòile di fama internazionale Giuseppe Picone tenutosi presso il Teatro Verdi di Padova.

EMANUELE PASSERINI - PACHO - OUR WORLD
Prodotto dall'etichetta pugliese Dodicilune, lunedì 26 febbraio esce in Italia e all’estero distribuito da Ird e nei migliori store digitali, "Our World", inedito progetto discografico del duo composto dal sassofonista Emanuele Passerini e dal percussionista Alessandro "Pacho" Rossi. Dieci brani originali, frutto di un serrato dialogo improvvisativo in studio di registrazione, per un album diviso in due "side": The Light Side ("Dawn Over A New Good World", "We Go East!", "Sayang", "The Flute Man", "Kill The Funk", "Dance To The Stars") e The Dark Side ("The Universe Is Our Home", "Free Spirits", "Stream Of Consc iousness"). "Our World" si chiude con il brano "Praises To The Masters" dedicato dai due musicisti a Nana Vasconcelos, Rashied Ali e John Coltrane. «Ho incontrato Pacho per la prima volta nel febbraio 2016, durante una sessione di registrazione in studio per il nostro amico e musicista Tiziano Tononi», sottolinea Passerini. «Sono rimasto impressionato dal suo modo di suonare, dal suo approccio spontaneo e disinvolto, dal suo senso del ritmo. Sentivo che eravamo sintonizzati su lunghezze d'onda simili. Così, poche settimane dopo, l'idea di registrare qualcosa con lui mi è venuta in mente in modo molto naturale», prosegue. «Per qualche tempo abbiamo solo scambiato idee e pensieri al telefono e poi ci siamo incontrati direttamente in studio per una sessione meravigliosa e molto coinvolgente. Prima non avevamo scritto nulla, avevamo solo sensazioni, intenzioni e giocavamo in totale libertà, seguendo l'un l'altro o seguendo le piccole idee abbozzate che avevamo deciso prima». Il risultato finale è un disco di improvvisazioni, alcune delle quali registrate direttamente e altre completate con sovraincisioni e aggiunte altri strumenti. «Ci siamo resi conto che durante quei giorni e attraverso le nostre anime uniche abbiamo "dipinto il mondo", abbiamo realizzato un "affresco musicale" che rappresenta i diversi lati e colori del nostro mondo, la luce e l'oscurità, la libertà e i molti contrasti, i suoni e il silenzio. E allo stesso tempo, mentre parlavamo gli uni con gli altri con i nostri strumenti e i nostri cuori, abbiamo elogiato i nostri Maestri la loro presenza e guida infinita e continua, da qui sulla Terra e dall'alto». Emanuele Passerini, classe 1971, si approccia allo studio del sassofono da autodidatta. La disinvoltura degli inizi gli regala un grande entusiasmo nel suonare e nel frequentare formazioni jazz, rock, blues, soul e acid. Studia con Daniele Cavallanti e Tiziano Tononi presso il CEMM di Bussero, per poi perfezionarsi con Tiziana Ghiglioni, Giovanni Tommaso, Walter Donatiello e Dave Liebman. Nel 2008 avvia il progetto New Standard Jazz Duo, oggi Painting Jazz Duo, con Galag Massimiliano Bruno Belloni che ha all'attivo, per Dodicilune, i cd "Talk and fly" (2013), "The well – Tempered Duo: Bach Project" (2014) e "Peace" (2017). Alex "Pacho" Rossi nasce a Milano nel 1970. Studia batteria e percussioni con Enrico Lucchini, Candelo Cabezas, Naco, Tiziano Tononi. Ha suonato con i maggiori artisti pop, rock e jazz italiani tra cui Rossana Casale, Karma, Ladri di Biciclette, Enzo Jannacci, Elio e le Storie Tese, Morgan, ed artisti internazionali come Jaimoe Johanson, James Taylor, Jenny Sheinman, Nels Cline, Ike Willis. Ha lavorato in televisione per la RAI italiana e molto altro. Insegna percussioni in NAM Bovisa a Milano.

SCHIAFFINI - PRATI - GEMMO - ARMAROLI - LUC FERRARI EXERCISES D'IMPROVISATION
Prodotto dall'etichetta pugliese Dodicilune, martedì 6 marzo esce in Italia e all’estero distribuito da Ird e nei miglior i store digitali, il progetto discografico "Luc Ferrari Exercises d'Improvisation". Il trombonista Giancarlo Schiaffini, il violoncellista Walter Prati, la pianista Francesca Gemmo e il vibrafonista Sergio Armaroli propongono un omaggio al compositore e attore sonoro parigino (nato nel 1929 e scomparso nel 2005), personalità di rilievo internazionale nella stagione della prima grande sperimentazione dell'arte sonora a partire dai primi anni cinquanta, ancora poco conosciuto in Italia. Il disco sarà presentato ufficialmente sabato 10 marzo (ore 21) al Teatro Arsenale di < strong>Milano, in collaborazione con Erratum, nell'ambito della serata dedicata al progetto Tautologos III che ripropone il lavoro per gruppo di musicisti e attori firmato da Luc Ferrari nel 1969. Sul palco con il quartetto del disco anche i musicisti Claudio Chianura, Brunhild Ferrari, Mario Mariotti, Steve Piccolo, Gak Sato, Andrea Vigani e gli attori Veronica Del Vecchio, Greta Di Lorenzo, Ian Gualdani, Alessandro Pozza, Margherita Serra, Barbara Villa. «Che componga musica strumentale (come la musica concreta che chiamerà più avanti, da Eterozigote in poi, “musica aneddotica”), che fabbrichi immagini, che scriva poesie o proprie riflessioni, che giri film, Luc esprime le sue emozioni, la sua curiosità e il suo amore per la vita sempre con entusiasmo», sottolinea la moglie Brunhild Meyer-Ferrar i nelle note di copertina. «È in effetti la società in ogni suo aspetto, (rivolta, gioia, sofferenza, intimità e amore) il fondamento stesso dei temi che lo preoccupano e che traduce nelle sue creazioni. Ognuna delle sue creazioni implica, dunque, queste emozioni contraddittorie. Gioioso di natura e amante della risata esprime i suoi sentimenti con umorismo, ma anche con derisione e autoironia. Perdere l’umorismo fu per la sua vita un grave trauma e lui lo combatté con forza», prosegue. «Luc non si era mai piegato alle esigenze del mondo della musica, né classica, né “contemporanea”. Dal momento che egli non appartiene a nessuna categoria estetica stabilita o in voga, gli organizzatori sembrano perplessi non sapendo a quale categoria assegnare la sua opera. Inoltre, quest’uomo sempre elegante, amabile e sorridente, non poteva essere preso sul serio per il suo umorismo da quelli che volentieri lo consideravano un tipo poco serio», si continua a leggere. «Uno dei s uoi beni più preziosi. Terminata un’opera, non esitava ad avventurarsi in un’esperienza e in un ambito che non aveva ancora esplorato. Fino alla fine della sua vita amò esplorare nuovi percorsi come maneggiare le piastre cd come i dj. Gli incontri con DJ Olive e con eRikm gli aprivano un altro eccitante mondo del quale avrebbe voluto prolungare la vita». Il booklet è completato dalla partitura testuale completa del 1977 di Luc Ferrari sull'improvvisazione. Il compositore studiò alla École normale de musique di Parigi e fece parte del Groupe de recherches de musique concrète della Radio francese. Insegnò, tra l'altro, a Colonia (1964-66) e a Montreal (1966-67 e 1969). Nel 1966 produce Les Grandes Rèpetition, una serie di documentari televisivi focalizzati sulla musica contemporanea, in particolare su Olivier Mes siaen, Edgar Varèse, Karlheinz Stockhausen, Hermann Scherchen e Cecil Taylor. Nel 1982 creò l'associazione "La Muse en Circuit", studio per composizione elettroacustica e arte radiofonica. Nel 1996 allestì, invece, il suo studio personale, l'Atelier post-billig. Nel corso della sua carriera ha composto brani di musica strumentale, concreta ed elettronica, conquistando numerosi premi e riconoscimenti.

GIANLUIGI TROVESI - MEDITERRANEAMENTE
Mediterraneamente è il nuovo progetto discografico di Gianluigi Trovesi in uscita lunedì 12 marzo per l'etichetta pugliese Dodicilune, distribuito in Italia e all'estero da Ird e nei migliori store digitali. Il clarinettista, sassofonista e compositore lombardo e il suo Quintetto Orobico - completato da Paolo Manzolini (chitarre), Marco Esposito (basso), Vittorio Marinoni (batteria) e Fulvio Maras (percussioni) - propone dodici brani tra composizioni originali ("Gargantella", "Cadenze Orfiche", "Rina e Virgilio", "Materiali", "Siparietto"), tradizione ("Carpinese"), musica italiana ("Le Mille bolle blu") e napoletana ("Tu ca nun chiagne", "Tammurriata Nera"), standard internazionali ("Yesterdays", "In your Own Sweet Way") e un pezzo ("La Suave Melodia") del compositore barocco Andrea Falconieri (1585-1656).  «Credo che nell’ampia produzione discografica di Gianluigi Trovesi questo lavoro venga considerato dal suo autore come qualcosa di particolarmente intimo», sottolinea nelle note di copertina il giornalista, critico musicale e scrittore Claudio Sessa. «"Per me molti di questi brani sono come delle serenate", afferma Trovesi. Serenate, aggiungiamo, che si richiamano a un lirismo aperto, a volte teatrale: non le ruvide dichiarazioni d’amore che si potevano ascoltare nelle valli orobiche dalle quali è e merso il talento del nostro polistrumentista, ma la tradizione espressiva che egli definisce "mediterranea", in uno sguardo globalizzante che va da Gibilterra ai Dardanelli, dal Cairo a Marsiglia», prosegue Sessa. «E infatti spesso il suo interlocutore primus inter pares in questa incisione è la chitarra, storica protagonista (nelle sue varie incarnazioni regionali, dall’oud/liuto al mandolino al bouzuki) di tante appassionate canzoni notturne all’amata. Anche se poi Paolo Manzolini ne declina l’espressività in modo pienamente contemporaneo. Serenate del mondo d’oggi possono essere considerati anche gli standard della tradizione statunitense qui presenti, "Yesterdays" e "In Your Own Sweet Way" (entrambi riletti in modo appassionatamente originale), così come i momenti più ritmici dell’album, legati alla lunga (e un po’ autoironica) consuetudine di Trovesi per i temi danzanti e "dionisiaci"», sottolinea il giornalista. «Intima è anche la formula strumentale scelt a dal leader, che lega alcuni suoi storici collaboratori in conversazioni a poche voci, duetti, trii, scarne aperture più collettive che lasciano poi spazio a lievi "a parte" per un singolo strumento. Intimo e rivelatore, infine, mi pare il grande spazio assegnato in questa occasione al sassofono contralto. "In fondo io mi considero da sempre un altista", sottolinea Trovesi, che è particolarmente orgoglioso di essere stato lungamente "primo sax alto" della gloriosa orchestra ritmica (cioè fondamentalmente jazzistica) della Rai di Milano; e la constatazione, uscendo dalla bocca di uno dei maggiori responsabili della rinascita del clarinetto (anzi, della famiglia dei clarinetti) nel jazz contemporaneo, europeo e mondiale, non è da trascurare. È vero», conclude Sessa, «Trovesi nell’animo è sempre un sax contralto, anzi un grande sax contralto. La duttilità melodica, la varietà timbrica, l’intensità dinamica che esprime col suo strumento in questo disco sono quelli di un canto aperto, libero, necessario. Proprio la libertà e la necessità che spingono gli uomini a cantare le loro serenate».

GLUTENFREE TRIO - FARINA DEL MIO SACCO 
Prodotto dall'etichetta pugliese Dodicilune, martedì 20 marzo esce in Italia e all’estero distribuito da Ird e nei migliori store digitali, "Farina del mio sacco" il nuovo progetto discografico di brani originali del Glutenfree Trio, composto da Davide Di Camillo (basso elettrico), Christian Mascetta (chitarra elettrica) e Andrea Giovannoli (batteria), affiancati in quattro pezzi dal sassofonista Mattia Feliciani. Otto composizioni originali nelle quali il connubio tra funk, jazz, blues e rock genera melodie cantabili su un tappeto di energia e groove. Il disco sarà presentato ufficialmente in concerto sabato 7 aprile (ore 21 - ingresso libero) al Teatro Comunale di Città Sant' Angelo, in provincia di Pescara. "Se la musica è mia non può che essere senza glutine". Il Glutenfree Trio nasce nel 2016 dall'autoiro nica idea del bassista Davide Di Camillo che avverte l'esigenza di sviluppare le proprie idee musicali. Grazie a Christian Mascetta e Andrea Giovannoli, la band comincia a prendere forma partecipando a numerose rassegne ("Sabato in concerto jazz") e ottenendo i primi riconoscimenti (2016, primo premio al "Festival Nazionale dei Conservatori di musica Città di Frosinone"). A meno di un anno dalla sua nascita, il trio viene invitato a esibirsi a Instabul dal Comitato Nazionale Italiano Musica in collaborazione con l'Istituto Italiano di Cultura della metropoli turca. Il 2 maggio 2017 i tre musicisti entrano in studio per le registrazioni del primo disco. La scelta di suonare in trio (pur collaborando con con altri musicisti) non è casuale, anzi proprio dall'interplay e dallo scambio di idee tra i tre componenti nascono i brani originali di "Farina del mio sacco".

GINO GIOVANNELLI - OVERWHELMED
Prodotto dall'etichetta pugliese Dodicilune, esce il 25 marzo in Italia e all’estero distribuito da Ird e nei migliori store digitali, Overwhelmed, esordio discografico di Gino Giovanne lli. Negli otto brani originali il pianista e compositore campano è affiancato da Luigi Di Nunzio (sax), Marcello Giannini (chitarra), Umberto Lepore (contrabbasso) e Salvatore Rainone (batteria). Il disco sarà presentato ufficialmente nel giorno dell'uscita a Napoli all'interno della rassegna Piano City Napoli in due differenti performance: la prima alle 12 nello studio di registrazione Little Green House (Piazza Quattro Giornate 64) con un set elettrico (piano rhodes, synth ed effetti); la seconda dalle 16 in piano solo nella Casina Pompeiana della Villa Comunale. “È quasi come se varie sfaccettature di quest’artista emergessero allo stesso tempo", sottol inea nelle note di copertina il pianista italoinglese Juan Oliver Mazzariello. "Una miscela di sonorità che si possono trovare in generi che variano dal rap al rock, al jazz e perfino alla moderna musica classica. Indubbiamente si sente l’influenza di pionieri del jazz moderno come Aaron Goldberg, Mark Turner e Jonathan Kreisberg. I toni variano attraverso gli stili, fraseggi melodici (un suono continuo dato da un misterioso gusto della chitarra che va oltre il classico quartetto) e un ritmo molto complesso”. Il booklet è completato dalle brevi recensioni dei pianisti Roberto Tarenzi (“Gino è un pianista di raro talento e in questo suo primo album troviamo lirismo e introspezione non comuni accanto a forti influenze newyorkesi nella scrittura e nelle improvvisazioni”), Domenico Sanna ("Il disco esprime delle belle melodie, seppur non semplici allo stesso tempo musicali e piacevoli all’ascolto”) e Andrea Rea ("Nelle composizioni spicca un accurato equilibrio degli stru menti, tipico dei più grandi gruppi attuali. Mi ha colpito molto la vena melodica ed il suono di gruppo che è riuscito a creare").

SEBASTIAN PIOVESAN - TRAVELLING NOTES
Prodotto dall'etichetta pugliese Dodicilune, esce martedì 3 aprile in Italia e all’estero distribuito da Ird e nei migliori store digitali, "Travelling Notes", nuovo lavoro discografico del bassista e compositore veneto Sebastian Piovesan. Sette composizioni originali ispirate dalle esperienze vissute in occasione di alcuni viaggi in Francia, Belgio, Estonia che Piovesan cerca di esprimere attraverso suoni, melodie e armonie. "Note di Viaggio" o “Note in Viaggio”, n arrate come storie, brani scritti e suonati mentre il musicista esplorava questi luoghi. Ad accompagnarlo in questo viaggio, quattro musicisti che si sono formati, come Piovesan, al Conservatorio Giuseppe Tartini di Trieste: Francesco Ivone alla tromba, Giorgio Giacobbi ai sassofoni, Francesco De Luisa al pianoforte, Camilla Collet alla batteria. Il disco sarà presentato ufficialmente lunedì 9 aprile (ore 19) nel Laboratorio dell'orafo Maurizio Stagni in Via degli Artisti 7 a Trieste e il 28 aprile (ore 20.30) al 27Bflat Jazz & Blues Eetcafé di Brugge in Belgio. «Ogni viaggio inizia con quell’apparente sensazione di disorientamento, in cui tutto è nuovo ma che presto diventerà familiare (Disoriented Breeze)», spi ega Piovesan. «Il buio e la notte, il silenzio e la tranquillità, momenti in cui volgendo uno sguardo al cielo qualcosa ci riporta a casa (Evenings). Piacevoli sorprese, un dolce incontro inaspettato (Whillip), sensazioni ed emozioni che raccogliamo e portiamo dentro senza fine e senza tempo (Aeonian). È un girovagare attorno a qualcosa di misterioso che ci attrae (Around a Round Trip), forse inconsapevolmente spinti da quel proprio istinto che ci accompagnerà sempre (Funky Feeling). Un luogo diventato casa, non vorresti più ripartire, ma in cuor tuo sai che lo rivivrai ancora (Näeme jälle). L’augurio è che questo racconto sia soltanto la prefazione di una lunga narrazione ancora tutta da scrivere».

LELLO PETRARCA TRIO - REFLECTIONS
“Reflections" è il titolo del nuovo album del pianista e compositore campano Lello Petrarca. Prodotto, come il precedente "Musical Stories", dall'etichetta pugliese Dodicilune, il cd esce lunedì 9 aprile in Italia e all’estero distribuito da Ird e nei migliori store digitali. Affiancato da Vincenzo Faraldo al contrabbasso e Aldo Fucile alla batteria, Petrarca propone cinque suoi brani inediti ("Infinity", "Rigo Piano", "Reflections", "Giocando ad Anatole ", "Bye Joseph"), tre rivisitazioni ispirate dai temi classici di Debussy ("Un preludio in jazz"), Beethoven ("Patetico adagio") e Mozart ("Turca Fuga") e la conclusiva "Someday My Prince Will Come", brano di Larry Morey e Frank Churchill che fa parte della colonna sonora del film Disney "Biancaneve e i sette nani". «Lello Petrarca è semplicemente tutto quello che un musicista italiano degli anni duemila dovrebbe essere. Pianista vero, conosce a perfezione la storia del suo strumento (probabilmente il più “ingombrante”, in tutti i sensi, della cultura musicale occidentale) e questo gli consente di transitare con la leggera disinvoltura che solo una conoscenza intima e profonda permette per territori solo apparentemente lontani tra loro», sottolinea Gabriele Mirabassi nelle note di copertina. «Il pianismo classico romantico e l'amore per i grandi pianisti della storia del jazz sono senza d ubbio i fari che orientano con sicurezza il suo vagabondare tra stili e linguaggi», prosegue il clarinettista. «L'investimento in composizione e il conseguente rigore interpretativo richiesto al trio, il controllo dell'equilibrio formale fra scrittura e improvvisazione, la qualità dell'interazione fra i musicisti sono i valori che più saltano all'occhio. Il resto sta nella sua lunga esperienza e convivenza con e nella musica: l'anima partenopea con la sua proverbiale attitudine all'espressività “cantata”, la frequentazione assidua della pratica dell'arrangiamento e le incursioni in ambito pop sono ulteriori elementi che si fondono mirabilmente in una figura di musicista onnivoro e appassionato, capace di far confluire con naturalezza il suo enorme vissuto musicale in linguaggio affascinante e personale. Tutto questo è evidente in questo  bel lavoro discografico, che trasuda musicalità e cultura, divertimento e intensità, profondità e leggerezza. È stato un bel viaggio ascoltarlo da capo a fondo, seguirne le imprevedibili svolte stilistiche, le innumerevoli citazioni colte e popolari, la franca e rilassata comunicativa, lo swing, la cura del dettaglio esecutivo, le sorprese di arrangiamento. Il tutto condotto con grande personalità e sicurezza, senza mai essere straniante o provocare spaesamenti, ma anzi, riuscendo a mantenere una notevole coesione e unitarietà, un suono peculiare, una personalità forte. Magari i dischi riuscissero sempre così!».

MARCELLO CLAUDIO CASSANELLI - OVERTOUR
Prodotto dall'etichetta pugliese Dodicilune, esce lunedì 16 aprile in Italia e all’estero distribuito da Ird e nei migliori store digitali “Overtour", nuovo progetto discografico di Marcello Claudio Cassanelli. Il pianista e compositore propone sette bran i originali affiancato da Blake C.S. Franchetto al basso elettrico e contrabbasso, Bruno Farinelli alla batteria e, in due brani, da Cristiano Arcelli al sax e dalla voce di Giulia Barozzi. Un viaggio attraverso composizioni caratterizzate da elementi ritmici mediterranei e da influenze timbriche tipiche del periodo degli anni ‘70. Una scrittura che tiene fortemente coese melodia ed improvvisazione e si sviluppa con formazioni varie dal piano-trio fino all'interazione con sassofono, flauto e voce. L'uso di tastiere elettriche, piano rhodes e synth, oltre al pianoforte, conferisce ai brani un proprio sapore stilistisco che si allontana dal mainstream in una direzione di ricerca sonora propria e originale. Marcello Claudio Cassanelli, laureato con lode al biennio specialistico in musica jazz, dimostra spicca te attitudini musicali sin dall'infanzia e, dopo aver conseguito il diploma in pianoforte a pieni voti, coltiva con ampio interesse la musica jazz e rock esibendosi in numerose formazioni musicali. Accede quindi al biennio in musica jazz al Conservatorio G.B. Martini di Bologna. Studia con i docenti Stefano Zenni, Fabrizio Puglisi, Giampaolo Ascolese, Gregory Burk e consegue la laurea presentando la tesi sul processo artistico scaturito da Miles Davis, e la creazione dello stile per il piano elettrico. Durante la prima adolescenza frequenta inoltre il conservatorio per il corso di flauto traverso ed approfondisce la conoscenza di altri strumenti musicali come chitarra e percussioni. In quanto polistrumentista vanta collaborazioni per produzioni musicali di vario stile e l’album Overtour è il suo primo lavoro discografico che lo vede protagonista come compositore ed arrangiatore.

L’etichetta salentina Dodicilune è attiva dal 1996 e riconosciuta dal Jazzit Award tra le prime etichette discografiche italiane (dati 2010/2014). Dispone di un catalogo di oltre 220 produzioni di artisti italiani e stranieri, ed è distribuita in Italia e all'estero da IRD presso 400 punti vendita tra negozi di dischi, Feltrinelli, Fnac, Ricordi, Messaggerie, Melbookstore. I dischi Dodicilune possono essere acquistati anche online (Amazon, Ibs, LaFeltrinelli, Jazzos) o scaricati in formato liquido su 56 tra le maggiori piattaforme del mondo (iTunes, Napster, Fnacmusic, Virginmega, Deezer, eMusic, RossoAlice, LastFm, Amazon, etc).
_________________________________________________________________________________

ALFAMUSIC 
presenta

Riccardo Fassi Tankio Band meets Fabio Morgera  
"Scrittura e concezione complessiva tengono conto della moltitudine di elementi presenti nella realtà e, di conseguenza, nella musica". La moltitudine di elementi si amplia nell'incontro tra Fabio Morger a e la Tankio Band guidata da Riccardo Fassi. Ed è un fenomeno che si genera per motivi diversi, musicali e filosofici e, naturalmente, per le combinazioni che si innescano tra i vari livelli di lettura. Sette composizioni di Fabio Morgera, alcune già apparse in altre registrazioni - come Illegal Immigration started in 1492, presente in CTRL-Z, o Spanteco (Vomero), ascoltata in Neapolitan Heart - altre inedite o composte per l'occasione. L'interpretazione dei brani si costruisce via via insieme a Riccardo Fassi e ai musicisti della Tankio Band: arrangiamento, conduction, stratificazione di livelli sonori, la capacità di passare dall'organico completo alla dimensione del piccolo combo, un disegno ormai abituale tanto per la formazione, ormai un patrimonio della scena jazzistica nazionale, quanto per il trombettista. La st oria della Tankio Band racconta di collaborazioni ben scelte, dell'intenzione di    affrontare repertori importanti e distanti tra loro. Una visione peculiare e il lavoro certosino fatto dal collettivo seguendo la filosofia e la curiosità di Riccardo Fassi connettono la firma stilistica della band con la storia degli organici ampi del passato, ne filtrano i  riferimenti attraverso una analisi sempre attenta e definiscono con decisione il carattere originale della formazione. Fabio Morgera, dal canto suo, ha vissuto a lungo a New York e, come è facile immaginare, ha maturato negli anni, grazie alle sue intenzioni personali e alle collaborazioni, uno stile personale capace di tenere insieme tensioni ritmiche, radici italiane e nervature afroamericane, l'attenzione alla pagina scritta e alla melodia. Nei suoi lavori, ha sempre puntato a dare una lettura stratificata dell'attualità, una l ettura che non coinvolge solamente gli aspetti musicali e, quindi, anche questo nuovo disco si pone in modo coerente con la visione complessiva del trombettista.

Esce il nuovo album di Cettina Donato "Persistency-The New York Project"
Esce il 10 marzo per AlfaMusic il quarto disco registrato a New York della compositrice, pianista e direttore d'orchestra Cettina Donato, presentato con un tour in Italia e all'estero. Di origine siciliana, da anni divide la sua carriera tra Stati Uniti e Europa. L'intero ricavato dalla vendita dei dischi sarà devoluto alla costruzione della Residenza "VillagGioVanna" in provincia di Messina: un progetto di accoglienza da lei ideato e fortemente voluto. "Puoi raggiungere qualsiasi obiettivo tu abbia programmato ma ci vuole azione, persistenza e la capacità di guardare in faccia le tue paure. Questo è il motivo per cui ho chiamato il mio nuovo progetto "Persistency" (perseveranza) perché niente è impossibile e non abbiamo alcun limite. Noi stessi siamo il nostro limite. Dobbiamo soltanto credere un po’ di più in noi stessi. Mi auguro che le musiche di questo album siano di vostro gradimento perché sono state realizzate con amore e con il cuore." Cettina Donato. Registrato lo scorso settembre a Brooklyn, e presentato live in anteprima al Blue Note di New York, il disco nasce dal successo di precedenti collaborazioni di Cettina Donato con il grande batterista Eliot Zigmund, con il sassofonista Matt Garrison e il contrabbassista Curtis Ostle. Composto da otto tracce, questo nuovo lavoro ospita sette brani originali concepiti come grandi omaggi agli artisti più amati da Cettina Donato: George Gershwin, Thelonious Monk e Herbie Hancock - che più volte ha incoraggiato personalmente la stessa Cettina allo sviluppo della sua vena creativa - anche se a livello compositivo talvolta si discosta dalla tipica forma della jazz song. Valorizzato è comunque il senso della semplicità e della cantabilità, da sempre peculiarità della sua visione musicale. La tracklist ospita anche il brano "Lawns" di Carla Bley, con un mood che rispecchia musicalmente l'andamento dell'intero disco. Il tour di presentazione del disco prevede date in Europa e Stati Uniti, con un calendario in continuo aggiornamento e con diversi musicisti ad avvicendarsi nella formazione trio e quartetto, tra cui Eliot Zigmund, Matt Garrison e Curtis Ostle per le date negli USA, Marton Juhasz, Matyas Hofecker, Vito di Modugno, Francesco Ciniglio, Luca Fattorini, Mimmo Campanale, Riccardo Fioravanti, Stefano Bagnoli, Nino Pellegrini e Vladimiro Carboni per le date in Europa. Il primo concerto avverrà in piano solo a Budapest il 13 marzo alla Sala Giuseppe Verdi per l'Istituto Italiano di Cultura, mentre il 15 marzo Cettina sarà a Praga nello storico Reduta Jazz Club in trio con Marton Juhasz alla batteria e Matyas Hofecker al contrabbasso, sempre per un evento in collaborazione con l'Istituto Italiano di Cultura.  Il 30 aprile vi sarà il primo live in Italia alla Casa del Jazz di Roma, in occasione dell'International Jazz Day UNESCO. Il 6 maggio Cettina sarà al The Club di Viareggio, il 26 maggio a Foggia, il 27 ad Andria e il 28 a Valenzano, mentre il 23, 24 e 25 giugno sarà a Feltre protagonista di una residenza artistica al Jazzit Fest. Il 29 agosto tornerà negli Stati Uniti per un concerto a Kendall Square, Cambridge, e il 18 settembre a Boston per il Sounds of Italy Festival. Cettina ha deciso di devolvere tutto il ricavato della vendita dei dischi ad un progetto da lei fortemente voluto: la costruzione della Residenza “VillagGioVanna”, in provincia di Messina, destinata ad ospitare in maniera permanente bambini, ragazzi e adulti affetti da autismo e che non hanno il sostegno della propria famiglia. Il progetto comprende anche un grande spazio destinato alle attività musicali con uno studio dotato di strumenti, dischi, una sala cinema, un terreno che ospiterà animali domestici per la Pet Therapy ed anche una piscina. Previsto il supporto di medici, assistenti, infermieri, operatori. Cettina Donato da sempre divide la sua carriera tra Stati Uniti e Italia, luoghi nevralgici dove, tra jazz e classica, ha sviluppato un intenso percorso artistico, dalla composizione e direzione per orchestra, alla conduzione di formazioni come trio e quartetto, al piano solo, collaborando con molti artisti noti della scena internazionale. Il JAZZIT Award 2015 ne riconosce i meriti annoverandola nella classifica dei migliori arrangiatori italiani. Un patrimonio di conoscenze ed espressività che in Italia diffonde anche attraverso una intensa attività didattica nei conservatori di Messina, Alessandria e Livorno.

MAURIZIO PETRELLI - SCATOLE DI VETRO
Da pochi giorni è in distribuzione “Scatole di vetro”, secondo lavoro discografico con creazioni originali del crooner e autore salentino Maurizio Petrelli, prodotto dall’etichetta romana AlfaMusic, fondata nel 1990 da Fabrizio Salvatore e Alessandro Guardia. L’album – continuazione ideale di un percorso musicale che ha avuto come prima tappa il precedente “Amori e Altre Storie. Divagazioni di un alchimista” (AlfaMusic 2015) – è arrangiato da Franco Piana e Vincenzo Presta, che arricchiscono con maestria i testi di Petrelli. "I temi che l’autore propone disegnano un universo espressivo variegato, ora incline all’intimismo, ora attento all’ambito sociale della contemporaneità. Il registro stilistico è adeguato al racconto di avventure, impressioni e ricordi che emergono come tracce di un acuto scavo interiore. Mai toccato da tentazioni di autocensura o edulcorazione, anzi profondamente sincero. Incline, semmai, a ricorrere all’ironia per alleggerire il dramma o rifuggire dal melenso", si legge nelle note di copertina di Carmine Zocco. Una parte del disco è dedicata a Nicola Arigliano, con un omaggio ai suoi motivi più famosi e una rilettura di “Colpevole” (AlfaMusic, Nun, Raitrade), Premio della Critica al Festival di Sanremo 2005. "Il percorso musicale si conclude con un’emozionante incontro con il suo pubblico grazie a “Eccomi qui”, un brano per pianoforte e voce che è anche il titolo del nuovo show di Petrelli. Il tocco nitido e il fraseggio lirico di Ettore Carucci costituiscono il tappeto sonoro ideale per l’invito al viaggio in un universo emotivo policromo (variamente colorato), impreziosito da musicisti jazz molto bravi e particolarmente versati nello swing e nella costruzione di atmosfere da “crooner”, in cui si esalta la vena interpretativa di Petrelli", conclude Zocco.  Il cantante è affiancato da Stefano Sabatini (pianoforte), Francesco Puglisi (contrabbasso e basso elettrico), Dario Congedo (batteria), Daniele Leucci (percussioni), Paolo Zou (chitarre), Fernando Toma (campionamenti, archi), Anita Pusceddu e Alessandro Guardia (cori), Mirko Rinaldi (tromba e flicorno), Franco Piana (tromba e flicorno), Ambrogio Frigerio (trombone), Ferruccio Corsi (sax alto, flauto), Vincenzo Presta (sax soprano, sax tenore) e il quartetto d'archi Bim Orchestra composto da Marcello Sirignano (I violino), Mario Gentili (II violino), Stefania Di Biase (viola) e Laura Pierazzuoli (violoncello). Maurizio Petrelli inizia la sua carriera artistica come batterista negli anni ’60. Successivamente inizia a suonare il piano e a cantare. Con la Spaghetti Gang, progetto swing che fonda insieme ai fratelli Nando e Giorgio Mancarella e al sassofonista Gigi Galante, realizza una tournée con la cantante Viola Valentino e svolge intensa attività live in giro sulle navi da crociera nel mondo. Al rientro da queste esperienze internazionali nasce l’idea di formare un’orchestra e Petrelli allarga l’organico alla sezione fiati curando personalmente gli arrangiamenti. La band realizza numerosi live di successo che culminano con la pubblicazione di un primo disco di cover. Negli anni 90 si dedica al Rhythm & Blues fondando i “Soul Brothers” con i quali nel 1999 incide il primo album “SuperCovers”. Nel 2002 nasce una collaborazione con il trombettista Guido Pistocchi con il quale realizza un repertorio di “evergreen”. La passione per i grandi ensemble evolve nella big band “Grande Salento Orchestra”, composta da 17 elementi, giovani musicisti provenienti dal conservatorio e apprezzati professionisti salentini, che debutta nel 2008 al Teatro Paisiello di Lecce sotto la direzione di Marco della Gatta. Nel 2010 nasce il progetto “Pugliamerica a/r”, originale percorso musicale in chiave swing che parte dai brani classici di Frank Sinatra  e approda alle composizioni più suggestive di Domenico Modugno che diventa anche un disco prodotto dalla Dodicilune. Nel 2015 il suo secondo cd in big band dal titolo “Amori e altre storie” (AlfaMusic) realizzato grazie agli arrangiamenti di Franco Piana, contenente brani originali di Petrelli e un brano del trombettista Guido Pistocchi, presente nel disco anche come musicista. Dal lavoro emerge una notevole varietà di registri espressivi, dal monologo dichiaratamente intimista al dialogo con interlocutori veri o immaginati, dal bozzetto ironico al ritratto amaro. La via maestra delle grandi orchestre dell’età dell’oro del jazz si incrocia con i ritmi latinoamericani o si espande in ballad struggenti.

Esce RockinJazz. Frankie firma la sua lettera d’amore al rock a ritmo di jazz
Francesco di Giovanni e il suo trio Frenkie’s Jazz Trio presenteranno il loro nuovo album Rock in Jazz Domenica 22 aprile 2018 alle ore 17.00 presso la Biblioteca Franco Basaglia (Via Federico Borromeo, 67- ingresso gratuito). RockinJazz è il nuovo lavoro discografico di Francesco Di Giovanni, in arte Frankie, che con il suo trio attraversa i grandi capolavori del rock, ma anche di certo pop anni ’60 e ’70. Di quella musica che ha costruito il grande immaginario collettivo e che viene riassorbita e riletta grazie ai raffinati e potenti strumenti che regala il jazz, ma anche ad una solida cultura chitarristica jazz. Al fianco di Frankie sono: Giampiero Merluzzi al basso e Alberto Proietti Gaffi alla batteria. La tracklist spazia da California dreamin’ dei mitici Mama’s and Papa’s, ripercorre i suoni di Hey Joe di Billy Roberts, Just the way you are di Billy Joel, per toccare intramontabili come Yesterday o Let it be dei Beatles o Knockin’ on heaven’s door di Bob Dylan o Isn’t she lovely e Superstition di Steve Wonder e Jamming di Bob Marley. Poi ci sono i grandi titoli del rock: Light my fire dei Doors, Message in a bottle dei Police, Paint it black dei Rolling Stones. O l’R&B di Otis Redding con The dock of the bay o lo struggente romanticismo, se pur rock, di The house of the rising sun, cavallo di battaglia di The Animals. Una chicca: il cd chiude con i ritmi latini di Deixa isso pra là di Jair Rodriguez. Come ben spiega Renato Marengo nella sua prefazione all’album: “Rileggere con la scrittura sincopata del jazz l’evoluzione di trent’anni del Rock. Questo fa Frankie nel suo Rock in Jazz che, attenzione, non vuole essere un modo per tradurre in un linguaggio più sofisticato il più popolare rock. Piuttosto per guardare pagine di musica che sono oramai la nostra memoria collettiva da un altro angolo visuale: personale, qua e là forse intimo. La realtà è che chi la musica l’ha studiata, non ha potuto studiare la scrittura rock. Il rock non si insegna nelle scuole o nei conservatori. Il rock è una passione, qualche volta un ricordo: che rimane dentro e segna il ritmo delle emozioni. Ecco: Frankie riguarda le emozioni di allora con il linguaggio della sua passione di oggi, il jazz. Ed è uno sguardo delicato e appassionante.”
_________________________________________________________________________________

AL DI MEOLA
Il 23 febbraio 2018 esce “OPUS” il nuovo album del brillante polistrumentista, via earMUSIC con distribuzione Edel Italy

earMUSIC è lieta di annunciare il nuovo lavoro discografico di AL DI MEOLA, il brillante e virtuoso polistrumentista, compositore e arrangiatore italo-americano, considerato una leggenda vivente e uno dei più innovativi musicisti al mondo. Il suo nuovo lavoro discografico, OPUS, sarà pubblicato il 23 febbraio 2018 e sarà distribuito da Edel italy. Al Di Meola è un vero e proprio pioniere nel combinare sapientemente world music, rock e jazz. La sua continua e costante attrazione verso una ritmica complessa, combinata con audaci melodie liriche e armonie sofisticate, è stata da sempre il fulcro della sua musica, il cuore pulsante da oltre ormai 4 decenni di attività. Vincitore di un Grammy Award, ha raggiunto la fama mondiale sia per la sua carriera da solista, ma anche per le numerose collaborazioni con artisti del calibro di Frank Zappa, Jimmy Page, Stevie Wonder, Chick Corea, Paco De Lucia, John McLaughlin, Jean-Luc Ponty, Stanley Clarke, Luciano Pavarotti, Paul Simon, Phil Collins, Santana, Steve Winwood, Herbie Hancock, per citarne solo alcuni. Inoltre, Al Di Meola ha ricevuto dal periodico americano Guitar Player il più alto numero di premi rilasciato dalla rivista. Pur vantando un curriculum vitae ricco di numerose esperienze, di album incredibili e di collaborazioni di prestigio, Al Di Meola è pronto ora a mettersi nuovamente alla prova spingendo la sua musica verso nuovi confini, ma con un approccio molto più rilassato. Nel corso degli ultimi anni, infatti, ha effettivamente ricominciato da capo, reinventando sé stesso sia sul piano professionale, che nella vita privata. E’  lo stesso Di Meola ad affermare: “With OPUS I wanted to further my compositional skills as I think that the evolution of this part of my persona has labelled me more composer/guitarist than guitarist/composer, at the same time this record also marks a new era in my life. For the first time in my life, I have written music being happy, I’m in a wonderful relationship with my wife, I have a baby girl and a beautiful family that inspires me every day. I believe it shows in the music.”
________________________________________________________________________________

GIORGIO DISTANTE - MENO MONDO POSSIBILE
DESUONATORI

Da oggi (18 gennaio) disponibile in tiratura limitata in versione 33 giri 
e in ascolto e download gratuito su SoundCloud

Giovedì 18 gennaio esce “Meno Mondo Possibile”, nuovo disco del trombettista e compositore pugliese Giorgio Distante, prodotto da Desuonatori, collettivo indipendente di musicisti. Una lingua sonora che si compone di piccole frasi di un vocabolario privato. Otto brani inediti che diventano la codifica in musica del mondo di Distante, accompagnato dalla chitarra baritona e dall'elettronica di Valerio Daniele e dalla batteria di Dario Congedo. Distante ha registrato il disco e si esibisce nei live con uno strumento elettroacustico di sua ideazione e progettazione. HY E.T. - Hybrid Electroacoustic Trumpet o Hello ET è, infatti, un ibrido, sintesi tra elettronica e tromba. I tre musicisti sono minuziosi e rituali nel loro assoluto senso del nuovo e non sentito. Distante pensa a un mondo sonoro che va dal jazz alla musica di Frank Zappa, passando per sonorità dub e puramente elettroniche. Meno Mondo Possibile è disponibile in tiratura limitata in versione 33 giri e in ascolto e download gratuito su SoundCloud. Il trio propone la ricerca di piccoli mondi, diversi e riconoscibili: cercare un luogo sicuro, lontano dalla necessità di piacere a tutti i costi e con il peculiare rischio di sbagliare. Meno Mondo Possibile è un punto di vista, uno spiare possibilità diverse e lasciarsi ancora sorprendere. È un vocabolario di una decina di parole al massimo, per comprendersi immediatamente. Senza più bisogno di perdersi, senza bisogno di capirsi. Sporgersi verso la soglia. Guardare il limite e non vedere la fine. Ma starci in piedi. Saldi, precisi, a tempo. Meno mondo possibile è «il suono dei miei rapporti con le persone», sottolinea Distante. Il cd si apre con E si comincia sempre parlando del tempo («Incontrando qualcuno che non fa parte della tua quotidianità, di qualcosa bisognerà pur parlare»), e prosegue con Lorenzo («La mancanza improvvisa. Dedicata a una persona che non c’è più»), la title track («Non scendo in piazza, non manifesto, ma sto zitto e medito»), Hitchcock («Omaggio al grande regista, maestro dell’ansia»), Siamo circondati («È il tempo utilizzato per costruire qualcosa prima che qualcuno possa dirti di non provarci perché potresti sbagliarti»), Mi fai una domanda ma non ascolti la risposta («Atteggiamento praticamente giustificato su vari livelli di utenza»), Primo giro di giostra («Una nuova vita che si forma, una nuova speranza»). L’unico brano non firmato da Distante è Somma devozione, regalato al progetto da Dario Congedo.

Info
________________________________________________________________________________

Gianluca Vigliar - Fragia
(Autoproduzione, Edizioni Lhobomusic, distribuzione digitale CD Baby, 2017)

Fragia è l'album d'esordio di Gianluca Vigliar. Autoprodotto per l'etichetta romana Lhobomusic, distribuito in digitale da CD Baby. Verrà presentato in concerto il 1 marzo a Roma a Il Cantiere e il 3 marzo allo Spazio ZTL a Napoli. Fragia è muoversi irrequieto, mai agitato, che travalica i confini del genere in favore dell'esplorazione di diversi ambienti musicali. È il frutto di un intenso interplay e di una costante tendenza a creare situazioni mutevoli in cui i solisti hanno la possibilità di alternarsi su strutture differenti. I brani che compongono l'album nascono da una scrittura istintiva e da un'esplorazione musicale che va dalla musica classica al free jazz. Gianluca Vigliar nasce a Roma nel 1979 e inizia a studiare pianoforte all'età di 8 anni e s'innamora del jazz e del sassofono quando, dopo qualche anno, assiste ad un concerto di Tony Scott a Il Cantiere, a Trastevere, locale che da sempre funge da incubatore della scena jazz underground romana. Diploma in sassofono al Conservatorio Morlacchi di Perugia e laurea al biennio jazz al Conservatorio di S.Cecilia. A Fara in Jazz 2010 è premiato come miglior solista , titolo che lo porta l'anno seguente a esibirsi agli “Italian Jazz Days a New York” con Fabio Zeppetella ospite del suo Vigliar G Trio. Con l’ensemble di Paolo Damiani si esibisce in diversi festival (tra cui Siena Jazz, Roccella Jazz Festival). Come primo tenore ha fatto parte dell’Orchestra Jazz di Villa Celimontana diretta da Mario Corvini e della OJP di Pino Jodice, con cui ha partecipato anche alla prima edizione de Il Jazz Italiano per L'Aquila insieme a Paolo Fresu e Raed Khoshaba. La collaborazione con il musicista partenopeo è poi continuata con il "Pino Jodice Quintet". Suona stabilmente dal vivo con la promettente contrabbassista romana Federica Michisanti.
________________________________________________________________________________

A due anni da 'Controllo' torna il duo italiano residente a Parigi. No cd, no vinile ma musicassetta rosa in tiratura limitata per Ludwig e Bronkos, devoti al kraut rock e al garage. Pubblica Skank Bloc Records 

GLI INSETTI NELL'AMBRA
L'Aleph
Skank Bloc Records 2018 
(distr. Spotify, BandCamp, Deezer etc.)
7 brani, 26 minuti

7 brani, 26 minuti, chitarra, basso e drum machine. Tutto minimale, scarno, ma inesorabilmente elettrico e penetrante. Sono un duo italiano, vivono a Parigi dopo un transito a Zurigo, sono una colonna della scuderia Skank Bloc Records e pubblicano solo ed esclusivamente su cassetta. Musicassetta, quella rettangolare coi due buchetti e il nastro dentro, che fa tanto vintage ma più figa del vinile perchè piccola e per pochi. Non è un caso che L'Aleph esca in sole 75 copie: splendida grafica di Reg Mastice, stampa su carta argento, cassette rosa numerate a mano. A due anni di distanza dal debutto Controllo, Gli Insetti nell'Ambra tornano con L'Aleph. Ancora una volta formazione base in duo, ancora una volta su cassetta, ancora una volta con la label-famiglia Skank Bloc Records. Squadra/scrittura/sound che vince non si cambia, come sottolinea il duo: "Come sempre i brani sono scritti da Ludwig van Baloney e colorati da Bronkos! Ludwig scrive un testo, poi una linea di basso per accompagnare il suo canto, poi si fanno le prove, e Bronkos fa (quasi) tutto quello che vuole con la chitarra, finché non trova una cosa che gli piace. Ludwig ha improvvisamente scoperto che le parti di chitarra che scriveva erano in realtà delle linee di basso. Ha quindi ripreso in mano il basso. Che nell'Aleph è molto presente mentre in Controllo non c'era proprio. Il modo di scrivere, arrangiare e registrare le canzoni è rimasto lo stesso".  Gli Insetti dell'Ambra nascono come costola di Ludwig Van Bologna, a sua volta derivazione di I Professionisti e Le Cose Furiose, formazioni che hanno animato da subito Skank Bloc Records, etichetta indipendente totalmente italiana ma nata a Zurigo e ora operativa a Parigi. Chitarre, fuzz, riverberi, rhythm box, le composizioni italo-francesi di Lapo 'Ludwig van Baloney' Boschi (voce, chitarra basso, chitarra ritmica, campionamenti, modulatore ad anello) e Chris 'Bronkos' Bettoli (chitarra selvaggia) miscelano la new wave con la canzone italiana, il Mediterraneo con le spiagge californiane, il ragù alla bolognese con i crauti (quelli del rock tedesco). In sette pezzi gli Insetti si imbarcano in micro-avventure sorrette da un motorik alla tedesca, melodie visionarie e chitarre taglienti, partendo da una citazione di Borges: "Nella cassetta c’è quello che ognuno ci vorrà mettere, speriamo ci siano tante cose che noi non abbiamo ancora visto. Borges c’è sicuramente visto che i versi di quella canzone sono all’incirca frasi del suo racconto. C’è anche un esperimento di fisica quantistica, specchi che non hanno riflessi, foto in cui il soggetto non si riconosce più, una poesia di Aldo Palazzeschi e dappertutto la sensazione che la realtà nasconda qualcosa di inspiegato". Gli Insetti nell'Ambra non sono solo nastro o flusso sonoro in streaming, ma un duo in carne ed ossa che presenterà L'Aleph per la prima volta dal vivo giovedì 18 gennaio 2018 al Le Pointe Lafayette a Parigi, in Rue La Fayette. Ludwig e Bronkos porteranno con loro le inconfondibili cassette rosa... "Ci hanno detto che la musica su supporto fisico non si vende più. Allora abbiamo pensato di vendere il supporto fisico e basta... Limitando la riproduzione meccanica del nostro lavoro a poche copie di pregiata fattura, scegliendo un supporto carico di implicazioni culturali e affettive, che da solo racconta una storia... speriamo di accrescerne l'aura e dunque il piacere aggiunto per gli intenditori che le stanno acquistando. Tanto lo sappiamo che poi ascoltano tutti su Spotify, o in streaming su Bandcamp, si scaricano gli mp3...! Detto questo, la musica nelle cassette l'abbiamo effettivamente registrata, quindi chi fosse talmente avanti da estrarre la cassetta dalla custodia e inserirla nel radiolone, mangianastri, walkman, piastra o chissà cos'altro, non sarà deluso".